Cinexpressão

Promoção - Comente e ganhe um ingresso

2008-10-22T11:59:00.002-07:00

Sim, eu estou sumida.

Sim, a frequência do blog caiu horrendamente.

Não, não tenho ido ao cinema.

Culpa da Líbero, da Brazucah e do Edição Extra, ok?

E da faculdade também, obviamente.

Seguinte então...

Sexta-feira estréia Última Parada 174, do Bruno Barreto.

A primeira pessoa que comentar nesse blog (se ela existir) ganha um ingresso pro filme.

Vaaaaaaaaalendo...

PS: assim que a gente editar a entrevista que fiz com o Bruno pro Edição Extra, coloco aqui.

Top 10 das choromelas

2008-10-15T09:00:00.001-07:00

Incrível como a galera adora fazer listas de tudo quanto é coisa, né?

O jornal britânico Daily Mail resolveu fazer uma lista de dez filmes que mais levam o espectador às lágrimas.

Se você está ovulando, seu time vai de mal a pior, descobriu que é corno, perdeu o emprego, não sabe quem é seu pai, recém terminou um namoro, não tem onde cair morto, é virgem por opção dos outros, e quer sofrer mais um pouco, aí fica a listinha:

1. Bambi (1942)

2. Ghost - Do outro lado da vida (1990)

3. O rei leão (1994)

4. E.T. - o extraterrestre (1982)

5. Titanic (1997)

6. Amigas para sempre (1998)

7. Philadelphia (1993)

8. Uma grande aventura (1978)

9. Meninos não choram (1999)

10. Flores de aço (1989)

Bem, desses o único que já chorei vendo foi O Rei Leão e Meninos não choram.

Temos que concordar que aquela cena da morte da mãe do Bambi é de fazer qualquer emo cortar os pulsos também, né?

Peixe Grande, do Tim Burton também faz chorar pra caramba. Fica a dica.

O resto da minha lista eu já coloquei aqui.

A Última Parada de Bruno Barreto

2008-10-13T09:33:00.000-07:00

Eu decidi que não vou mais assistir a um filme e logo depois palpitar sobre. Preciso de uns dois dias para digerir o que vi e ouvi. E isso faz mudar bastante as coisas dentro da minha cabecinha. Violência Gratuita foi assim. Mas a coisa esfriou tanto na minha mente que eu decidi que era tarde demais.

A bola da vez é o Última Parada 174, o filme do Bruno Barreto que pode concorrer ao Oscar. Ou não. Mas daí já merece outra discussão. O fato é que sexta eu assisti a cabine e o debate com o Bruno. Logo após o filme eu estava até bastante impressionada. Mas, no fundo, é sim mais um filme sobre violência. Real ou não. É mais um desses filmes que pode ter como chamada: "As pessoas não nascem podres, a sociedade que as torna podres". E blablablá.

O mais engraçado é que, por uma feliz coincidência, eu assisti ao documentário Ônibus 174, do José Padilha, uns minutos antes de ver a ficção de Barreto. E nada ficou mais evidente do quanto a produção de Barreto é sim uma ficção. Sandro Nascimento não é então um simples marginal, ele é uma pessoa com uma história de vida, e, mais do que isso, uma personagem.

Nessa transformação do real em personagem, o diretor, com o roteirista, Bráulio Montovani, acertaram em cheio na construção de Sandro Nascimento. As pitadas de ficção não podem ser esquecidas de maneira nenhuma. Caso o contrário, corre-se o risco de taxar o filme de falso. Última Parada 174 não é um filme sobre o sequestro do ônibus no Rio de Janeiro, não é um filme sobre os fins, mas sobre os meios.

As relações de cumplicidade entre os personagens e a atitude repressora dos órgãos públicos são partes presentes do enredo. Os traços da vida na favela, como a forte presença da igreja, são detalhes que nos conscientizam do caráter ficcional da obra. Há uma montagem de cenário, no trânsito da periferia com a vida no centro do Rio de Janeiro - com forte ênfase nas histórias de garotos de rua e seus sonhos construídos e destruídos.

Bruno Barreto não fez nenhum pouco de questão de ser fiel às imagens reais do sequestro. Ele enxugou a tragédia em si e deu mais destaque à história, criando uma relação emocional e não só intelectual por parte do cinespectador. Como o próprio diretor disse, Última Parada 174 é "o ponto de vista do ser humano", o que vale no enredo é "a condição humana, e não a condição social". Quanto a isso, Barreto admitiu que o Última Parada 174 é "emocionalmente mais violento" do que os filmes brasileiros do mesmo naipe.

A utilização de atores não-profissionais, com roteiros sem fala, em que há espaços para que os próprios atores preencham, é sentida durante a projeção. Barreto declarou ainda que "a ficção tem mais necessidade de ser verossímil do que o documentário". E que sua escolha foi por uma não-espetacularização da violência. De fato, como disse o cineasta, "se há lágrima, emoção, ela é legítima e não manipulada".

Última Parada 174 é baseado em fatos reais. Mas até aí Cidade de Deus, Era Uma Vez, Tropa de Elite, etc também são baseados em fatos reais, de um modo ou de outro. A diferença é que o filme de Barreto tem um personagem conhecido pela mídia, Sandro Nascimento. Última Parada 174 utiliza de uma história real e da licença poética para construir mais um enredo sobre violência e injustiça brasileira. Mas não é por que é mais uma que a história tem que ser ignorada ou subjugada.

Se há repetição ela não é maléfica, ao contrário, é uma comprovação da evolução de identidade que o cinema brasileiro conseguiu atingir. Se, de fato, o cinema é uma legítima forma de expressão e reflexão, já é tarde demais para lutarmos contra o que o cinema brasileiro hoje projeta ao mundo - a não ser que estejamos aptos a lutar contra nossa própria realidade. (O que não é o caso).

By the sea

2008-10-08T13:32:00.000-07:00

Podem falar o que quiserem
Mas eu adoro Sweeney Todd
Sou super fã do Johnny Depp
Pegaria o Tim Burton
(e até a Helena Bonham Carter)

Se eu fosse um filme...

2008-10-07T09:27:00.000-07:00

Hoje eu seria...

Corra, Lola, corra (1998)

Porque uma coisa pode ser feita de diversas maneiras.

Entrevista com Bruno Barreto: Ultima Parada 174

2008-10-02T11:58:00.000-07:00

Acabo de receber o pressbook do novo trabalho de divulgação da Brazucah, o filme candidato brasileiro ao Oscar, Última Parada 174, do Bruno Barreto.
Ainda não vi o filme, então minhas (egocêntricas) impressões ficam pra próxima. No entanto, abaixo colei algumas partes da entrevista com o Bruno - com as perguntas mais clichês, mas que todo mundo sempre faz. Estou com alguns planos de vídeos e informações mais úteis sobre o filme, mas não prometo nada ainda.
Hoje meu trabalho é só como assessoria de imprensa - no melhor estilo copy&paste.

Como surgiu a idéia de fazer ÚLTIMA PARADA 174?
Em junho de 2000, quando ocorreu o seqüestro do ônibus em plena área urbana no Rio de Janeiro e sua transmissão ao vivo paralisou o Brasil, eu vivia em Nova York. Fiquei sabendo o que tinha acontecido pela imprensa. Em 2002, quando assisti ao documentário Ônibus 174, no qual minha filha trabalhou como assistente de produção, fiquei impactado e liguei imediatamente para o diretor José Padilha. Disse que estava desconcertado e cheio de perguntas, sobretudo quanto à mulher que assumiu Sandro como filho e foi a única pessoa presente ao seu enterro. Por que aquela mulher, tão simples, tão forte, mas também tão machucada, segurando uma rosa vermelha, estava convencida que era a mãe do Sandro?

E o que você descobriu?
Para começar, Padilha me disse que eu tinha acertado na mosca – sem dúvida a vida daquela mulher poderia ser um filme à parte. Depois de pesquisar, descobri que ela tivera um filho chamado Alessandro cujo pai ela não tinha certeza quem era. Todos os dias de manhã, ela saía para o trabalho e deixava o menino com a vizinha. Um dia, ao voltar, a vizinha e Alessandro tinham desaparecido. Ela passou a viver obcecada pela idéia de recuperar o filho. Um dia encontrou Sandro e o ‘adotou’. Fiquei tomado pela idéia de uma mãe em busca de um filho perdido e de um filho que precisava de uma mãe. O drama dessas duas pessoas em busca de afeto e que tentam sobreviver em condições totalmente desfavoráveis poderia acontecer em qualquer lugar e qualquer época – na Inglaterra de Charles Dickens, na França de Victor Hugo, no Brasil, no século XXI.

Como foi o desenvolvimento do projeto?
Com a idéia definida de falar dessa tripla orfandade – de uma mãe órfã de um filho, de um filho órfão de mãe, e ambos órfãos sociais - procurei Bráulio Mantovani. Apesar de ter sido o roteirista de Cidade de Deus que aborda a violência no Rio de Janeiro, na história que eu queria contar, a violência seria apenas pano de fundo, cenário de um drama humano. Nesta abordagem, o episódio do ônibus seria o trágico ápice da trajetória de Sandro, um acontecimento que funcionou como catalisador não apenas de uma tragédia pessoal, mas dos medos de toda uma população. Naquele fim de tarde, no Rio de Janeiro, todo mundo perdeu: o seqüestrador, as vítimas, a polícia e milhares de espectadores que testemunharam o desfecho pela TV.

Você teve algum contato com essa mãe?
Eu não tive, mas o Bráulio sim. Eu não queria esse contato para não ficar refém da realidade. A minha pesquisa foi o documentário, e a partir dele passei a imaginar uma história de ficção tendo por base o impacto que ele me causou.

Houve algum pudor em dar um tratamento ficcional a um fato real tão marcante?De forma nenhuma. Muitas vezes, quando assistimos o noticiário na TV ou lemos os jornais, ficamos em estado de total perplexidade. E na maior parte do tempo, a realidade é totalmente surreal. Ironicamente, muitas vezes, uma abordagem ficcional dos fatos pode ajudar a tentar organizar um pouco a realidade e dessa forma, começar a entendê-la.

A história de Sandro e de sua mãe adotiva estão impregnadas de alta voltagem emocional - rejeição, ódio, amor, a possibilidade (ou não) de redenção. Sem falar que a história de Sandro é tristemente emblemática da trajetória dos menores abandonados, entregues à própria sorte e às leis da rua, com passagens por instituições e, mais tarde, prisões. Além disso, Sandro foi um sobrevivente da chacina da Candelária. Como você lidou com essas questões?
Sem medo de olhar a emoção de frente, não para manipular o espectador, mas na tentativa de radiografar os sentimentos dos personagens principais. O maior desafio foi escapar do melodrama. Eu queria tentar entender o que os personagens principais sentiram e, se possível, propor uma leitura objetiva da emoção sem cair em um resultado frio, cartesiano. Eu não quis reconstruir ou mostrar uma realidade distante, mas criar personagens que provocassem uma identificação e um envolvimento do espectador. Não se pode julgar essas pessoas. Eu não sei quais são as suas necessidades afetivas e as aceitei com todas as suas complexidades e contradições. No caso da chacina da Candelária, por exemplo, toda a filmagem foi feita do ponto de vista de Sandro e o maior desafio foi recriar o impacto do que aconteceu sem um tom espetacular, sensacionalista.
Apesar da carga dramática dos personagens, eles não apresentam um perfil maniqueísta.
Sem dúvida, este é um ponto fundamental. Procurei construir personagens matizados não apenas nesse, mas em todos os meus filmes. Tenho a expectativa de que o público empatize com os personagens e não apenas simpatize. Que compartilhem de suas vivências, sem julgá-los. Há momentos em que você gosta dos personagens, momentos em que você os odeia, e momentos em que você se sente desconfortável pela identificação com quem, supostamente, não deveria. Acho que um bom filme deve provocar esses sentimentos contraditórios. Há ainda uma outra leitura na trajetória de Sandro que me interessa: a promiscuidade hoje em dia entre realidade e ficção. Esta fronteira tênue é o subtexto de ÚLTIMA PARADA 174, ou seja, de como precisamos ser vísiveis, a qualquer custo, para legitimar nossas existências. E foi isso que Sandro fez em suas últimas horas de vida.
De fato, o seqüestro do ônibus foi transmitido ao vivo para todo o Brasil durante seis horas.
Um dos aspectos mais importantes da última seqüência – o episódio do ônibus – é o auge da teatralidade atingida pelo personagem de Sandro. O ônibus com os reféns se transformou no palco daquela macabra performance final de Sandro. Para tornar isso claro visualmente, escolhi filmar todos os exteriores – fora do ônibus – com câmeras de TV, colocando-as exatamente onde estavam quando o fato aconteceu, com um resultado que parecia material de noticiário. E filmei as cenas no interior do ônibus de muitos ângulos, em película, visando uma encenação mais cinematográfica. O resultado foi uma ruptura sutil, mas perceptível entre ficção e realidade. Quando Sandro sai do ônibus usando uma refém como escudo, misturei as cenas de vídeo e filme. A partir desse momento, não era mais possível distinguir entre ficção e realidade – que se misturaram de forma definitiva.

(...)

Alguns filmes brasileiros recentes falam de violência urbana - como Cidade de Deus e Tropa de Elite. Que relação ÚLTIMA PARADA 174 estabelece com esses filmes?
ÚLTIMA PARADA 174 é narrado exclusivamente do ponto de vista dos personagens. Eu queria que o tom épico do filme viesse sobretudo dos sentimentos dos personagens e não da maneira de filmar. Um épico intimista. Nos filmes mencionados, os personagens são mais arquetípicos, a direção mais extrovertida. Gosto muito desses filmes, mas eu diria que são expressionistas – as personagens são olhadas de fora para dentro. Eu quis fazer um filme impressionista.

ÚLTIMA PARADA 174 é seu 18º longa-metragem, que inclui marcos do cinema brasileiro como Dona Flor e Seus Dois Maridos (1974), até hoje, recorde de bilheteria, e O que é isso companheiro, indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro. Qual a relação que você estabelece entre ÚLTIMA PARADA 174 e seus filmes anteriores?
Gosto especialmente de Romance da Empregada e Carried Away. Talvez eu venha a incluir ÚLTIMA PARADA 174 entre meus preferidos. Só o tempo dirá. Sempre preciso de alguns meses para julgar o filme que acabei de fazer. Mas uma coisa está bem clara: filmei com a liberdade de quem está fazendo o primeiro filme. Após 18 longas, sei que o maior perigo da experiência é engessar a liberdade de criação. Acho que com ÚLTIMA PARADA 174 consegui resgatar essa liberdade – filmei de uma maneira bem solta, abri espaço para improvisação, sobretudo com os atores. Foi uma experiência fascinante.

(...)

Em 2000, você realizou uma das odes mais românticas já feitas ao Rio de Janeiro, com Bossa Nova, embalado por música de Tom Jobim. Oito anos depois, você apresenta o oposto daquela situação, com ÚLTIMA PARADA 174.
Os dois lados são verdadeiros. No Rio, a beleza da paisagem e o lirismo da Bossa Nova convivem com os dramas diários dos personagens de ÚLTIMA PARADA 174. De certa forma, também tenho essa dualidade: um lado leve, assumidamente romântico e lúdico. O outro, tragicamente intenso, impulsivo, violento. Acho que se poderia dizer que eu e o Rio temos muito em comum.

Mobilização, internet e cinema

2008-10-01T10:11:00.000-07:00

Bem-vindo à MovieMobz!

Agora você faz parte da primeira comunidade online a permitir que você programe a sessão do filme a que quer assistir na sala de cinema. O poder está em suas mãos. Na MovieMobz você pode encontrar filmes clássicos e independentes, conhecer novas pessoas e mobilizar a comunidade para assistir aos títulos de sua preferência, no cinema mais próximo.

Na MovieMobz você pode:
Comentar, criticar e fazer um ranking de seus filmes favoritos

Eleger os filmes que você quer ver ou rever

Encontrar pessoas com interesses em comum por cinema

Criar e se associar a MovieClubes para debater e programar sessões exclusivas

Mobilizar sessões de filmes clássicos e independentes já digitalizados e disponíveis em nosso catálogo

Agradecemos seu cadastro e aproveite ao máximo este serviço.

Na Odisséia de sexta-feira do Unibanco, a sala três projetou filmes mobilizados pelo MovieMobz. Eu já tinha ouvido uns comentários céticos sobre esse projeto e resolvi conferir esse trabalho e sua possível eficácia. O primeiro clássico foi fazer o meu cadastro no site do MovieMobz. Logo em seguida, recebi o email acima e, com o tempo fui fuçando no site e descobri que a coisa pode ser divertida.

É. Eu não tenho amigos =/

Para cinéfilos e desocupados, MovieMobz é um prato cheio. Lembro que o Pimentel (presidente do Conselho Nacional de Cineclubes) comentou sobre a boa intenção do Fabio Lima e do Marco Aurelio com a criação desse site de relacionamento.
Saquei que o MovieMobz é tipo o Orkut, no começo você quer adicionar 1.236 comunidades e 879 amigos. Daí com o tempo você vai selecionando melhor os amigos, as comunidades, os filmes. E quem sabe você até comece a frequentar uma comunidade ou outra. Quem sabe você até vai à alguma sessão mobilizada, coisa e tal.
O negócio funciona assim:

1 - O internauta se cadastra e participa da comunidade de cinéfilos na qual discute filmes, dá notas, comenta e faz críticas
2 - Ele escolhe um filme e contata outros membros para promover a sessão. Outra opção é ver que mobilizações já estão sendo feitas e entrar ou cadastrar seu e-mail para ser avisado quando o filme pretendido tiver uma exibição agendada
3 - O objetivo é reunir o maior número de interessados para promover a sessão. Quanto mais gente, mais barato fica o ingresso
4 - Fechado o grupo, o site reserva a sala de cinema e envia digitalmente a cópia do filme. O preço varia de acordo com o horário, o número de participantes e o dia da sessão
(Informações retiradas daqui)

Conclusão: MovieMobz é sim muito bem intencionado. Não vejo nenhuma pista de lavagem de dinheiro ou industria mafiosa. No entanto, será que funciona? Porque mobilizar virtualmente é fácil. Mas estar presente e colocar o bonde pra funcionar já é mais complicado, mermão. Fica aqui meu apoio moral a esse projeto.

A minha Odisséia de sexta-feira

2008-09-29T10:22:00.000-07:00

A Odisséia do Espaço Unibanco está de volta! E nessa sexta eu fui conhecer o esquema que inclui três filmes (com a opção de três salas diferentes), pseudo-balada, café da amanhã, mojitos e uma bavaria. E tudo por R$16,00 a inteira e R$8,00 a meia. A desvantagem? Os filmes foram beeeem mais ou menos.
Eu escolhi a sala1 que incluía o italiano Caos Calmo, um filme surpresa e Amigos, Amigos, Mulheres à parte. Não sei se teria sido melhor ou pior a sala 2 ou 3. Acho que os mojitos, a cerveja e boa companhia foram capazes de me distrair. Um brevíssimo comentário sobre os filmes:

1- Caos Calmo - Um filme sobre o estado emocional de Pietro depois da perda de sua esposa, e a relação com a filha Claúdia e com o mundo a sua volta. Extremamente sensível. Eu gostei bastante até. Atenção para a sutil aparição de Polanski. E para a cena péeessima de sexo.

2- Sempre Bela - O filme é uma "continuação" do clássico A Bela da Tarde (1967). Nunca assisti a A Bela da Tarde - digo envergonhada. E acho que eu já tinha tomado mojitos demais da conta. Fiquei com sono. Mas me pareceu extremamente dispensável.

3- Amigos, Amigos, Mulheres à Parte - Desde American Pie eu não via um filme tão estúpido. Aliás, é com aquele mané do Jason Biggs, além da Kate Hudson. Tonto, machista, inútil. Todas mulheres são objetos sexuais, todos os homens são uns imbecis. Eu não estava esperando mais um filme cult ou coisa assim. Defendo o cinema como distração, mas como distração inteligente, por favor. Nesse as mulheres são classificadas como letras e, no final, o garanhão que fica com a mocinha, e não o bonzinho. Hum, talvez o final eu ache digno.

Conclusão: Cinema é cinema. Sem baladinha, sem alcool, sem paqueras e distrações. Ritual sagrado, ao menos pra mim. A próxima Odisséia será dia 31 de outubro, e eu aceitaria fácil uma madrugada de filmes de terror, por mais clichê que seja. Indico sim. O HSBC Belas Artes também tem o seu noitão. Qualquer cinéfilo merece.

O filme mais importante de 2000 a 2008

2008-09-26T12:24:00.001-07:00

Ainda estou sem tempo para postar coisas pseudo-úteis. Então vou postar inúteis mesmo...

Alguém pode me explicar qual o parâmetro da Folha para lista de melhores filmes?
Para começar, defina importante.
Agora me diz se algo chega perto disso:

Qual é o filme mais importante de 2000 a 2008?

"Cidade dos Sonhos" (2001), de David Lynch
"O Pântano" (2001), de Lucrecia Martel
"O Senhor dos Anéis" (2001/ 2002/ 2003), de Peter Jackson
"Edifício Master" (2002), de Eduardo Coutinho
"Cidade de Deus" (2002), de Fernando Meirelles e Kátia Lund
"Elefante" (2003), de Gus Van Sant
"A Vila" (2004), de M. Night Shyamalan
"O Segredo de Brokeback Mountain" (2005), de Ang Lee
"Volver" (2006), de Pedro Almodóvar
"Em Busca da Vida" (2006), de Jia Zhang-Ke

A Vila?! Cara, a paródia do Todo mundo em Pânico é melhor do que o original.
Vamos combinar, hein.

Início da primavera e semana da pesada

2008-09-22T18:40:00.000-07:00

Eu havia decidido que nem iria postar essa semana. Mas já que eu estou aqui, na penúltima semana do 3º bimestre, apenas enrolando para fazer algum dos meus milhões de trabalhos, aproveito para estreiar uma nova seção do meu blog.

Simples. Eu escolho um artista do meio cinematográfico, de acordo com um tema, e faço uma lista com os três melhores trabalho dele na minha humilde opinião.

Aproveitando o início da tão aguardada (?) primavera, estação das flores, do amor e de garotinhas de vestido curtos e floridos, eu hoje homenageio um dos meus atores mais querido em comédias românticas.

And the Oscar goes to...

Hugh Grant por:

3º lugar: Um lugar chamado Nothing Hill

2º lugar: Nove meses

1º lugar: Letra e música

PS: Prometo que semana que vem tudo volta ao normal, relaxa

Parabéns, Brazucah!

2008-09-19T10:49:00.000-07:00

Nesse mês de setembro de 2008, a Brazucah está completando 6 anos de existência e eu não poderia deixar de fazer um post de aniversário. Parabéns à Camila e à Cynthia pelo trabalho de altíssimo nível que elas têm desenvolvido frente à Brazucah! E uma saudação especial também ao Marco pela dedicação ao desenvolvimento da rede. São poucas as pessoas que realmente conhecem o trabalho que a Brazucah desenvolve e o quanto há de amor ao cinema nacional dentro desse projeto.

Digo isso como uma agente Brazucah, cinéfila e amante do produto nacional. Nesse poucos meses que acompanhei esse trabalho como agente, aprendi muito e alimentei um amor que vai ser difícil de largar. Passei de uma simples cinespectadora a uma humilde mobilizadora. E o projeto por trás da Brazucah é muito mais do que isso. É estimular conexões entre o cinema brasileiro e as pessoas. É lutar pela diversidade cultural, por um espaço de discussão, crítica e livre expressão de opinião no meio cultural, intelectual e, principalmente, universitário. E fora isso, possibilitar a ampliação do acesso de quem não frequenta salas de cinema por diferentes dificuldades.

Há muito de belo nessa missão. A Brazucah é a única empresa privada que se propõe a identificar as principais carências do setor cinematográfico e suprir algumas delas. Porque é fácil reclamar da qualidade do cinema nacional, da falta de opções e oportunidades. Já a Brazucah age, criando planos de comunicação para a formação de publico para o cinema brasileiro. Não é simples e é uma parte importante da identidade brasileira. Por mais que muitas pessoas (ignorantes) subestimem.

Brazucada carioca e paulista

Por isso, eu parabenizo todo mundo que faz parte da rede, incluindo os agentes e colaboradores. Porque eu sei que, por mais que para muito de nós isso seja um grande hobby, por outro lado, é um serviço feito com uma força de vontade que poucos têm. Espero que a Brazucah cresça mais e mais e desenvolva cada vez mais ações de altíssimo nível. Afinal, a empresa ainda é só uma criança na pré-escola. Ainda há muito a evoluir. Pois eu tenho certeza de que o trabalho da Brazucah é muito mais do que um meio de sobrevivência, é uma paixão sincera.

E abaixo segue o flyer da nossa festa de aniversário:

Momento de reflexão

2008-09-17T12:28:00.001-07:00

Final de bimestre fica difícil postar qualquer coisa. Para não deixar o dia de hoje passar em branco, vou postar três frases amplamente reflexivas do nosso (não-tão) idolatrado David Lynch:

“Se você quer pegar um peixinho, pode ficar em águas rasas. Mas se quer um peixe grande, terá de entrar em águas profundas"

“Precisamos remover a negatividade do mundo. A paz não é só a ausência de guerra, é a ausência da semente da guerra, que é a negatividade”

"Eu queria ser um pintor e somente um pintor. Até o dia em que eu estava no meu estúdio pintando um quadro com folhas verdes. Eu olhei para a imagem e vi as folhas se movendo com o vento, o que que me levou ao cinema"

Na boa, Lynch, de onde venho isso é sintoma de loucura ou efeito de algum ilícito. Tem nada a ver com cinema não.

Mais pra mais do que pra menos

2008-09-17T12:28:00.000-07:00

Se eu alguém mais me disser que o Ensaio sobre a Cegueira, do Fernando Meirelles, é "mais ou menos" vai ter que me dar argumentos convincentes. Eu gostei, ok? E gostei bastante. E parece que as pessoas ficam meio com receio de dizer que gostaram. Todo mundo fica esperando a resposta do outro. Daí alguém solta um "mais ou menos", o outro concorda e assim fica tachado o filme. Muito injusto, ok?

Mas já que vocês insistem tanto... vamos falar dos pontos negativos do filme. Por exemplo, por que, diabos, escolheram o Mark Ruffalo para o elenco? Por quê, meu deus? Por quê? Será que só eu acho ele um cara tão sem-sal-sem-açúcar? Ele mantém a mesma expressão do início ao fim do filme e não estou falando só desse filme! De início dá um pouquinho de dá, "tadinho, ele deve sofrer tanto na vida". Mas, por favor, o Ensaio sobre a Cegueira poderia ser melhor se não fosse por ele. Vamos combinar.

Agora quero só que imaginem como deve ser difícil fazer uma produção tão abstrata e ainda de um best-seller do Saramago. Todo mundo sabe que sempre chovem críticas às adaptações de livros, peças e biografias. Certo? Pois o Saramago gostou, ou, ao menos, fingiu que gostou. E, de verdade, eu li o livro e não me frustrei nenhum pouco com o trabalho do Meirelles. Pô, são personagens sem nomes, lugares que podem ser qualquer um, mas que na verdade não existem! São tantas metáforas, críticas e situações reflexivas que poderiam ter se perdido na adaptação cinematográfica. Mas não. Meirelles fez um ótimo trabalho. Dá uma olhada na reação do Saramago ao ver o filme pela primeira vez:

E se liga na apreensão do Meirelles

Em Ensaio sobre a Cegueira, as personagens são complexas e, ao mesmo tempo, não há espaço para expô-las totalmente ao espectador. O nome não importa. A partir daí já fica difícil montar as personagens e não se perder num emaranhado de histórias. Ninguém no filme (e no livro) é mau por ser mau ou bom por ser bom. É verdade sim que o mau é assustadoramente mal. E Gael García Bernal fez um bom trabalho. Está de dar medo. Nada a reclamar também da Juliane Moore.

Muitos acharam o filme forte, deprimente ou com cenas pesadas demais. Talvez seja mesmo. Porém, eu estava esperando pior. Sabe-se que Meirelles cortou algumas cenas por reclamação dos cinespectadores durante os testes de exibição. Principalmente da parte dos estupros. Pesado. Estupro é sempre pesado. A própria palavra já soa grosseira e deprimente. Então não se pode colocar a culpa no diretor ou mesmo no roteirista. É a história. É Saramago.

A fotografia é esplêndida. César Charlone tratou muito bem da dilatação da luz, dos objetos e cenários claros. O resultado é uma produção de fotografia que carrega o próprio caráter do filme. As filmagens foram feitas em São Paulo, Ontario e Montevidéo. Quem conhece São Paulo reconhece as ruas, os viadutos e pontes. No entanto, São Paulo de Meirelles é só mais uma cidade qualquer. Placas em inglês, ruas que poderiam ser em qualquer lugar do mundo. O mundo de Saramago é assim, abstrato, metafórico, simbólico e deprimente.

Preciso deixar registrado também que o ator que interpreta o menininho do filme é a cara do meu irmão caçula, o Guilherme. Se forem fazer uma continuação do filme (deus que me livre) e o Mitchell Nye não topar, bota meu irmão lá. Ninguém vai notar a diferença. Fica a dica.

Se eu fosse um filme...

2008-09-16T09:38:00.000-07:00

Hoje eu seria...
Impulsividade (2005)

Porque, no fundo, tudo que me faz falta é um vício.

Caso um dia desses você tenha que tirar um dente...

2008-09-15T10:24:00.000-07:00

Nesse final de semana, arranquei o meu terceiro molar inferior, popularmente conhecido como dente do siso, ou o "dente do juízo". Quem já passou por essa emocionante situação sabe que não é uma das coisas mais legais do mundo. A parte boa é o sorvete (nos dois primeiros potes só) e os mimos - já que se fica proibido qualquer esforço físico, que inclui arrumar a cama, lavar a louça, levantar da sua cama quentinha... Com isso me restou apenas uma boa opção para o final de semana: assistir a filmes.

Pensando que, mais cedo ou mais tarde, você também pode ter que passar por isso, segue a minha listinha de filmes com comentários amplamente superficiais:

1- Hairspray (2007): O maior problema em assistir a esse filme foi se segurar para não rir toda vez que o John Travolta aparece vestido naquela roupa ridícula - o que causava muita dor na minha boca recém-operada. Tem toda aquela chatice de ser musical, mas é um clássico, então vale a pena. Sem contar que tenho que admitir que o Zac Efron está bem homenzinho nesse filme. De verdade. Dá até vontade de pegar para criar.

2- 10.000 a.C (2008): Uma viagem no tempo, com feras pré-históricas, lutas, amores e blablablá. Sinceramente, eu não gostei. Parece que não há um ponto alto no filme. Ele mantém a mesma linha, com as mesmas tensões e bobagens. O que me cansou pra caramba. Mas, tem gente que gostou.

3- Encontros e Desencontros (2003): Mais um filme, desses super comentados, que me frustrou. Eu me restrinjo a jogar a culpa no Bill Murray, que eu nunca achei um ator espetacular. Scarlett Johansson está apaixonante como sempre. Perfeita de peruca rosa. E nota-se, numa cena, que ela também tem celulite... lero, lero, lero...

4- Ponto de Vista (2008): Preciso admitir que gostei. Mesmo que não tenha nada de espetacular, ou coisa assim. Fiquei esperando um final surpreendente ou mais inteligente do que minha capacidade de imaginação, mas não foi assim. É um filme legal. No estilo do que o seu pai vai gostar, sabe.

5- O assassinato de Jesse James pelo covarde Robert Ford (2006): Eu achei o filme cansativo pra caralho. Não sei se foi culpa da quantidade de remédios que eu havia tomado para passar minha dor. Mas, de verdade, cochilei muito durante o filme. Os últimos 30 minutos até que mereceram a minha atenção. No entanto, os outros 120 minutos pareceram uma eternidade. O que é uma dó. Porque sempre gostei da história de Jesse James.

6- Morte no funeral (2007): Uma comédia com um bom-humor inglês de primeira. Os personagens encaixam-se perfeitamente com os atores. Apesar dos esteriótipos, o elenco encara muito bem os 90 minutos de comédia. Super indico.

7- 21 gramas (2003): Um filme para riscar da minha listinha de pendentes. Não é mais um filme sobre o destino, como eu esperava. Benicio del Toro está esplêndido. O tema forte, a montagem nervosa e as cores sufocantes fazem do filme um pouco pesado para uma tarde de domingo. Mas nada que um coração não aguente.

O novo do mesmo

2008-09-11T11:08:00.000-07:00

Sinopse: "São Paulo. 22 milhões de habitantes. 200 quilômetros de engarrafamentos. 300 mil motoboys. No coração da cidade em transe, quatro irmãos tentam se reinventar. Reginaldo - o mais novo e único negro na família - procura seu pai obsessivamente; Dario sonha com uma carreira de jogador de futebol, mas, aos dezoito anos, se vê cada vez mais distante dela; Dinho se refugia na religião e o mais velho, Dênis, pai involuntário de um menino, tem dificuldade em se manter. Sua mãe, Cleuza, empregada doméstica que criou sozinha os quatro filhos, está grávida novamente de mais um pai desconhecido..."
Você lê a sinopse e pensa: "hmmm...". Desconfia de que uma história assim, tão clichê possa, ao menos, valer os R$6,50 da meia do ingresso, não é? Pois eu digo que se Walter Salles não fosse Walter Salles, Linha de Passe seria mais um. No entanto, em companhia de Daniela Thomas, ele tem no currículo grandes obras como Terra Estrangeira e Central do Brasil. Waltinho não faz qualquer coisa não, amigo...
Não depois da frustração hollywoodiana que foi Água Negra. Nem depois do belíssimo Diários de Motocicleta. Walter Salles não iria nos frustar. E não frustrou. E qualquer elogio que eu faça ao Linha de Passe vai cair no já dito (e gritado) pela imprensa: "denso, envolvente"; "uma alternativa mais realista aos românticos e estilizadamente cintilantes filmes com os quais o cinema brasileiro vem sendo identificado"; "toca em temas sérios sem sublinhar sua autoimportância".
Linha de Passe tem sim um cenário manjado, atitudes estereotipadas, mas que não eliminam o carater realista da história. É verdade sim que o pobre chora num culto evangélico e num jogo do Corinthians. É verdade sim que festa de aniversário de pobre tem coxinha e funk. Nesse sentido, Linha de Passe me lembrou A Casa de Alice, de Chico Teixeira. São os figurinos, as atitudes, as falas, as piadinhas, as angústias e os medos da classe baixa do país. Disso não há como fugir.
Sandra Corveloni, a intéprete da Cleuza, mãe dos quatro irmãos, levou o prêmio de melhor atriz de Cannes. Bem justo, vamos admitir. Mas, com certeza, o personagem mais simpático da história é o caçula Reginaldo, interpretado por Kaique de Jesus.
A personificação dos dilemas da classe baixa, entre o certo e o errado, a complexidade das personagens, entre seus medos e sonhos, e o final em aberto fazem de Linha de Passe um seguidor de caminhos já antes trilhados pelo cinema brasileiro e mundial. Mas nem por isso fazem dessa nova produção mais uma entre as outras. Essa é a graça do cinema; parece que os temas se esgotam, mas, na verdade, sempre há como renovar. Fora isso, fico frustrada em não ter mais nenhum comentário adicional sobre essa encantadora produção. Mas, cá entre nós, encantador mesmo é o Walter Salles, hein? Ah, quem me dera...

A minha primeira vez

2008-09-10T12:42:00.000-07:00

Você se lembra da primeira vez que foi ao cinema? Ao que assistiu?

Pois a primeira vez a gente nunca esquece, não é? E essa é uma das lembranças que mais tenho nítida na mente. Eu tinha entre seis e sete anos, estava no prézinho da escola "Primeiros Passos". Sentei na ponta da fileira, logo na frente. (Ainda não sabia que as primeiras poltronas não significam necessariamente o maior conforto). Do meu lado estava o Xandinho (hoje Alexandre José Garcia, mas igualmente amigo e irmão) e do lado dele estava a Nathalia, depois o Evandrinho, depois a Ivana e depois o Felipe.

Sim, nós estávamos praticamente de casal. Mas, na verdade, à ida ao cinema era uma excursão da nossa escola conservadora e adventista. Excursão para algumas quadras de diferença da nossa humilde escolinha no bairro da Cidade Jardim em Jacareí. Era o primeiro cinema que a cidade tinha. Se não estou enganada, só havia uma sala. Ou talvez duas.

Quando as luzes se apagaram, a gente não conseguiu conter a empolgação. Soltamos suspiros, interjeições e gritinhos infantis. O filme era O Rei Leão. Lembro que aquela música de abertura, com as cores, sons tão nítidos e uma tela tão grande me deixaram deslumbrada. Sabe aquele friozinho que vai de cima a baixo da espinha? Foi o que senti. Quando olhei para o lado, meus amiguinhos, de olhos arregalados, nem piscavam. Estavam em outra dimensão.

Eu gostava do Xandinho. Todo mundo sabia disso. (Inclusive a minha mãe ¬¬). Então, no meio do filme, segurei a mão dele. Ele ficou vermelho. Mas nem se mexeu. Logo atrás da nossa poltrona estava a Tia Joana. Só de olho. Ou, ao menos, deveria estar de olho. No entanto, ela também estava concentrada demais com o maravilhoso mundo da Disney.

Quando o Mufasa morreu, eu chorei. (E depois, conversando com as meninas, descobri que não fui a única). Porém, na hora, fiquei envergonhada e sequei discretamente meu rosto. O Xandinho nem se mexia. Parecia petrificado. Então eu encostei a minha cabeça no ombro dele.

Agora parece engraçado porque éramos baixinhos - e eu ainda sou -, então acho que deve ter ficado difícil de ver a tela, não? Só sei que a partir daí os minutos se passaram muito rapidamente. Num piscar de olhos, o filme já havia acabado. E me cresceu uma angústia.

Essa história de ter "agarrado" o Xandinho na nossa primeira ida ao cinema ainda nos rende muitas piadas. Hoje, o lugar onde era esse cinema é agora uma Igreja Universal do Reino de Deus. Mas, atualmente, Jacareí tem seis salas Cinemarks de primeiríssima geração. E eu já sei de cor e saltado todas as músicas d´O Rei Leão e algumas falas. E, de vez em quando, eu ainda choro quando o Mufasa morre. Mas isso é segredo.

Stichprobe

2008-09-09T11:17:00.000-07:00

A minha mais nova paixão são os curtas. Cara, tem tanta coisa boa por aí!
E a partir de agora vou postar, de vez em quando, uns bem legais por aqui.
(Principalmente porque estou com pouquíssimo tempo para escrever).

Preciso admitir que tenho uma inveja enorme dessa galera que manja de animação e, pior, ganha a vida fazendo isso. Esse curta mostra um pouquinho do que sempre acontece no minusculo universo a nossa volta mas a gente nunca vê...

O curta, Stichprobe, mostra de perto o mundo microscópico de dois insetos muito curiosos. A animação, feita por estudantes da Hochschule der Medien, de Stuttgart, na Alemanha, é um tributo à série animada Minuscule, criada por Thomas Szabo e Hélène Giraud.

(Sugestão do resfest.com)

Entre Ana e Maria

2008-09-08T10:58:00.000-07:00

Eu tenho uma enorme queda por filmes de época, com seus vestidos, danças e homens que dão até vontade de voltar no tempo. Pois eu, finalmente, eu assisti a A Outra (The Other Boleyn Girl), do diretor JustinChadwick. A história se passa na Inglaterra do século 16, onde duas irmãs, Mary (Scarlett Johansson) e Anne Boleyn (Natalie Portman) lutam para ser a companhia do Rei Henrique VIII (Eric Bana) na cama. A rivalidade entre as irmãs e o cruel destino que as aguarda é retratado pelas tramas da corte da época. De repente o rei coloca o futuro de seu reino na mão das irmãs Bolenas (no aportuguesado). E vamos combinar que entre a a lindíssima Johansson e a meiguíssima Portman fica difícil, hein?
Há muito de aula de história no filme. Mas são muitas tramas e acontecimentos de anos condensados em duas horinhas de filme. Então, historicamente, o roteiro adaptado de Peter Morgan deixa bastante a desejar. No entanto, o que mais me irritou foi realmente o maniqueismo do enredo. Maria é a injustiçada, boazinha e apaixonada. Ana é a manipuladora e ambiciosa. Henrique é confuso, inconstante e facilmente manipulável.
A Outra prioriza as intrigas, jogos de poder e sedução. O filme é praticamente uma obra de arte, mas em forma de pintura, como aqueles quadros históricos. Os cenários são belos, os figurinos estupendos e eu muito suspirei em cada cena que Johansson aparecia. A Ana Bolena de Natalie Portman é falsamente ingênua e usa e abusa dos poderes femininos, deixando um resumo sobre a arte de ser mulher: controlar fingindo que o homem que está na direção das coisas. Perfeito. Ana é a materialização da sedução com a persuasão. Além de representar muito da ambição que as mulheres da época tinham (e que não mudou nada de lá pra cá, né).
É assim que Rei Henrique VIII acaba abrindo mão de sua esposa, filho, da própria Maria e rompe com a Igreja Católica. Ana é o exemplo da mulher que mudou a história, mesmo como coadjuvante. Para vocês verem como uma mulher, mesmo naquela época, já significava a queda ou o fortalecimento do Estado. No entanto, a minha conclusão geral do filme foi: puta sortudo esse Eric Bana!

As irmãs Bolena do séc. XVI

As irmãs Bolena do séc. XXI

Maravilhas que só o século XXI faz por você.

Para gays, pervertidos e politicados de plantão

2008-09-04T10:27:00.000-07:00

A verdade é que está um calor insuportável e eu estou num prédio sufocante no meio da Paulista. Se eu pudesse fazer um pedido seria escolher algumas boa companhias para beber cerveja e falar de sexo. E só de sexo. Porque o tema da semana é sexo. Do mês, do ano, da história da humanidade. (Por favor, que meu pai não leia isso).
Tenho graves problemas para falar sobre sexo abertamente - resquícios de uma educação exageradamente conservadora e cristã. Portanto, vamos falar do filme a que eu assisti ontem. Shortbus é o nome. Tema principal: sexo. Aliás, (quase) tema único - paraos de mente mais fechada. Quando me disseram que o filme era meio pornográfico achei lá que fosse coisa de gente meio conservadora. Mas eu só digo que o diretor e roteirista John Cameron Mitchell conseguiu muito mais do que isso. Ele fez um filme político, humorado e provocativo. Porém, quem diz que esse filme é pornográfico é porque nunca viu um filme pornográfico de verdade. E não acredito que o único objetivo do filme - como muitos acharam - fosse simplesmente chocar o cinespectador com cenas bizarras e engraçadas de tão grotescas.
Shortbus acompanha os conflitos amoroso-sexuais de diversos personagens fáceis de encontrar em cidades grandes e modernosas como Nova York ou, mesmo, São Paulo: uma terapeuta sexual que nunca teve um orgasmo (Sook-Yin Lee) e seu marido (Raphael Barker), uma dominatrix solitária (Lindsay Beamish), um voyeur (Peter Stickles), um casal gay (Dawson e PJ DeBoy, namorados na vida real) que não consegue transar, entre outros. Na verdade, Shortbus é o nome de um tipo clube de sexo. Em que tudo é liberado e todos estão a procura da tal boa vibração. A produção flui anárquica e liberal, ao mesmo tempo em que, algum momento, dá aquele aperto no peito perante a solidão do mundo.
Muito dos diálogos são improvisados, muitos das cenas de sexo são reais, inclusive os orgasmos. Shortbus tem um peso da Nova York traumatizada pelo 11 de setembro. Uma Nova York em que cantar o hino nacional durante uma mènage é fazer graça. E o intuito do filme é fazer graça. O sexo é tratado com a maior normalidade do mundo, sem aquele peso de "sexo" propriamente dito. Tudo é franco e não-vulgar. Ao menos, pros mais bem-resolvidos e mente abertas.
Querem uma curiosidade? Para deixar os atores mais à vontade, o diretor John Cameron Mitchell e os cinegrafistas ficaram nus ao rodar a cena da orgia. Pô, será que tinha mais alguém gravando isso? Deve ter sido surreal. Gozar na própria boca? Participar de orgias e mènages? Pô, tudo fichinha. Minha mãe acharia uma falta de vergonha. Ninguém no meu colégio adventista interiorano aceitaria qualquer coisa perto disso.
Mas querem saber? Eu gostei bastante de Shortbus. E não por causa de seu caráter sexual. Mas porque me fez ver a naturalidade como certos assuntos podem ser tratados. E devem. Sem contar que eu chorei com o casal James e Jamie. (Incrível como casais gays me tocam muito mais). Destaque também para a excepcional trilha sonora. É verdade sim que Shortbus prende pelo prazer voyerístico do cinespectador. Pela vontade de abraçar o lado bom da vida sem se preocupar com nada. Pelo modo de vida anárquico que, em algum momento, temos a possibilidade de escolher.
Por isso que acho Shortbus um ótimo filme pra assistir com uma galera e acompanhado de uma cerveja depois. Muitas discussões podem ser geradas. Discussões sobre política, amor, relacionamentos, cinema e, claro, sobre sexo. Mas sexo é sempre o ponto de partida e nunca o ponto de chegada. Como me ensinou Mitchell. E, no fundo, eu sou uma pervertida.

Comentando...

2008-09-03T12:47:00.000-07:00

Anne Hathaway em Veneza: 'Interpretei o papel mais complexo da minha vida'
Bem, para quem tem O Diário da Princesa, Uma Garota Encantada e Agente 86 no currículo, qualquer papel de drogada num drama familiar já pode ser considerado bem complexo.

Grã-Bretanha proíbe cartazes de 'O procurado', em que Angelina Jolie aparece 'glamourosa' com arma
Ah, então tudo bem o (esquisito do) príncipe Harry ir fantasiado de nazista, mas nada certo se a (gostosa da) Angelina Jolie parecer com uma arma na mão num cartaz de filme?

Jornais franceses publicam críticas negativas de "Tropa de Elite"
Ainda nisso, é? Tanto filme bom rodando por aí, cara...

'Os Desafinados' e 'Estômago' na competição do Festival de Biarritz
Justiça seja feita, hein? Sou bem mais o João Miguel ao Rodrigo Santoro, vamos combinar.

Heath Ledger é eleito melhor vilão do verão no cinema americano
Esse cara sim fechou com chave-de-ouro. Tem gente que precisa aprender a fazer um filme bom e depois se matar. (Perdão pela falta de sensibilidade)

Ator de 'Harry Potter' diz que gostaria de fazer uma drag queen
"Daniel Radcliffe disse que é desculpa para usar maquiagem no olho". Ah, claro, querido Dani, perfeitamente compreensível ¬¬

O dilema do aborto

2008-09-02T11:40:00.000-07:00

Quinta-feira passada, a Brazucah promoveu a pré-estréia do documentário O aborto dos outros aqui na Cásper Líbero. Em geral, ouvi bons comentários sobre a ousadia de Carla Gallo no enfoque a esse submundo do aborto, suas dores e traumas. No entanto, fiquei um pouco incomodada pela diretora ter suas intenções incompreendidas por alguns alunos e vou ter que sair em defesa da Carla em alguns aspectos...
Primeiramente, a diretora deixou claro que nunca foi sua intenção levantar a bandeira a favor ou contra o aborto. Mesmo porque isso não existe. Ninguém é a favor do aborto. Ninguém faz por total vontade ou pura maldade o aborto. E essa são agora as minhas palavras. Porque eu fiquei abismada com as pessoas terem entendido que a Carla está defendendo um crime.
Pra começar, a definição aborto não é verdade universal. Adultério é crime. Transar antes do casamento é crime. Usar camisinha é crime. Assim como o aborto é crime. São ideologias. São crenças e pensamentos próprios. E é exatamente isso que o documentário O aborto dos outros tentou evitar. A mesma discussão ideológica de sempre. O mesmo chove-não-molha de anos e anos. Enquanto isso, de quatro gravidez, uma acaba em aborto. Número considerável, certo?
Sim, o Brasil é um país de maioria cristã, mas é também um país de enormes desigualdades sociais e de uma educação falha. O fato de sermos cristãos não impede que nossas garotas engravidem antes dos catorze e sem a menor condição de criarem a si mesmas, quanto mais uma criança!
No entanto, o documentário da Carla Gallo não discute nada disso. Ao menos, explicitamente não. Você pensa o que quiser, mas só é injusto achar que há uma bandeira ideológica, religiosa ou política levantada. Não é nada disso. O documentário é sobre o ângulo afetivo, o emocional de quem tira uma criança. Todas as mulheres mostradas, inclusive a garota de 13 anos estuprada, não acham que o aborto seja um ato certo. E é isso que as reprime, que as fazem chorar e sofrer aflitivamente durante a indução do aborto. Pois é essa angustiante dor que a Carla mostra no filme.
Legalizado ou não-legalizado o aborto não vai deixar de existir. Mesmo em casos de abortos legais, a mulher sofre pela repressão da sociedade. Como se a sociedade tivesse o direito de julgá-la! Como se a própria sociedade, com suas instituições alienadas, pudessem decidir o seu futuro! Os mais radicais dizem que aborto é um meio de execução como a guilhotina. Qualquer radical, para mim, é repressor e injusto. Porque não há apenas um ângulo para cada situação. E qualquer grupo radical é prepotente demais para aceitar o ângulo do outro.
Abortar é um ato angustiante para quem o faz e para quem assiste. Foi isso que a Carla Gallo me provou com o seu filme. Acho que foi um ato muito corajoso de sua parte ter levantado essa discussão. Porque eu imagino o quanto deve ser difícil convencer um alienado, não a aceitar o aborto como algo normal e que deve ser legalizado, mas, simplesmente, a discutir sobre a realidade brasileira, que não é um mar de rosas. Quem hoje pode negar a existência de abortos ilegais e de gravidez indesejadas e, muitas vezes, como no caso do estupro, injustas?

Sim, nossa realidade é bem diferente do que nos países em que o aborto é legalizado. Ninguém quer apoiar a morte de ninguém. Não estamos preparados para isso. Não é legalizar por legalizar. É apenas estar consciente de que legalizando ou não, milhares de mulheres abortam e sofrem e morrem por medo de ser presa ou duramente reprimida. A verdade está aí, mas estão com tanto medo de ver!
Nenhuma mulher deve ser obrigada a ser mãe. Essa é a minha opinião. Acredito na maternidade como uma das maiores bênçãos para uma mulher, por isso ela tem que ser sublime e lotada de alegrias. Caso ao contrário, você destrói a vida da criança, da garota e, muitas vezes, das pessoas em volta delas. Um bebê tem o direito sim de nascer. Mas tem o direito de nascer num ambiente saudável, com carinho, atenção e que possa acatar com todas as suas necessidades básicas. Muitas dessas crianças sofrem muito mais quando estão maiores. E se nós, pudéssemos perguntá-las antes se elas desejam nascer ou não, talvez fosse mais justo. Mas não podemos. Então, cabe a mãe, que é a pessoa que mais vai amá-la e conhecê-la, escolher se a sua criança merece ou não vir ao mundo. Ou se o mundo merece ou não essa criança.

PS: para quem for ousado o suficiente para alimentar ainda mais o debate, ou apenas refletir, O Aborto dos Outros estréia nesta sexta-feira, dia 05 de setembro.

Se eu fosse um filme...

2008-09-01T13:24:00.000-07:00

Hoje eu seria...

Obrigado por fumar (2005)

Porque eu não acredito no que chamam de politicamente correto

Piorando sua crise de existência

2008-08-28T10:17:00.001-07:00

Pensa que você está num dia de merda. E nem é TPM. Mas você quer outro emprego, quer que as pessoas te dêem atenção e o final de semana nunca pareceu tão longe. Você, excepcionalmente, implora uma companhia para o cinema. Consegue. Daí compra pipoca, coca (não a que realmente precisa) e tem um gatinho na mesma sala que você. No entanto, o filme escolhido é Um Crime Americano, de Tommy O´Haver. E o último desse diretor é o super mamão-com-açúcar Uma Garota Encantada (com a fofíssima Anne Hathamay). Esse tem a Ellen Page, a menina-mulher de Juno. Juno é lindo. Mas a sinopse indica que Um Crime Americano é drama. E sabe, você adora um drama.

Escolhido o filme e a poltrona mal-posicionada na péssima sala do HSBC Belas-Artes, você só quer se distrair. Estava até por dentro das sinopses das críticas, mas... quem dá bola para as críticas? A verdade é que Tommy O´Haver saiu do mundo encantado para o mundo real. E foi realidade demais para a minha sensível quarta-feira, amigos.

O filme conta o caso real de Sylvia Likens, acontecido em Indiana no ano de 1965. Nele, os pais de duas meninas as deixam aos cuidados de Gertrude Baniszewski, uma passadeira de roupas e mãe de seis (?). Jenny e, principalmente, Sylvia (Page) começam a ser maltratadas pela louca mulher. De início são só castigos, depois a violência passa a sair do controle. Alternam-se cenas do tribunal e da história. O roteiro, com depoimentos em 1º pessoa, é estupendo.

A verdade é que Sylvia Likens teve a sorte de virar um filme. No entanto, não são todos os casos que levam a atenção da imprensa. Aliás, são poucos. As atrocidades sofridas por Sylvia são de dar insônia em qualquer um. Nua, espancada, humilhada, a garota passa a ser uma brincadeira para as outras crianças. E é isso o mais chocante do filme. Nem tanto a loucura da mãe, mas a maldade dos filhos, vizinhos e colegas. Há cenas repugnantes e não há como não sentir um enorme instinto vingativo por aqueles que se dizem humanos mas que acabam por torturar e matar uma menininha de 16 anos.

As interpretações de Catherine Keener, como Gertrie, e de Ellen Page, como Sylvia, são espetaculares. É verdade sim que o trabalho de investigação do caso também foi o grande responsável pelo produto final. E queiram saber ou não, O´Haver foi acusado de passar uma versão caramelizada da realidade. Sinceramente, não sei se desejo saber como pode deve ser o real. Tive medo de me informar de verdade sobre o caso. Acho que Um Crime Americano já me revoltou o suficiente com esses e outros casos que já aconteceram e ainda acontecem por aí. O que me dá cada vez mais nojo das pessoas.

Indigesto. Um soco no estômago para alguém, como eu, que tentou sair para achar alguma beleza no mundo. Realista demais para quem gosta de Hollywood. Mas um entretenimento e tanto para quem sabe admirar um bom cinema. Eu disse entretenimento, e não diversão.

À espera de Woody Allen

2008-08-27T10:47:00.000-07:00

Sempre que um filme do Woody Allen é lançado é aquele mesmo bafafá. Normalmente, os americanos criticam e os europeus elogiam. E eu me limito a assistir e comentar o óbvio. Eu ainda não assisti a Vicky Cristina Barcelona. E provavelmente vá esperar até o dia 14 de novembro como qualquer mortal brasileira para ver a produção do Woody Allen para esse ano. Mas tem certas coisas que ficam óbvias mesmo sem ler qualquer crítica.
Verdade sim que a crítica especializada vem fazendo pouco caso dos últimos trabalhos de Woody. Mas é fato também que ser woodyalleano é quase como ser quixotesco ou kafkaniano. O cara tem escola, seguidores, então pode fazer o que quiser e Vicky Cristina Barcelona vai ser uma obra de destaque. Senão hoje, daqui a algum tempo. Talvez Woody Allen não tenha mais nenhuma obra-prima como Anne Hall. Aliás, bem provável. No entanto, Woody Allen é Woody Allen. O maior destaque serão sempre os diálogos. Afinal, o enredo nunca foi nada de espetacular, meus caros.
Só acho impossível (ou, ao menos, improvável) que alguém consiga fazer uma total cagada tendo Penélope Cruz, Scarlett Johansson, Rebecca Hall e Javier Bardem no elenco. Podem falar o que quiser. Pouco me importa se o Sr. Allen apenas se aproveitou de sua fama na Europa e acompanhou o fluxo dos financiamentos possíveis que mantivessem o intenso ritmo de cerca de um longa-metragem por ano. É exatamente isso que eu quero. Um longa por ano. De preferência com a Scarlett Johansson sempre que possível. E se for para aparecer só de maio vermelho, melhor ainda.

Enquanto isso...

Eu tenho medo do Mário Bortolotto

2008-08-26T11:58:00.000-07:00

"(..) Tem certas pessoas no mundo que não nasceram pra ficar mocozadas. Mas mesmo assim eu quero acreditar. E então insisto e ultrapasso a linha. Já não tenho pra onde voltar. Tem gente que tem um jardim. Ou um papagaio. Ou uma tartaruga. Eu só tenho o hálito frio de um fantasma que diz que não há com o que se preocupar. Então eu não espero que me convidem. Eu furo o bloqueio. Eu não tenho esqueletos no armário. Nem um jardim esperando por mim. Ou um papagaio. Ou uma tartaruga (...)"

Post do dia 24/02/2004 do blog Atire no Dramaturgo, de Mário Bortolotto.

O Wikipedia diz que "Mário Bortolotto é um ator, diretor e dramaturgo brasileiro". Diz que "participou de inúmeros festivais de teatro pelo Brasil, sempre com o Grupo Cemitério de Automóveis, do qual é fundador" e " participa como vocalista e compositor das bandas Saco de Ratos Blues e Tempo Instável".
Pois eu digo mais... digo que o Mário tem peças e textos de uma complexidade incrível e, muitas vezes, dá medo imaginar o que se passa na cabeça dele. Sua escrita agressiva já lhe rendeu acusações de misoginia, misantropia e até mesmo falta de talento. Ouço por aí que é um cara de difícil convivência e sei que foi um purgatório a passagem da sua peça "Nossa vida não vale um Chevrolet" para o filme Nossa vida não cabe num Opala. Mas pela única vez que o vi (cantando na pré-estréia do filme), ele me pareceu um tanto quanto excêntrico. Vi o curta A Cauda do Dinossauro e só digo uma coisa: como ator, Mário é um ótimo cantor. Na projeção, Mário interpreta ele mesmo. Numa conversa com o diretor do curta, fiquei sabendo que grande parte da decoração da cena é formada de coisas do cara mesmo (bem que suspeitei daquele Bukowiski). No fim, é o Mário interpretando ele mesmo.
Sem ofensas, caro Mário. Mesmo porque a clássica resposta de Bortolotto para qualquer crítica minha seria "quer me odiar? Pega a senha e entra na fila". No entanto, não é nada disso. Ao contrário, seria um imenso conhecê-lo qualquer dia. Acho que eu tenho bastante coisa a aprender com você.

"Não é questão de ser instável/ Eu sou mesmo desagrádavel/Eu testo o seu sendo de limite/Por isso não se arrisque/Não sou o que se pode chamar de amigo./Se você insistir em ficar do meu lado/Vai se dar conta do quanto eu sou desagrádavel".

Sugestão para o final de semana

2008-08-22T12:03:00.000-07:00

Ontem foi a abertura da 19º Festival Internacional de Curtas-Metragens de São Paulo. Comida e bebida à vontade, gente bonita, Alice Braga, Wagner Moura, sobrenomes de peso e gente de importância para a cena cultural paulistana. Depois da chatíssima apresentação, agradecimento, rasgação-de-seda, veio a parte mais esperada (depois do coquetel): os curtas.

Assistimos a cinco ótimos curtas. O primeiro, da mostra Brasil, foi Blackout e é verdade que chamou mais atenção pela participação do Wagner Moura do que pelo resto. Mas merece a pena sim ser visto. O segundo, ganhador da semana da crítica de Cannes, é um canadense chamado Próximo Andar. E eu só digo uma coisa: esplêndido. A qualidade técnica, o realismo, o roteiro. Poxa vida, bom demais.

O terceiro foi um curta do panorama latino americano bem típico mexicano. Café Paraíso tem um forte apelo político-social (como é a idéia do festival desse ano) e foi seguido do brasileiro Mamãe Eu Fiz um Super-8 nas Calças. Brilhante este também. É um minuto de projeção de criatividade sem igual.

A co-produção França-Bélgica Irinka e Sandrinka é uma animação de grande qualidade e originalidade. A história é um pouco cansativa sim. Eu me perdi e cochilei um pouco, no entanto, é muitissimo bem feita. E a seleção fechou com chave-de-ouro com Eu Sou Bob. Muito, muito, muito bom. Divertidíssimo e muito aplaudido ao final.

Na boa, cara, ninguém tem desculpa para não ir ver alguns curtas do festival. É tudo de graça, em vários horários e vários lugares. É só chegar um pouco antes, pegar o ingresso e aproveitar do melhor do curta-metragem brasileiro. Na pior das hipóteses, você não perde nada. E, de quebra, ainda prestigia um produto audiovisual tão pouco difundido no nosso país, que é o curta-metragem.

PS: hoje estarei avaliando os curtas da mostra Br6, no Centro Cultural São Paulo. A Brazucah vai selecionar um curta para levar o prêmio de mil reais e ainda ser passado em algumas faculdades de São Paulo, Rio de Janeiro, Recife, entre outros. Responsabilidade grande a minha, hein.

Fica a dica. Bom final de semana e divirtam-se, caros cinespectadores!

Tédio próprio

2008-08-21T10:31:00.000-07:00

E depois de algumas semanas de enrolação, eu fui sim assistir ao tal Nome Próprio, de Murilo Salles. Nem estava com muita pressa porque imagino que o filme vá ficar em cartaz mais um mês no Espaço Unibanco, combinado? Pois então... Realizado a partir do livro da blogueira Clarah Averbuck, o filme ganhou o prêmio de melhor filme do Festival de Gramado e eu sempre fui fã da Leandra Leal. Ela deu uma bela emagrecida e está bem gostosinha. E foi disso que o filme usou e abusou.

Acompanhe o roteiro: "A história de Camila, uma jovem mulher empenhada em se tornar escritora. Sua vida é sua narrativa. Camila é intensa, corajosa e quer a sua literatura como um ato de revelação. É um filme sobre a paixão de Camila e seu esforço para bancá-la. Sobre uma personagem feminina que encara abismos e retira disso a força que necessita para existir".
Cara, a verdade é que essa Camila é uma p* mala, ok? Quando ela não está dando em cima de algum mané (ou embaixo também), ela está criando dramas infindáveis para escrever em seu blog. Ok, ok, eu poderia escrever esse roteiro facilmente. Mas chega uma hora que não dá mais. A gente fica esperando ela se jogar da escada, cortar os pulsos ou se enforcar. Sem noção de irritante que a garota consegue ser.
É sempre a mesma história se repetindo, emoções fúteis, passageiras. Que não adiciona nada a ninguém. As cenas são perfeitamente imagináveis e os ângulos das cenas são dos mais diversos. Tem sim um tantinho de pornografia, quase nada de amor e um monte de desespero. É intensidade demais. Festas, drogas, bebidas, palavrões, sexo, caras aleatórios, frases prontas... Camila consegue ser inconsequente e chata ao extremo. Gostosinha, sonhadora, revoltadinha... É um filme sobre o mais íntimo de uma garota clichê. Que pode ser qualquer uma... eu, você, qualquer Camila da vida. É o tipo de filme que grande parte das blogueiras pode falar que: "Tem tuuuudo a ver comigo, menina!"
A verdade é que eu teria ficado bastante satisfeita se alguém matasse a Camala (sic) no final. Ou ela mesma fizesse esse favor por nós, pobres cinespectadores. Não, o filme não retrata a intensidade das pessoas ou a fragilidade da vida. É um cult com pretensões de profundo que na verdade é entediante pra cacete. Só ficam minhas palmas à Leandra Leal (quase o tempo todo nua). A minha conclusão final foi de que eu deveria ter visto o imbatível Richard Gere, em A Caçada. Que por mais clichê que possa ser, não poderia ser pior. Nada poderia ser pior.

19º Festival Internacional de Curtas-Metragens de São Paulo

2008-08-18T10:16:00.000-07:00

O 19° Festival Internacional de Curtas-Metragens de São Paulo acontecerá de 21 a 29 de agosto de 2008. O Festival é um ponto de encontro entre a produção latino-americana e internacional, promovendo o intercâmbio de experiências culturais, econômicas e políticas relacionadas ao curta-metragem.

A programação é composta por uma refinada seleção da mais recente produção internacional e latino-americana além da maior projeção anual da produção nacional, tendo atraído aproximadamente 28.000 espectadores em 2007.O evento oferece também diversas expressões do curta-metragem onde se pode ver o mais inovador da produção mundial, retrospectivas, homenagens e curtas-metragens digitais feitos nas periferias das grandes cidades brasileiras.

Sob o tema “Arte e Política” o festival contempla algumas mostras especiais com este foco, como a programação da Carta Branca ao Submarino Vermelho e a de Maio de 68. Os assuntos também servem como guia, realizando uma leitura geral de todos os programas, os quais possuem esses temas muito constantes em suas produções, o que não significa, no entanto, que o Festival seja constituído exclusivamente de filmes dessa classe de idéias.

A programação você confere aqui. Fica a dica.

Se eu fosse um filme...

2008-08-15T12:58:00.000-07:00

Hoje eu seria....

Réquiem para um sonho (2000)

Porque você é ainda minha melhor viagem

Top 3 - Filmes melancólicos

2008-08-14T14:08:00.001-07:00

Em homenagem à minha melancolia e esse clima de merda de São Paulo, sugiro três filmes para quem quer esvaziar a alma. Não costumo chorar em filmes não, acreditem. Mas esses foram filmes que me pegaram num mal dia:

1- Os anjos de guerra (Edges Of The Lord)

Haley interpreta Romek, um garoto judeu de 11 anos separado da família, pouco antes da deportação de todo o gueto para os campos de extermínio. Escondido dentro de um saco de batatas, ele é levado para um vilarejo, onde é adotado por um casal de fazendeiros. Mas Romek luta contra todas as adversidades, desde o ciúme do filho do casal ao pelotão alemão que fiscaliza o local e desconfia de sua origem. O filme é baseado num caso real.

Com aquele menininho que vê pessoas mortas

2- Uma lição de amor (I am Sam)

Ponto de vista super piegas que eu achei no Wikipedia: "Esse filme trata-se não apenas da luta na justiça de um pai para ter o direito de ter a sua filha de volta, mas mostra também a base sólida que ele construiu ao longo do tempo para criá-la: o amor. Apesar de todas as dificuldades que ele sabia que tinha por se tratar de uma pessoa acometida de autismo, e ter uma consciencia de uma criança de apenas 7 anos, ele não desistiu. Ao longo do filme mostra que a filha, por mais inteligente que fosse não queria ter um conhecimento maior do que o do pai. É um filme emocionante que nos mostra que, acima de todas as coisas, o amor ainda é a melhor forma de lutar pelo que você deseja".

Da época em que a Dakota Fanning não era tão insuportável

3- As cinzas de Ângela

Ângela (Emily Watson), mãe de uma ninhada de filhos, é casada com Malachy (Robert Carlyle), homem que a ama, mas que é cheio de problemas, principalmente com o desemprego e a bebida. Eles decidem ir para Cork, na Irlanda, junto com seus 4 filhos, após a morte prematura de sua filha de apenas 7 anos, mesmo que saibam que o lugar não oferece prosperidade e a maioria da população vive na miséria.

Triste pra caralho

PS: na verdade, se eu assistir hoje, pela milésima vez, o Mufasa morrendo no O Rei Leão não vou conseguir dormir de tristeza a noite.

Três indicações da semana

2008-08-13T12:19:00.000-07:00

1- Maria Luisa Mendonça
Linda e super simpática.
"(...) o problema é os filmes que saem de cartaz justamente quando eu decido assistir, o problema é o carro afogar no meio do trânsito, o problema, cara, é a gente nunca ter com quem dividir o guarda chuva". (fala do filme Nossa vida não cabe num Opala)

2- Saco de Ratos
Banda do Mario Bertolotto (dramaturgo e roteirista de Nossa vida não cabe num Opala) que toca um blues muito, muito, muito contagiante (ou vai ver foram as taças de champagne mesmo). De qualquer forma, vale a pena conferir!

"Além dos meus amigos de copo e de cruz / tudo que eu tenho nessa vida é o meu blues"

3- Nossa vida não cabe num Opala

Como prometi para a Maria Luisa ontem, vou fazer o que estiver ao meu alcance para esse filme não sair de cartaz logo na primeira semana. O filme estréia amanhã. Por isso, amiguinhos, confiram esse longa-metragem de Reinaldo Pinheiro. (Com destaques para a trilha sonora e a montagem).

O piolho-da-terra

2008-08-12T09:28:00.000-07:00

Você tem que escolher uma figura célebre que admire ou não suporte. E depois fazer um texto descritivo como avaliação da matéria Técnica de Redação, na (não tão) digna Faculdade Cásper Líbero. Eu fui (quase) óbvia em minha escolha...

São duas pessoas em uma. A real e a ficcional. No entanto, com o passar dos anos, a ficcional passou a ser a real e já nem se imagina o que há por trás da máscara de sua personagem. Figura digna de estar em livros de cultura brasileira. Ninguém pode delatá-lo por fazer fama por conta de seus belos olhos azuis ou de seus cabelos loiros. Mesmo porque ele passa longe dessa descrição. Seu maior charme talvez seja o bigode ou, quem sabe, os olhos escuros e ingênuos.
Seus hábitos não possuem requinte ou são exemplos de classe e glamour. Há em seu rosto e vestimentas os traços de sua descendência italiana. Camisa quadriculada e calça, acima do umbigo, que faz pensar que o defunto era mais alto. Seu acessório clássico é um chapéu de palha amassado e, em ocasiões especiais, um lenço amarrado ao pescoço. Seu modo de andar causa estranhamento e seu sotaque só é familiar a quem já tirou leite da vaca. Há muito de caricatural em seu sorriso e seus atos. Dizem que nacionalmente é o que melhor fala a língua do povo.
Sim, parece ter saído de um livro de Monteiro Lobato. Aquele ser desnutrido e lombrigoso, quase sempre de cócoras (para o mundo). No entanto, do mundo real nasceu no circo e no teatro. E a partir da origem humilde, consagrou-se nos ambientes intelectuais. Seu hábitat natural é alguma paisagem do Vale do Paraíba, entre vacas e plantações. Sua casa é de sapé e lama. A ironia de seus atos, na verdade, é apenas um reflexo do que poucos podem ver. Está tão integrado à terra e aos costumes brasileiros que passou a ser a própria personificação destes. Acusá-lo de primitivo não é uma ofensa. Sua postura simples e simpática apaixonou e causou antipatias. Pois não são todos que gostam de sua intensa dose de astúcia popular. Deslocado da elite, sua missão foi divertir as massas. Mesmo com uma mistura de evidência cômica e versatilidade, acusaram-lhe de não ser complexo. Mas, não podemos culpar os coitados. Afinal, são raros os que compreendem o autêntico caipirismo de Amacio Mazzaropi.

Sim, tenho orgulho de ser caipira, mermão

A angústia dos outros

2008-08-11T10:36:00.001-07:00

Quando me disseram que o novo trabalho de divulgação da Brazucah seria com O aborto dos outros, de Carla Gallo, eu de cara já me empolguei. Hoje, no Brasil, cerca de um milhão e cinquenta e quatro mil mulheres abortam. Sim, é de chocar qualquer um. Uma média perturbadora, um tema perturbador um filme perturbador.
É impossível para uma mulher não ficar angustiada durante a projeção do documentário. Começa com uma garota de 13 anos que foi estuprada e se descobriu grávida depois. Os detalhes da vida e da angústia da garota e de sua mãe (acompanhadas por felizes ângulos da câmera e frases de muito efeito) fazem subir um frio pela espinha. O processo de aborto é muito mais doloroso do que qualquer um poderia imaginar. Não aparece o rosto mas a garotinha de 13 anos tem muito mais do que uma face, tem uma história e uma angústia. E sofrer com a personagem torna-se o desafio do cinespectador.
Carla Gallo acompanhou outras histórias de abortos. De casos de crianças com anomalia, de rejeição ou falta de preparação da mãe, entre outras dores. As metáforas são inteligentes e parecem ao acaso. O tema rendeu discussões pós-sessão e meus votos de parabenização sinceros ao trabalho da diretora. São poucos os que têm atitude o suficiente para enfrentar o tema. Confere aí o trailer:

O importante do filme não é discursar a favor ou contra o aborto. O importante, e grande destaque, da produção é o caminho que ele abre para o debate do tema. Um meio de alimentar uma discussão que vem sendo feita a anos. No entanto, enquanto nenhuma decisão é tomada mais e mais mulheres morrem ou passam por situações extremas por conta do nosso estúpido conservadorismo.
Não acho que Carla Gallo queira causar polêmica apenas para vender uma ideologia ou um filme. A bandeira que ela levanta é do espaço para debates e da livre-escolha. Por isso assistir a O aborto dos outros é muito mais um exercício de reflexão e conhecimento social do que de julgamento ou discurso prepotente. Já adianto que a Brazucah estará promovendo pré-estréias em algumas escolas públicas, ongs, estabelecimentos públicos, universidades; entre essas a Cásper Líbero (dia 28/08). Vale a pena conferir!

Quem tem medo do Zé do Caixão?

2008-08-08T09:39:00.000-07:00

Hoje estréia o novo filme de José Mojica Marins, o meu idolatrado Zé do Caixão. Para tanto, hoje, eu, Caroline Arice, estarei com uma capa e outras bizarrices divulgando o filme Encarnação do Demônio pela Paulista e pela Augusta das 19 às 24 horas. Como uma agente Brazucah, é tudo pelo cinema brasileiro, não é?
Para quem curtir a trilha sonora do filme, pode baixá-la aqui, pelo myspace do filme.
Meus comentários sobre essa última parte da trilogia do Mojica vocês conferem semana que vem. E na falta de um 666, fiquem com um 8.8.8 (da data de hoje) e vão conferir o novo filme do Zé do Caixão. Caso o contrário, eu mesmo irei amaldiçoá-los. Mas como eu não meto medo nem nos meus irmãos mais novos...

Essa é a praga do Zé do Caixão pra quem não assistir ao novo filme dele. E ele tá falando sério, hein?

Primeiro longa de Reinaldo Pinheiro

2008-08-07T10:22:00.001-07:00

Acabei de voltar da cabine que a Brazucah ofereceu do filme Nossa vida não cabe num Opala. Eu gostei sim. Achei ousado, inovador e uma bela adaptação de teatro para cinema. Tenho confessar que fiquei sim com uma imensa vontade assistir à peça original de Mário Bortolotto, "Nossa vida não vale um Chevrolet" que está em cartaz. Disseram mesmo que foi uma grande saga o Bortolotto entrar em acordo com o Di Moretti quanto ao roteiro final do filme. E não sei se eu estava influenciada por essa informação, mas durante o filme consegui sentir esse conflito.
Muitas das cenas terminam com frases de efeito, como acontece constantemente no teatro. Mais do que isso, a troca de quadro... achei o filme bastante teatral. Só a montagem (muito bem feita, por sinal) que deixa escapar esse clima. Destaque também para a trilha sonora composta de blues e rock, típico dos anos 70. Em algumas cenas, a música pareceu ter mais destaque do que a situação ou as falas. Ou vai ver eu que estava envolvida demais.
O filme é um drama familiar dos Castilhos. São irmãos que aceitam o seu destino e carregam o pai como se fosse uma maldição. A dívida que o patriarca deixou marca a vida de cada um e eles não parecem dispostos o suficiente para mudar isso. Um destaque desse filme é a aparição (que se tornou a última) de Derci Gonçalves. São pouco minutos, com a típica personagem gritando palavrões e tirando risadas do público. Quando troca a cena fica sim aquela sensação de saudade. Pois por mais que eu não tenha acompanhado a carreira da Derci, é estranho pensar que ela ainda está ali, na tela, mas ao mesmo nem está mais na Terra. Bem, isso merece outro post...
Pelo que ouvi, as pessoas acharam o filme pessimista demais ou, quem sabe, até provocante. Sim, é provocante. E nada forçado a la Claudio Assis. É um filme jovem, que apostou no fim do maniqueismo e dos finais felizes. Um pouco da ousadia que o cinema nacional precisa para não criar mais uma geração de cinespectadores a la Globo Filmes. Acho sim que essas duas modalidades pode conviver pacificamente sim, mas primeiro é necessário esse espaço para o cinema independente.
Verdade também que o discurso de Reinaldo Pinheiro após o filme me comoveu. Não sei bem se é comoção, mas senti como se eu entendesse o quão fóda é ficar três anos e pouco fazendo um filme e ele sair de cartaz depois de uma semana e ir parar no arquivo do cinema brasileiro. Por isso, meus caros, assistam a Nossa vida não cabe num Opala. Não por compaixão ao Reinaldo ou ao cinema nacional, mas porque a produção realmente vale a pena. (Ah, gostei bastante da animação do início, só pra constar).

Making of com a Dercy para o filme

PS: por que o nome da "Dercy" nos créditos do filme aparece com "i" e no resto do mundo é com "y"?

Conflitos políticos e familiares

2008-08-06T10:20:00.000-07:00

Mio Fratello è Figlio Unico é uma canção do italiano Rino Gaetano, popular durante a década de 70 no país, e o título do filme de Daniele Luchetti. O filme venceu alguns dos Donatellos (tipo o Oscar italiano) e marcou presença no Festival de Cannes. O cenário do filme é uma pequena cidade da Itália durante as décadas de 60 e 70. O desenvolver de conflitos familiares permitem a montagem do panorama político da época. Como filme histórico, o roteiro é capaz de dar complexidade às atitudes dos personagens e são eles quem sustentam as histórias e não a narração dos acontecimentos da época - como acontece em muitos filmes históricos.
A narração do filme acompanha o ponto de vista do protagonista, Accio (Elio Germano), que, na adolescencia, inscreve-se num partido fascista, confrontando-se com a tendência comunista da família. A partir daí Accio vai tomar muitas porradas da esquerda e da direita. Seu irmão mais velho, Manrico (Riccardo Scamarcio), militante de causas trabalhistas, marca um conflito intenso com o irmão mais novo. Principalmente, quando Amelia, namorada de Manrico, entra em cena e apaixona o vulnerável Accio.
Destaque para a trilha sonora, composta por sucessos italianos da época, e a atuação dos dois irmãos e da mãe que fazem bem o papel de expôr todas as contradições e conflitos do período, sem deixar de lado os sentimentos dos personagens. Apesar da discussões políticas constantes durante a projeção, o filme não se propõe a responder perguntas de cunho político. No entanto, a troca de lado político de Accio faz pensar a maleabilidade da opinião popular da época e o extremismo a que foram levados alguns.
Meu irmão é filho único é uma metonimia, ao retratar o todo pela parte, o global pelo familiar, contradições políticas por confusões íntimas. Não é todo filme que consegue fazer isso sem cair no mais do mesmo, no piegas ou no óbvio. Acho que fica (mais) uma bela sugestão para a cinematografia brasileira. Então, eis o trailer oficial:

Ah, pois eu acho italiano uma delícia. A língua, digo

Top 13 - Minhas musas do cinema

2008-08-04T13:33:00.000-07:00

Não estou falando de talento.
Não estou falando de carreira cinematográfica.
Então eis as minhas musas em ordem de sonho de consumo
e suas mais marcantes aparições:

1. Scarlett Johansson

Filme predileto: Match Point

Porque não tem homem no mundo no nível de tal

2. Eva Green

Filme predileto: Os Sonhadores

Porque minha vida nunca mais foi a mesma

3. Natalie Portman

Filme predileto: Closer

Linda, meiga, inteligente e boa atriz

4. Liv Tyler

Filme predileto: The Wonders

Juro que eu seria feliz com um quarto da beleza dela

5. Lindsay Lohan

Filme predileto: Meninas Malvadas

Ah, mas se eu te pego, menina!

6. Ellen Page

Filme predileto: Juno

O tipo de garota que se eu encontrar na rua dá pra apaixonar

7. Grace Kelly

Filme predileto: Janela Indiscreta

De uma classe e beleza sem igual

8. Elisha Curthbert

Filme predileto: Um Show de Vizinha

Sonho de consumo de pelo menos 9 entre 9,5 homens

9. Marilyn Monroe

Filme predileto: Os Homens Preferem as Loiras

Única e eterna

10. Alexis Bledel

Filme predileto: Sin City

Queria só para colocar de decoração no meu quarto

11. Sandra Bullock

Filme predileto: Miss Simpatia (ou Enquanto Você Dormia?)

Quando crescer quero ser igual a ela

12. Jennifer Love Hewitt

Filme predileto: Um Adolescente em Apuros

Sou fã desde sempre

13. Penélope Cruz

Filme predileto: Volver

Muy caliente!

Notícias Cinematográficas

2008-07-30T09:42:00.001-07:00

- Para ficar ansiosa:

= Guillermo Del Toro produzirá uma versão de Don’t Be Afraid of the Dark, filme cult feito para a TV e lançado em 1973. O filme é sobre uma jovem enviada para morar com o seu pai e a nova namorada dele. Lá ela descobre sinistras criaturas morando debaixo das escadas. Ah, fico super animada só de pensar. Mas tenho quase certeza de que esse vai ser o tipo de filme de que só eu vou gostar.

= Madagascar 2 - A Grande Escapada (Madagascar: Escape 2 Africa), continuação da animação Madagascar, teve novos cartazes revelados. Não, não acho que essa continuação seja sinônimo de preocupação. Ao contrário, aposto minhas fichas de que essa será uma sequência interessante. No entanto, tentemos não criar falsas esperanças demais.

= O novo trabalho de José Mojica Marins, Encarnação do Demônio, foi selecionado para participar da seção fora de concurso da 65ª Mostra Internacional de Arte Cinematográfica do Festival de Veneza, que acontece entre 27 de agosto e 6 de setembro. Ah, sabia que não era só eu nesse mundo que acredita no potencial desse artista que é o Zé do Caixão. Todo nosso apoio ao cine-trash que, no fundo, é bem menos trash que muitos filmes brasileiros por aí.

= Sim, a nova produção de Tim Burton (dá uma olhada neste stop-motion espetacular), Alice no País das Maravilhas, deve ter Johnny Depp como o chapeleiro maluco. Claro, claro! E onde entra a Helena Bonham Carter, hein? Que seja... Tomara que Tim Burton não me frustre. Só isso.

- Para ficar preocupada:

= A MGM oficializou Darren Aronofsky como o diretor do filme que reinicia a franquia RoboCop (videozinho sem graça aqui). Reinicia a franquia? Como assim? Quantos eles pretendem fazer? Por que isso, meu?

= Sam Raimi continua insistindo na volta ao cinema da série Uma Noite Alucinante (Evil Dead).
As últimas notícias a respeito mencionavam uma possível refilmagem do original de 1981, mas uma continuação seria uma alternativa. Nada de continuações, ok? Refilmagem (quase) sempre dá em merda mas, ao menos, não acaba com o legado do filme. Fica a dica.

= Divulgaram o primeiro trailer teaser de A Mulher Invisível, comédia da Warner Bros Pictures e Conspiração Filmes, dirigida por Cláudio Torres. O filme contará a história de Pedro (Selton Mello), um romântico incurável que, mesmo depois de sofrer uma desilusão amorosa, acredita ter encontrado a mulher ideal: Amanda (Luana Piovani), sua bela, amiga e dedicada vizinha. Até que Pedro começar a desconfiar de que ela tem um único mas terrível defeito – Amanda não existe! Ah, cara, cá entre nós, tem como esse filme ser bom?

= Diz o Cineclick: "Diretor confirma seqüência de Eu Sou a Lenda ". Nãaaaaaaaao. Por favor, nãaaaaao!

Sugestão de passatempo

2008-07-29T12:28:00.000-07:00

Volta ao trabalho é aquela enrolação, né.
Msn, orkut, blogs, joguinhos...

Pros enroladores e cinéfilos de plantão, indico este joguinho pra adivinhar os posteres de filmes.
Fiz 30 de 36. Huhuhuhu.

Divirtam-se!

(crédito ao Sr. Lopes pela sugestão)

7 motivos para não ver o novo Batman

2008-07-28T12:44:00.000-07:00

A essa altura quase todo mundo já assistiu Batman- O Cavaleiro das Trevas, certo? Já sairam críticas em todos os jornais, revistas, sites... Aterrorizante, amedrontador, espetacular... Então, quem quer saber minha opinião? Pois só digo uma coisa....
Fantástico! Sim, Heath Ledger fez um trabalho e tanto.Fechou com chave de ouro, como diriam. Mas não é só, amigos. Aliás, longe disso. Esse recente Batman elevou os filmes de HQ a um nível espetacular no gênero de filmes de ação. O roteiro do diretor Cristopher Nolan e de seu irmão Jonathan é de primeiríssima qualidade. Juro que não senti os 152 minutos de projeção passarem. O nível de complexidade da história tira aquele ar infantil dos quadrinhos. Aliás, O Cavaleiro das Trevas é deliciosamente sombrio.
No entanto, nenhum filme é livre de defeitos ou de críticas. E assim, contrariando todas as expectativas e desafiando minha capacidade crítica, eis sete motivos para você não ir assistir a Batman - O Cavaleiro das Trevas:
1. O maior erro (ou não) deste Batman é que o filme cria justificativas o tempo todo. Ou seja, não tem aquele espírito fantasioso e maniqueísta dos quadrinhos e dos antigos filmes. Mas acho que isso não vale como motivo porque também é o ponto alto do filme. O que realmente me frustrou foi terem jogado o Duas-Caras para escanteio. Sempre gostei bastante desse personagem e achei que ele merecesse um espaço maior. São muitas subtramas então a transformação de Harvey Dent em vilão quase não é notada. Injusto isso, meu!
2. Sim, a atuação de Heath Ledger como Coringa ofusca o papel de Christian Bale como Batman. Isso é consenso. Mas o que acontece com o Batman, então? Porque está quase óbvio que esse Batman será lembrado pra sempre pela atuação de Ledger como Coringa. Daqui a pouco a Christian Bale que se mata. Espera só.
3. Pô, o filme tem 152 minutos! Pra quem não tem muito saco para ficar sentadinho numa poltrona, isso é uma eternidade. Poderiam ter encurtado o filme sim. Sem contar que é quase impossível beber aquele litro de coca-cola com pipoca e não ir ao banheiro durante o filme.
4. Batman em si é um dos super-heróis mais chatos, ok? Ele é sempre atormentado sendo que, no fundo, é o com menos trauma. Sinceramente, ele faz o tipo desses homens dramáticos. Porque ele não veio de um planeta desconhecido chamado Krypton, nem foi contaminado por uma aranha e nem fica horrivelmente verde quando está nervoso. E mesmo assim é um dos personagens mais infelizes da história do HQ. Vide o uniforme preto depressivo.
5. O batmóvel desse filme é chatíssimo. De verdade, sinto falta daqueles antigos, hein. Algo mais humilde, sem deixar de ser moderno e descolado. Difícil sair pelas ruas de Gotham City para azarar com um trambolho feio daqueles.
6. Mudaram a atriz que faz o papel da Rachel Dawes. No primeiro era Katie Holmes, no segundo é Maggie Gyllenhaal. Pô, gente, assim não dá. Era só aumentar o cachê da Katie para ver só se ela não topava filmar esse, hein.
7. O Cavaleiro das Trevas é só mais um blockbuster que bate recordes, fatura milhões e alimenta a indústria hollywoodyana americana que domina a cabeça de nossas criancinhas (nossa, nessa me superei, hein).

Na boa, esquece tudo isso e vai assistir ao novo Batman. De verdade, o filme é sensacional. Sombrio, complexo e macabro na medida certa.

E que venha o terceiro, baby!

Kate & Leopold

2008-07-22T12:21:00.000-07:00

Clichê e blablablá. Mas me dou o direito, ok?

Assisti e gostei. É a minha fase.

Vai ver o filme é insuportavelmente piegas e eu que estou vulnerável. Possível.

Mas é só dessa vez. Prometo.

(Estou de férias. Em breve, minhas considerações sobre o recente Batman)

Top 7 - Sendo do contra

2008-07-18T09:57:00.000-07:00

Acho que quase todo mundo tem aquele lance de não gostar de algum filme que é quase unanimidade que a galera gosta.
Pois eu tenho sete filmes que eu realmente não entendo como as pessoas podem gostar tanto:

1. Matrix - Cara, eu não suporto essa trilogia. De verdade. Acho que é viajante demais pra mim. E sei lá, não me convence. Se (quase) todo mundo que assiste acha que é um filme inteligente entao tem algo de errado, né. Acho bobo. Pronto, falei
2. American Pie - Eu simplesmente não vejo graça ne-nhu-ma. Nadica de nada mesmo. Acho infantil e as sequências então, nossa, dá vontade de matar um.
3. Um amor pra recordar - Pra começar, eu detesto a Mandy Moore. Cara, que garota chata! E lembro que quando eu estava no colegial minhas amigas achavam esse filme lindo, maravilhoso, o máximo... Sei lá, é tão piegas. E piegas de um jeito brega sabe. "O amor é como vento, não posso ver mais posso sentir" é meu ovo, isso sim. Tenho certeza de que tem mais gente que concorda.
4. Corra Lola Corra - Acho que o problema foi que me criaram muitas expectivas quanto a esse filme. E nossa, eu achei tão mais ou menos, sabe. Pô, mudou em nada minha vida.
5. Cidadão Kane - Ok, sei que o filme é um marco e que é até vergonhoso eu dizer que não gosto, mas foi mal. O filme é um porre. Na boa, chatíssimo. Pode me chamar de leiga, mas dá licença que eu estou no meio direito.
6. Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças - Tenho certeza de que tem gente que vai querer me matar se ler isso. Mas, perdão, caros amigos. Eu juro que não faço a mínima idéia do motivo das pessoas gostarem tanto desse filme. Serião. Já tentei me convencer diversas vezes, no entanto, não rola.
7. Amarelo Manga - Conheço muita gente que é super fã desse filme, acha super fóda e tal. Mas até agora ninguém conseguiu me explicar o motivo. Sei lá, Claudio Assis, definitivamente, não faz o meu tipo. Não gosto dessa galera que quer "causar" sem fundamentos válidos.

Com certeza devem ter vários outros filmes que fascinam as pessoas, mas não a mim. Vai entender.
Afinal, como diria Oscar Wilde, "A arte é a forma mais intensa de individualismo que o mundo conhece."
Vai ver por isso eu amo tanto cinema.

A evolução do batmóvel

2008-07-17T09:20:00.000-07:00

Aproveitando a estréia de Batman: O Cavaleiro das Trevas que acontece amanhã (uhuuu) e o seguinte link do G1, apresento hoje a evolução do batmóvel:

Batmóvel usado em 1949 nos seriados, tendo como base do carro um Mercury conversível 1949

Batmóvel usado em 1966 e 1968 nos seriados, tendo como base do carro um Lincoln Futura 1955

Batmóvel usado em 1989 e 1992 nos filmes Batman e Batman O Retorno, tendo como base do carro um design totalmente novo

Batmóvel usado em 1995 no filme Batman Eternamente

Batmóvel usado em 1997 no filme Batman & Robin

Batmóvel usado no filme Batman Begins, tendo como base do carro um protótipo militar

Batmóvel do bat-fã brasileiro Eduardo, feito a partir de um Maverick
(Ok, cara. Freud tem que explicar isso de algum jeito)

Vejamos agora as vantagens de se ter um batmóvel em São Paulo:
- o carro anda rápido, muito rápido; o que seria muito útil em casos de perseguições policiais, comuns na cidade grande ou para fugir do teste do bafômetro mesmo.
- tem um motor a jato que permite que o carro pule/voe mais rápido; a parte do voar é super conveniente considerando que andar por terra já está impossível por conta do trânsito.
- possui camuflagem "stealth"; ou seja, nenhum radar nunca te pega.
- tem uma turbina que solta labaredas de fogo; perfeita para espantar barangas e interesseiras que aparecerão de monte.

Isso me deu a idéia de montar uma batmoto e sair por aí vestida de batgirl.

Ah, gente, imagina o arraso

Daí depois, com o tempo quem sabe, eu não trato de conseguir uma batlancha e um batcóptero.
E um batman, é claro.

Trilogia Zé do Caixão

2008-07-16T12:53:00.000-07:00

"Sala exibe três sessões especiais de filmes com Zé do Caixão"

Onde: Espaço Unibanco - rua Augusta
Quando: sábado (19) e nos dias 26 de julho e 2 de agosto
Horário: Meia-Noite

Por que ir?
Porque o José Mojica é fóda.
E querem saber um segredo?
Eu a-do-ra-ria fazer de TCC um documentário sobre ele.
Parece viável?

Por isso eu digo: Zé do Caixão para vereador!

O dia em que pisei em Eduardo Coutinho

2008-07-15T11:48:00.000-07:00

Sexta, dia 11, fui a um debate do Festival Latino-americano que contava com a presença de Cao Guimarães, Cleber Machado, Eduardo Coutinho e Claudio Assis (longos comentários a fazer sobre este). Quando estava entrando no mini-auditório, tropecei num velhinho simpático que estava sentado no degrau da escada. Alguns minutos depois descobri que eu havia pisado em Eduardo Coutinho, "o papa dos documentários".
Fiquei fascinada pela figura que é o Coutinho, muito mais do que pelo pretensamente irreverente Claudio Assis. Sortudos são aqueles que podem tê-lo como avô. Coutinho começou com um "não tenho nada pra falar". Depois acabou falando sobre o equívoco do cinema como assistência social e nossa herança da escravidão, em que todo mundo quer ser diretor. Fez ótimas piadinhas sem precisar partir para alfinetadas grátis (como fez Assis).
Eduardo Coutinho foi free-lancer por 15 anos. Seu décimo longa-metragem, Jogo de Cena é de uma natureza espetacular. Simples, curioso, criativo e profundo. A idéia de alternar atrizes com mulheres comuns contando sobre sua vida e a vida da outra não parece ter nada de esplendido. E o que era pra ser apenas uma encenação repetitiva, se torna o melhor documentário de Coutinho, na minha humilde opinião.

Fina é a fronteira entre o hipocrita e o persona. Entre o olhar através da máscara e a interpretação em sua arte. Há dois, às vezes três, ângulos para cada história que se é contada. Chega uma hora em que já não se sabe o que é verdade e interpretação. E sabemos que muito do que era pra ser verdade acaba sendo interpretação e vice-versa. Afinal, quem fica neutra em frente de uma câmera? As emoções passadas pelas atrizes e pela anônimas embaralham-se na fronteira da ficção e da realidade. E essa é a grande sacada do filme: a nossa fragilidade como espectadores.

O mais excitante é que, durante a projeção, tem-se idéia de que é diretamente pra nós, humildes espectadores, que as mulheres falam. E um jogo sensacional é quando estamos rindo de algo trágico que a personagem conta e ela vira para o Coutinho e diz: "Por que você está rindo? Isso é triste". E a pensamos se ela disse isso pra nós ou para ele. E, afinal, faz alguma diferença?
A escolha de Coutinho por tais histórias ou interpretação foi de um enorme bom senso. 23 mulheres reais foram ouvidas. Como deixar as mulheres tão a vontade a ponto de contarem seus maiores segredos, chorarem e desabafarem? Como selecionar as melhores histórias? Como permitir que as atrizes comentem sobre sua própria interpretação sem deixar sair da linha geral do filme? Como editar e alternar o material sem que tudo fique repetitivo ou cansativo? Definitivamente, isso é trabalho de mestre.
Eduardo Coutinho, sou sua fã.

Pré-estréia do novo longa de Breno Silveira

2008-07-14T14:41:00.000-07:00

"Diretor de '2 filhos de Francisco' diz que está nervoso com 2º filme"

Pois quando dizem "nervoso" podem acreditar que é nervoso mesmo.
Quando a gente conversou com o Breno, ele parecia muito encantado, até um pouco ingênuo.
Hoje é a pré-estréia do "Era Uma Vez", no shopping Eldorado, com coquetel coisa e tal.
Os convites são restritos, mas pra quem quiser assistir ao filme, esperem pelo dia 25.

E boa sorte pro Breno.
Que por mais que sua produção não seja das minhas prediletas, a intenção é boa.
E o Brasil está precisando sim de gente com boas-intenções, ok?

Eu, particularmente, achei que fizeram um trabalho e tanto com esse trailer, hein?

O novo velho da DreamWorks

2008-07-09T08:32:00.000-07:00

"Crítica: 'Kung fu panda' não vai mudar o mundo, mas diverte à beça"

Faço das palavras de Claudio Assis as minhas.
Antes eu achava que as animações de hoje em dia, para valer a pena ocuparem tantas salas dos cinemas, deveriam ser inovadoras.
Depois pensei que, nos velhos tempos, a Disney fez dezenas de filmes com a mesma temática, as mesmas lições de morais baratas e nós, inocentes crianças na época, simplesmente nos deliciávamos. Nos dias de hoje, as crianças estão mais exigentes. Com razão.
"Kung fu panda" é um pouco da velha fórmula (muito bem-sucedida) do Shrerk de satirizar os grandes clichês. Pois é, gente, as crianças de hoje são mais espertinhas.
Só fico pensando o que espera pelos meus filhos.
Nem Deus sabe.

Ah, assistam a versão legendada, hein. Tem Black Jack e Dustin Hoffman. Em português, Angelina Jolie é Juliana Paes ¬¬

3º Festival de Cinema Latino-Americano de São Paulo

2008-07-04T14:15:00.000-07:00

O cineasta Fernando Solanas, um dos mais importantes nomes do cinema argentino de todos os tempos, é o principal convidado e o grande homenageado na terceira edição do Festival de Cinema Latino-Americano de São Paulo, que acontece de 7 a 13 de julho, com sessões gratuitas no Memorial da América Latina (três salas), Cinesesc, Sala Cinemateca e no Cinusp Paulo Emílio.

A programação, que exibe um total de 121 filmes, é organizada em oito seções:

1 – HOMENAGEM A Fernando Solanas

2 – DESDOBRAMENTO DO CINEMA NOVO

3 – CONTEMPORÂNEOS

4 – TOMÁS GUTIÉRREZ ALEA

5 – MOSTRA ESCOLAS DE CINEMA

6 – OS LATINO-AMERICANOS

7 – DEBATES E LANÇAMENTOS

8 - OFICINAS

Tá, eu preciso admitir que eu queria mesmo era estar no Festival de Paulínia de Cinema. No entanto, vamos com calma.

Mas sabe qual é o melhor do Festival Latinoamericano? Tudo de graça! E de fácil acesso.

Dia 07 tem a abertura, com os diretores, coquetel, coisa e tal, e eu estarei lá.

Também estou inscrita em uma das oficinas e pretendo assistir algumas mesas.

Além de, é claro, ter feito uma seleção de alguns filmes.

Eu super acho que o Festival é uma ótima pedida para a galera que já está entediada com as férias e está totalmente sem grana para ir pra Campos. Fica a dica.

E a programação completa está aqui.

Comentando...

2008-07-03T10:21:00.000-07:00

"Sacha Baron Cohen e Will Ferrell serão Sherlock Holmes e Watson"

Acho ótima a idéia.

Vale lembrar que a Warner Bros. e Guy Ritchie (ex da Madonna) também lançarão, em 2010, um filme com as aventuras do detetive e seu companheiro. No entanto eu aposto mais nessa comédia com o grande Borat e o clássico Will Ferrell. Sem contar que super rola uma sincronia entre eles...

Tanto que ganharam a pipoca de ouro de melhor beijo por Rick Bobby - A Toda Velocidade

Comentando...

2008-07-02T10:16:00.000-07:00

"Após impugnação, edital de longas de São Paulo tem novos vencedores"

(...) No bojo das críticas, Trevisan ainda aponta para o orçamento dos filmes apresentados. “Vários dos projetos que o júri avaliou tinham o orçamento escandalosamente inflado. Havia diretor que ganharia mais que o presidente da República ou do STF (Supremo Tribunal Federal).

Isso me fez lembrar da resposta do diretor/produtor/roteirista Gustavo Steinberg, no treinamento da Brazucah, quando perguntado se ele achava que o tamanho do orçamento dos filmes valia a pena considerando as condições precárias no Brasil. E a resposta dele foi a seguinte:

"Não, não vale. Se um dia me disserem que o dinheiro usado para meus filmes será repassado para o leite das criancinhas, eu simplesmente paro de fazer filmes. No entanto, não é assim que o Brasil funciona".

Porque cinema é bom mas não enche barriga

Comentando...

2008-07-01T11:31:00.000-07:00

"Eddie Murphy não quer nada com Um Tira da Pesada 4"

"Diretor quer mais um Resident Evil nos cinemas"

Tem gente que sabe e gente que não sabe quando parar.
Fica a dica.

Antes tarde do que nunca, né?

(Mas ainda acho que você deveria ter parado em 98 com Dr. Dolittle I, hein?)

Panorama do Cinema Francês no Brasil III

2008-06-30T10:08:00.000-07:00

CANÇÕES DE AMOR (Les chansons d’amour), 2007

César 2008 de Melhor Trilha Sonora Original. Festival de Cannes 2007, mostra "Un Certain Regard"
Comédia musical. As origens de Canções de Amor remetem a um material musical pré-existente: as canções escritas por Alex Beaupain. Os personagens começam a cantar assim que se apaixonam, porque são incapazes de expressar paixão de outra forma. Os cenários, como os apartamentos dos pais, retornam como um coro, com um tom diferente de acordo com o que foi cantado previamente. E assim como numa música, em que certos instrumentos retornam ou desaparecem enquanto outros são adicionados, os personagens secundários dão um ímpeto refrescante à história enquanto outros são eliminados dela. Ismaël perambula sem direção, mas a despeito de tudo continua caminhando. Erwann apressa um pouco seu passo. Já Jeanne é condenada à imobilidade: ela lembra um ponto fixo, pois a tragédia a congela. E Alice anda ao lado de Ismaël, mas ela resolve se afastar do seu caminho para seguir outra história, agora com um rapaz bretão que acaba de conhecer.
Escrito e dirigido por Christophe Honoré. Música por Alex Beaupain. Produzido por Paulo Branco (Alma Films). Com Louis Garrel, Ludivine Sagnier, Chiara Mastroianni, Grégoire Leprince-Ringuet, Clotilde Hesme. Fotografia por Rémy Chevrin. Montagem por Chantal Hymans. Duração:95 minutos

Meu devaneio:

Louis Garrel interpretando Louis Garrel, como sempre. Mas ele continua lindo. O único homem no mundo que consegue ter um nariz horrível e ser sexy ao mesmo tempo. Mas, sabe, sinceramente, o filme me irritou um pouco. Há erros grotescos. Como, numa cena em que a Ludivine Sagnier aproxima-se da câmera, dá pra ver o carrinho empurrando ela embaixo. Juro que dá pra ver. Sem contar que é um musical, né. Eles começam a cantar e um desconforto típico lota a sala. Em algumas cenas que o Louis Garrel aparece cantando na rua, as pessoas normais não escondem sua curiosidade pela gravação. Isso incomoda um pouco, parece que distrai.
Mas preciso admitir que os franceses sim sabem ter uma vida sexual divertida. Vida a três. É uma ótima idéia, não? Sem contar que o final não poderia ser melhor. Preciso admitir também que não gostei das musiquinhas e os atores não têm lá a voz e o ritmo mais agradável do mundo. Tolerância zero também para aquelas legendas estúpidas que o Reserva colocou errado. Aquilo desconcentrou totalmente.

E, depois de Amantes Constantes, tem mais uma vez a dupla romântica do Louis Garrel com Clotilde Hesme. Sorte dela, não é? E pelo menos dessa vez eu consegui me manter acordada durante o filme inteiro. A verdade é que eu teria gostado do filme se ele não fosse musical. Garrel, com aquele jeito meninão de sempre, sabe protagonizar cenas engraçadas. E a verdade é que eu fiquei com água na boca ao vê-lo se pegando com outro cara. Juro. Deixa a gente pensando que, infelizmente, o mundo é assim mesmo. Mas ainda não desisto de tê-lo em minha banheira.

A ÚLTIMA AMANTE (Une vieille maitresse), 2007

Festival de Cannes 2007, Seleção oficial
Drama. Na mundana Paris do século XIX, só se fala no casamento do jovem libertino Ryno de Marigny com a bela e pura Hermangarde, uma flor da aristocracia. Os noivos se amam, porém as más línguas insinuam que Ryno não vai conseguir romper um antigo romance com Vellini, uma cortesã escandalosa, filha de uma duquesa com um toureador. Entre confidências, traições e segredos numa sociedade paralisada pelas convenções, a força dos sentimentos vai provocar os acontecimentos.
Dirigido por Catherine Breillat. Escrito por Catherine Breillat, baseado no no romance "Une vieille maîtresse" de Jules Barbey d’Aurevilly. Produzido por Jean-François Lepetit (Flach Film). Com Asia Argento, Fu’ad Aït Aatou, Roxane Mesquida, Claude Sarraute, Yolande Moreau. Fotografia por Yorgos Arvanitis. Montagem por Pascale Chavance. Duração : 114 minutos. Lançamento nacional: 27 de junho.

Meu devaneio:

Pra variar, me deixou pensando como poderia ser interessante a minha vida no século XIX. As roupas, as danças, os cabelos. Os homens. Fu´ad Aatou é lindo e apaixonante. Preciso admitir que não vejo graça nenhuma em Asia Argento, a espanhola (na verdade a atriz é italiana) e amante. Ela é vulgar por natureza, fora dos padrões de beleza. Entendo que esse foi o propósito. Vellini feia e Hermenagde bonita. O desejo e a beleza numa relação que aparentemente não faz muito sentido. Mais uma vez Roxane Mesquida está linda. Mesmo loira. Ficou um tanto quanto artificial mas a gente perdoa.

O filme é sobre traição em plena aristocracia francesa. É interessante, no entanto, um pouco cansativo. Tive a impressão de que foi muita enrolação para pouco conteúdo. Dava para cortar trinta minutos de projeção fácil, fácil. As cenas de sexo são convincentes e a relação entre Ryno e Vellini de início parece incompreensível, mas a história explica o dilema do rapaz entre a amante e a esposa. É o refinado e belo contra o vulgar e inquietante. Moral da história: Prefira ser a outra do que a corna.

Panorama do Cinema Francês no Brasil II

2008-06-25T15:19:00.000-07:00

O ADVOGADO DO TERROR (L’avocat de la terreur), 2007

César 2008 de Melhor

Documentário. Comunista, anticolonialista, de extrema direita ? Que tipo de convicção move Jacques Vergès ? Barbet Schroeder procede ao inquérito para elucidar o "mistério". No início da carreira deste advogado enigmático : a guerra da Argélia e Djamila Bouhired, a "pasionaria" que carrega consigo a vontade de libertação do seu povo. O jovem homem da lei abraça a causa anticolonialista e se une à mulher. Depois, desaparece por um período de oito anos. Ao retornar, Vergès defende terroristas de todas as cores (Magdalena Kopp, Anis Naccache, Carlos) e monstros históricos como Klaus Barbie. De casos diabólicos em ações Terroristas, Barbet Schroeder acompanha os meandros utilizados pelo « Advogado do Terror », até os confins do político e do judiciário. O cineasta explora, questiona a história do « Terrorismo cego » e revela conexões que provocam vertigem.
Dirigido por Barbet Schroeder. Produzido por Rita Dagher (Yalla Films). Fotografia por Caroline Champetier e Jean-Luc Perreard. Montagem por Nelly Quettier

Duração : 135. Lançamento nacional: 11 de julho

Meu devaneio:

Não, não é aquele filme do Al Pacino. é um documentário mesmo. Primeira ponderação: documentáricos históricos não deveriam ter mais de duas horas de duração. E esse tem. O assunto é interessante. Aliás, você fica abismado quando se vê quase convencido por Vèrges. O cara realmente é macabro. As histórias são uma mais sinistra que a outra.

Eu teria gostado mais se eu tivesse jantado antes, se eu não estivesse morrendo de sono, se não tivesse um senhor a algumas poltronas de distancia roncando um pouco alto e se a madame ao meu lado não estivesse usando o perfume mais doce que já inventaram. Em certa parte do filme minha cabeça parecia que ía estourar. Insuportável. Daí eu abandonei a sala. Faltando uns 20 minutos pro final.

Mas o documentario é muito bom sim. Imagino o trabalho que deve ter dado e, por serem muitas informações, eu gostaria de manjar geopolítica. Teria ajudado muito.

AS AVENTURAS DE MOLIERE, UM IRREVERENTE E ADORÁVEL SEDUTOR (Molière), 2007
Comédia. Em 1644, Molière tem apenas vinte e dois anos. Cheio de dívidas e perseguido pela justiça, ele insiste em encenar tragédias nas quais é inegavelmente mau. Um dia, após ser aprisionado por credores impacientes, desaparece…
Dirigido por Laurent Tirard. Escrito por Laurent Tirard e Grégoire Vigneron. Produzido por Olivier Delbosc e Marc Missonnier (Fidélité Films). Com Romain Duris, Fabrice Luchini, Laura Morante, Edouard Baer, Ludivine Sagnier. Fotografia por Gilles Henry. Montagem por Valérie Deseine. Duração:120 minutos

Meu devaneio:

Fazia muito, mas muito, tempo que eu não via uma comédia no cinema. E muito, mas muito mais, tempo que eu não via uma comédia boa. Algo que não fosse uma comédia romântica hollywoodiana. E ontem... ontem finalmente aconteceu.

Preciso admitir que subestimei o filme de início. Como é um filme de época, eu tenho mania de ficar procurando falhas de roteiro, figurino, essas coisas. No começo eu estava concentrada nisso. Mas depois, eu realmente relaxei e gozei. Há umas cenas hilárias, uns diálogos ótimos e o roteiro em si é bem divertido. Sem contar que quando saio desses filmes sempre fico com aquela nostalgia de uma época que eu não vivi. Por essas e outras que eu amo cinema.

Panorama do Cinema Francês no Brasil I

2008-06-23T15:43:00.000-07:00

Bem, o Reserva Cultural está promovendo uma pequena mostra de filmes franceses desde quinta-feira. Eu, simplesmente, achei estupenda a idéia de pagar 20 reais (40 a inteira) para ver 8 filmes. Nesse final de semana já foram três:

SATÃ (Sheitan), 2006
Terror. Uma véspera de Natal, que começa com cinco jovens em uma boate de Paris. Animados com a noitada, eles seguem para uma isolada casa de campo, onde são recebidos por Joseph e Marie, os caseiros. Mas esse não será um Natal qualquer. Durante a ceia, nossos heróis comem, bebem e se divertem tanto, que não notam a diabólica armadilha que se fecha em torno deles. Combinando comédia anárquica, suspense contundente, afiado humor negro e horror sanguinolento, Satã é o primeiro filme de Kim Chapiron afiliado à Kourtrajmé, uma descontraída produtora alternativa, composta por vibrantes jovens cineastas franceses liderados por Vincent Cassel, que produz e estrela como o demoníaco Joseph.
Dirigido por Kim Chapiron. Roteiro de Christian Chapiron e Kim Chapiron. Produzido por Kim Chapiron, Vincent Cassel e Éric Névé. Com Vincent Cassel, Olivier Bartélémy, Roxane Mesquida, Nico Le Phat Tan, Leïla Bekhti, Ladj Ly, Monica Bellucci. Fotografia de Alex Lamarque Montagem de Benjamin Weill. Duração: 87 minutos.
Meu devaneio:
Eu sinto medo de indicar esse filme para qualquer pessoa. Aliás, é só dizer terror e francês na mesma frase que as pessoas parecem ficar meio atordoadas, sabe? Pois eu digo que gostei. Gostei porque estava na linha do que eu sempre espero de um terror francês. Você precisa ir assistir de coração aberto e não se importar em rir bastante de coisas que, talvez, devessem ser assustadoras.
O filme cai sim no ridículo. Mas é um ridículo divertido e até um pouco pertubador. Há os clichês clássicos mas com algumas doses espontâneas de criatividade. No entanto, mesmo com 87 minutos, chega uma hora que o filme cansa. Acho até que algumas cenas seriam dispensáveis porque a gente tem a ligeira impressão de que o pesadelo não vai acabar nunca.
A Roxane Mesquida está gatíssima no filme. Pessoalmente, achei ela meio sem graça. Magrinha demais com um quê de "seiquesougostosa". Tudo bem. Ninguém pode julgá-la mal por isso. No entanto, para esse filme, uns pequenos ajustes seriam bem-vindos. Gostei da trilha sonora e do roteiro meio surrealista. Mas parece que o Kim se esforçou demais por pouca coisa, entende?

O ESCAFANDRO E A BORBOLETA (Le Scaphandre et le Papillon), 2007
César 2008 de Melhor Ator (Mathieu Amalric) e Melhor Montagem (Juliette Welfling). Globo de Ouro 2008 de Melhor Diretor e Melhor Filme Estrangeiro. Prêmio de Melhor Diretor e Prix Vulcain de l'Artiste-Technicien (melhor técnico para o fotógrafo Janusz Kaminski) no Festival de Cannes 2007.
* estréia em circuito em 27/06
Drama. A extraordinária história real de Jean-Dominique Bauby, editor da revista ELLE que, aos 43 anos, sofreu um derrame que paralisou todo seu corpo, com exceção do seu olho esquerdo. Preso em um corpo sem movimento, mas completamente lúcido, ele se adapta para contar sua incrível história de vida.
Dirigido por Julian Schnabel. Escrito por Ronald Harwood baseado na obra original de Jean-Dominique Bauby. Produzido por Kathleen Kennedy e John Kilik. EUA/França, 2007. Com Mathieu Amalric, Emmanuelle Seigner, Marie-Josée Croze, Max Von Sydow. Fotografia de Janusz Kaminski. Montagem de Juliette Welfing. Duração: 112 minutos.
Meu devaneio:
Gostei muitíssimo desse filme. É simplesmente a história real mais linda que eu já vi. O filme acabou as pessoas ficaram petrificadas em suas poltronas. Muitas estavam com lágrimas nos olhos, o que é perfeitamente plausível. Mathieu Amalric tem uma atuação digna de Oscar, muitissimo comovente.
O incrível é que vendo a história imagina-se que o filme, necessariamente, caia no dramático constante. Mas isso não acontece. Os cortes e os ângulos mostrados tornam toda a projeção muito agradável. Há doses muito bem-vindas de pensamentos bem-humorados e metafóricos. Mas nada de metáforas baratas. Sem lição de moral hollywoodiana. Sem heroização do personagem. Tudo isso fica por conta do cinespectador.
É verdade que em alguns momentos o filme me deixou aflita. Ver alguém que só consegue mexer uma das pálpebras me fez revirar horrores na poltrona. Dá vontade de gritar pelo personagem, às vezes. Dá vontade de ser feliz por ele depois. Extremamente tocante.

LADY JANE (Lady Jane), 2008
* estréia em circuito em 27/06
Policial. Na época em que os Rolling Stones cantavam "Lady Jane", Muriel, François e René, amigos de infância, nascidos nas ruelas populares de Marselha, distribuiam peles roubadas a todas as operárias pobres do bairro. Pararam de roubar depois de matar um joalheiro num estacionamento e, para serem esquecidos, não se viram mais até o dia em que o filho de Muriel é sequestrado… A gangue se refaz então para reunir o dinheiro do resgate.
Dirigido por Robert Guédiguian. Escrito por Robert Guédiguian e Jean-Louis Milesi. Produzido por Agat Films & Cie. Com Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darroussin, Gérard Meylan. Fotografia de Pierre Milon. Montagem de Bernard Sasia. Duração: 102 minutos.
Meu devaneio:
Não sou muito fã de filmes policiais. Acho que normalmente eles caem na mesma. Nesse é a tal da vingança. "Vingança clama por vingança". É o que diz o cartaz e o filme. A história é boa sim. Mas não me trouxe nenhuma grande emoção, sabe. Não gostei da performance da Ariane Ascaride. Sei que a personagem é do tipo fria, mas Ariane cai no tipo neutra. Não senti nem compaixão nem raiva por ela. Teve uma hora em que estava tudo meio confuso e quando se explicou foi só um alívio. Sem surpresas. Sem envolvimentos. (E sem explosões de carro ou casas em chamas... saudades do Bruce Willis).

Retrucando Isabela Boscov

2008-06-18T14:25:00.000-07:00

Eu não ía comentar sobre o novo filme do M. Night Shyamalan, o Fim dos Tempos (The Happening). Mas eu, realmente fiquei inculcada com a Isabela Boscov, na Veja dessa semana, dizendo que o diretor reacertou seu passo com esse novo filme. Como assim, Isabela? Onde? Sim, chocar e horripilar sem sangue nem vísceras é um feito e tanto para qualquer filme de terror dos dias atuais. No entanto, Fim dos Tempos passa longe... bem longe.
Desculpa, gente, mas Shyamalan nunca vai ser o "novo Hitchcock". Seus filmes são prepotentes. Essa é a verdade. O cara se acostumou com aquele lance de reviravolta, final-surpresa e agora só consegue esgotar a nossa paciência. A arrogância de que Isabela Boscov fala em sua matéria é latente durante toda a projeção. O cara precisa muito mais do que maneirar na vaidade. O cara precisa aprender a fazer filmes de novo. Não é porque ele acertou uma vez, com Sexto Sentido, que vai acertar sempre com qualquer merda que faça. Shyamalan está em queda. Numa lenta e dolorosa queda. Isso ficou óbvio desde Corpo Fechado. Mas, sinceramente, com A Vila achei que o cara já fosse desistir. Mas não... Sr. Shyamalan é mala demais.

Em Fim dos Tempos, Elliot Moore (Mark Wahlberg) é um professor de Ciências que está em crise com sua esposa, Alma (Zooey Deschanel). Isso porque a mulher tem um quê de galinhazinha mesmo - já diria minha vó. De repente, pessoas começam a se suicidar e os dois se encontram no centro de uma catástrofe. E quando digo isso me refiro ao filme mesmo. Porque essa crise deles é totalmente impertinente. Chata até.

Só as expressões na foto já indicam a incrível espontaneidade dos atores

Durante a projeção do filme, se eu não tivesse com tanta raiva de Shymalan, me daria um pouco de vergonha alheia, viu. São os personagens, os diálogos, o enredo, o roteiro... Para começar, falta qualidade. Os planos, os cortes... tudo vai em direção à tragédia.

Nem se pode dizer que o filme tem seus altos e baixos ou, como disse Boscov, se perde no final. Tá tudo perdido desde o começo! Cada diálogo clichê, cada explicaçãozinha barata. Não há elemento-surpresa (não que eu tenha visto, ao menos). As personagens são superficiais e os desfechos para as complicações subestimam a inteligência de qualquer criança de sete anos.
Se é de plantas-assassinas que vamos... que tal A Pequena Loja de Horrores? O que, diabos, Shyamalan estava pensando com esse roteiro? É uma ofensa ao cinespectador. São sequências baratas, com suicídios gratuitos, rodeados de diálogos idiotas. A gente ri. Sim, eu ri. E se você ver, vai rir também. Não é por maldade, cara. Aquela cena em que Mark Wahlberg conversa com uma planta foi a mais marcante do filme pra mim. Foi a única em que eu consegui sentir um pouquinho de simpatia pelo cara. Porque de resto o ator é péssimo e o personagem é irritante.
Em geral, todos os atores são péssimos. A garotinha, então, é insuperável! E aquela cara constante de assustada da Zooey Deschanel? Digna de suicídio, viu?
Logo de início, aparece um cara maníaco que cria plantas e explica que são elas que estão mandando substâncias assassinas. Típico, né. Só ele sabe. Ninguém mais pensa nos EUA. E, de repente, aparece uma velhinha louca na história. Daí sim fica macabro. Porcamente macabro.
Eu fico mesmo é impressionada com o trabalho de publicidade e distribuição que fizeram com Fim dos Tempos. Nossa, tanto trabalho desperdiçado! Tantas salas que poderiam ser utilizadas para filmes bem melhores ou até para uns mais ou menos. Tô até sentindo aquela brisa suicida batendo...

Não está convencido? Então veja, com seus próprios olhos, o sinal do fim dos tempos

13 indicações para uma sexta-feira 13

2008-06-13T11:03:00.000-07:00

Juro que não conheço alguém que tenha assistido mais filmes de terror do que eu.

Meu pai diria que eu tenho a mente fraca.

Eu digo que todo mundo tem um hobby doentio.

Aqui deixo 13 indicações para distintos perfis de espectadores:

1. Carrie, a estranha. Indicado para garotas solitárias que têm algumas idéias macabras na cabeça. Ou para adolescentes que adoram humilhar os coleguinhas esquisitos. Eu adoro. E indico a versão de 76, com a Sissy Spacek e o John Travolta. Em 99 fizeram uma "continuação" que chamaram de A Maldição de Carrie. Péssima.

2. Psicose. Indicado para qualquer um que saiba o que é um bom filme de terror. Por favor, hein. Tem que ser na versão do Hitchcock. Nada dessa versão barata da década de 90. Se nunca assistiu, Hitchcock ensina o que é terror de verdade. Vale a pena.

3. O Iluminado. Indicado para quem é fã de Kubrick e de Stephen King. Ou de qualquer um dos dois separados. Se você for muito moderninho, é provável que não tenha medo. Daí já aproveito para indicar o livro. Que é ótimo. E o filme tem o Jack Nicholson em suas cenas mais clássicas. Só o cara já vale a pena.

4. Entrevista com o Vampiro. Indicado para qualquer grupo de garotas entre 14 e 20 anos que estejam a fim de passar a sexta babando no Tom Cruise, Brad Pitt e Antonio Banderas. E, de quebra, tem a Kirsten Dunst pirralha. Façam brigadeiro - para compensar a falta de homens - e bom filme!

5. A mão assassina. Indicado para grupo de marmanjos que estejam a fim de rir. Juro que não sei por que diabos esse filme me marcou já que é idiota pra caramba. Mas é bem engraçadinho. Ou, ao menos, na época eu achei. Vale o acompanhamento de umas brejas.

6. Poltergeist. Indicado para quem gosta de clássico mesmo. Eu realmente adoro. E indico que assista os três sequências de uma vez. Dá até um pouquinho de medo de assistir TV sozinho depois.

7. Do Inferno. Indicado para quem, como eu é fã da história do Jack, o estripador. Preciso avisar que não é lá um boooom filme. Lembro que quando assisti fiquei meio aterrorizada pela quantidade de sangue que jorra pelo filme. Mas quem viu O Albergue sem fechar os olhos aguenta essa.

8. A Profecia. Indicado para quem gosta dessas coisas mais satânicas da vida. Eu sugiro a trilogia clássica. Uma madrugada só para o filho do diabo. Aposto 20 reais que você rola na cama antes de dormir depois. Tem também a refilmagem de 2006. É legal também, viu. Mas clássico é clássico, né.

9. O filho de Chucky. Indicado para quem vai passar a sexta cuidando dos irmãos/primos. Se eles tiverem até uns 7 anos - e não forem maníacos psicopatas como meus irmãos, eles vão sentir um tantinho de medo a noite e, de quebra, você chora de rir. Porque esse filme é engraçado pra caralho. Chucky é o cara. Adoro aquela risadinha.

10. A casa dos pássaros mortos. Indicado para quem nunca acha os clássico divertidos e está a fim de um terrorzinho mais ou menos. Assim, só pra comer a acompanhante depois. O filme é de 2004 e não é muito popular. Não sei bem o motivo porque até que eu gostei desse filme.

11. À Meia-Noite Levarei Sua Alma. Indicado para a galera mais alternativa e tal. Pra ninguém dizer que não tem filme brasileiro na lista. Se acompanhado de um baseado, dá pra dar umas risadas. Zé do Caixão rlz, mano.

12. Sexta-feira 13. Indicado para grupo de adolescentes que gostam desses massacres que o Jason proporciona. Mas, cara, só assiste o primeiro, tá? As continuações são uma merda.

13. A Hora do Pesadelo. Indicado para quem, como eu, prefere o Freddy ao Jason. Eu gosto de todos, inclusive das sequências. Sou super fã do Freddy.

Outras que valem citar:

- O Drácula de Bram Stoker. Indicado para casais com vinho e pizza.

- A Morte do Demônio. Indicado para quem tem um senso de humor refinado.

- Madrugada dos Mortos. Indicado para aqueles que ainda acreditam nas refilmagens clichês.

Bem, galera, boa sexta-feira 13 pra todo mundo!

E ótimos sonhos...

Before the Devil knows that you´re dead...

2008-06-11T14:37:00.000-07:00

10 coisas que eu faria com a minha meia hora no paraíso:
- dançaria uma música com o Frank
- comeria um pouco daquelas nuvens de algodão-doce
- flertaria com os anjos

- trocaria algumas palavras com o Hitchcok

- daria um abraço no Elvis

- tentaria fazer amizade com Nietzsche
- roubaria um beijo do James Dean
- fumaria um com a Janis Joplin
- chutaria a canela de D. Pedro
- contaria uma boa piada pro Mazzaropi

(a verdade é que se existisse paraíso nenhuma dessas pessoas estaria lá)

Pois hoje eu assisti Antes que o Diabo Saiba que Você está Morto.
No entanto, estou com preguiça de comentar.
De 0 a 10?
7,7. Satisfeito?

Caso não esteja...

Caroline com sete anos

2008-06-08T12:13:00.000-07:00

Eu nunca escondi de ninguém que sou uma criaçona na minha paixão, nada retraida, por filmes infantis. Eu simplesmente adoro. Sei todas as músicas do O Rei Leão. E já decorei uns quinze minutos de fala do Alladin. Já perdi as contas de quantas vezes já vi A Princesinha, O Jardim Secreto ou Labirinto do Fauno. Fábulas, contos, histórias fantasiosas estão no topo da minha lista. Eu simplesmente adoro Os Irmãos Grimm e posso assistir mais umas trezentas e quinze vezes A Fantástica Fábrica de Chocolates. São filmes que me deixam sem piscar e muito, muito, muito sonhadora por algumas horas.

Uma boa fábula não pode ser idiota, você não pode lembrar no meio da história de que está assistindo só um filminho infantil que não faz o menor sentido. Um bom filme infantil dá asas à imaginação muito mais do que qualquer filme panacão do Vin Diesel ou do Steven Seagal. Não entendo como meu pai pode achar o filme do Peter Pan idiota e achar TriploX muito lôoooco. Qual dos dois subestima sua capacidade mental? Pufff... nem vou discutir.

Que seja... nesse final de semana levei o Gui, meu irmão caçula, para assistir As Crônicas de Nárnia: Príncipe Caspian. Mentira. Eu carreguei ele pra me acompanhar. A sala estava lotada. Fazia muito tempo que não via uma sala do Cinemark de Jacareí tão cheia. Crianças chatas, falantes e bobas por todos os lados. Mas não pude reclamar nada da minha companhia. Graças a Deus, lá em casa, fomos muito bem treinados para assistir filmes. É silêncio e concentração. Cinema é um ritual sagrado, por isso meus irmãos estão na minha lista de companhia prediletas ao cinema. Sem contar que os três menores têm um gosto refinadíssimo para filmes. Tem que ver. Mamãe e eu fizemos um ótimo trabalho.

Pois então... Gui e eu concordamos que essa sequência das As Crônicas de Nárnia é melhor do que o primeiro filme. Apesar de ser um pouco mais longo e cansativo, a história está mais sólida, sabe. Dá pra notar uma evolução nos atores e nos personagens. A Lúcia, por exemplo, está uma mocinha já - parafraseando todas as tias do mundo. Parece que os atores passaram esse tempo entre um filme e outro amadurecendo os personagens e fizeram um ótimo trabalho.

O William Moseley, que faz o príncipe Pedro na tradução brega pro português, está uma graça. Nossa, superpegável. Um homem e tanto. Me deixou com o coração dividido entre ele e o Ben Barnes, que faz o Príncipe Caspian. Lembrei do lindo Ben do Stardust que é outro filme fantasioso que eu gosto bastante e que me fez criar sonhos encantados com o meu Benzinho - péssima essa, hein? Pois então, os dois estão ótimos. E sabe... não é inveja nem nada, mas eu imaginava que a Anna Popplewell, que interpreta a Susan, fosse ficar mais bonita, sabe? Não, realmente ela é bem lindinha sim. Mas eu imaginava melhor. Sei lá, devem ser as bochechas. Odeio pessoas de bochechas - é um trauma pessoal, só olhar na minha cara.

As cenas de guerra são ótimas. Os efeitos especiais e os cenários são lindos. Acho que eu perco toda a minha capacidade de crítica quando assisto a um filme infantil mais ou menos. Só pode. Mas não sei explicar bem o que falta para a série As Crônicas de Nárnia realmente impressionar, sabe? Ela meio que passa abatida entre Indiana Jones e O Homem de Ferro. Sei que os livros escritos por C.S. Lewis são obras-primas da literatura de fantasia. E por mais que Andrew Adamson tenha sido bem mais ousado nessa sequência, ainda falta mais um pouco daquilo que fez as velhas produções da Walt Disney.

Alguém me arranja um príncipe desse? Ah, metade dele também serve.

Desse filme, especificamente, tenho que criticar o romance xoxo entre a Susan e o Caspian e o reaparecimento sem pé nem cabeça do Aslan- que todos nós já sabiamos que iria acontecer, né? E aquela salvação das árvores andantes super me lembrou O Senhor dos Anéis. Porém, até aí a gente perdoa. E fica esperando a próxima sequência para 2010, As Crônicas de Nárnia: A Viagem do Peregrino da Alvorada. Só espero que até lá o Gui não esteja velho e chato demais para me acompanhar no filme. Ops, para eu poder levá-lo para ver o filme, né?

Longe do romance clichê

2008-06-03T13:06:00.000-07:00

Não sou uma fã incondicional de filmes de romance, preciso admitir. Mas também é notável que sei apreciar um bom filme de romance. E quando digo bom, a produção tem que ser convincente mesmo. Exijo o melhor porque acho muito fácil fazer um filme fofinho para arrancar algumas lágrimas de crocodilos de pessoas fracas emocionalmente - e talvez eu me inclua nesse, nada seleto, grupo. No entanto, posso contar nos dedos os filmes que me fizeram chorar, mas quando um filme me toca... cara, é pra valer!

Isso aconteceu quinta-feira com Longe Dela (Away from Her). Sim, eu estava de tpm, vulnerável e tristonha. Mas eu preciso dar créditos à primeira e belíssima produção de Sarah Polley. Sempre achei o romance de velhinhos muito convicente. Porque é fácil se ter vinte e tantos anos e se apaixonar loucamente por um cara bonitinho e engraçadinho a la Ashton Kutcher ou Orlando Bloom e dizer que viveu uma história de amor digna de Hollywood. Contudo, você, eu e qualquer pessoa que já teve mais de um relacionamento sabe que passa... tudo passa, amigo. Se não tudo, quase tudo. E sentimentos que não passam, esses relacionamentos que não se destrõem com o tempo são os únicos que merecem minhas palmas ou minhas lágrimas.

Começa que os cenários de Longe Dela foram muito bem selecionados. O enredo é simples e a abordagem é branda, soando sincera. Julie Christie tem uma atuação estupenda no filme, digna de Oscar, ok? Se eu chegar aos 66 anos com a metade da beleza dessa mulher ficarei muito satisfeita. E é uma beleza muito diferente da repugnante Vera Fischer. É uma beleza madura, tenra, meiga. O Gordon Pinsent não fica muito atras não. O cara tá um pitelzinho, para quem sabe admirar uma beleza mais velha, sem essa carinha de dezessete aninhos. De verdade, se eu tivesse trinta anos, eu pegava. Fácil, fácil...

Bem, a verdade é que senti uma inveja enorme da Fiona, a personagem central interpretada por Christie, que sofre de Alzheimer. A doença é triste sim, e é uma realidade não muito distante de várias pessoas que conheço e da minha própria família. Contudo, o filme consegue mostrar um ângulo muito, muito, muito mais doloroso do que já pude imaginar.

Um dia, quero ter 60 anos sendo bem bonitona, ter um marido de dar inveja em qualquer beata, uma casa no campo e esquiar todos os dias. Só isso. Sem a parte do Alzheimer.

Imagine viver mais de quarenta anos com alguém, amá-la, idolatrá-la, dedicar-se a ela, e, aos poucos, ela ir te apagando da mente. Imagine o quanto horrível deve ser a sensação de estar ao lado de alguém que você conhece mais do que ninguém mas que não te reconhece mais! Foi esse pensamento que me dominou durante a projeção e depois. Foi a dor de Grant, marido de Fiona, que me comoveu sincera e profundamente. E, depois disso, passei longos minutos pensando se um dia alguém poderia me amar como Grant - alguém tão bonito quanto, de preferência.
Existe mesmo isso, cara? Sério que alguém vive tanto em favor de outra pessoa e aceita qualquer condição para que ela seja feliz? Alguém pode sofrer tanto por ter que ficar 30 dias longe da amada? E depois aguentaria visitá-la só para assisti-la, de longe, envolvida com outro homem? Existe mesmo isso?
Eu sempre achei que não - e talvez ainda ache. Mas por me convencer do contrário, mesmo que por duas horas, eu chorei. (Ah, só não é pra sair contando pra todo mundo, ok? Foi um ato falho. Logo passou. Então... vamos assistir a um Indiana Jones, aí?)

Cidade Partida

2008-05-29T14:04:00.000-07:00

Pareceu até que eu abandonei o blog definitivamente, né. Mas não. Não que eu tenha algum tipo de compromisso com esse blog. Do contrário. Quando criei foi apenas com a intenção de ter onde anotar alguns pensamentos sobre filmes que vi durante a minha vida. No entanto, nessas duas semanas tenho sido uma irresponsável. Tenho que admitir. Mas prometo me esforçar para não repetir esse erro. Uma vez por semana, no mínimo. Esse é o trato. Entre mim e o Corvo. Valendo...

Pois então... eu não deixei de ir ao cinema nessas últimas semanas, claro que não. Queria até fazer um post com minhas notas sobre Pecados Inocentes. Mas elas já estão frias demais na minha mente e o filme não merece um fichamento. Definitivamente. Só digo isso.
Vou falar então sobre um filme brasileiro que está para estreiar dia 25 de julho. Eu assisti uma pré-cabine com o filme nem finalizado ainda. Trata-se de Era uma vez, o novo filme de Breno Silveira, diretor de Dois Filhos de Francisco (sim, aquele fenômeno de bilheteria com a história do Zezé de Camargo & Luciano).
A história é um conto de fadas, como o próprio título indica, de um cara pobretão que mora no Morro do Cantagalo e uma garota riquinha que mora na orla de Ipanema, no Rio de Janeiro. De início tem tudo para ser um romance engraçadinho, com algumas cenas mais chocantes, coisa e tal. Típico da realidade do morro, manja rapá? Mostra bem aquela velha história da dimensão paralela, da terra sem lei, do rapaz bonzinho com ótimas intenções. O filme é lotado de esteriótipos, essa é a verdade. Tem a pobre menina rica, o surfistinha carioca, o ex-namorado escroto, o pai super protetor, o traficante malvado.
É um filme para não levantar grandes reflexões. Não dá para ficar imaginando como um cara que vive numa favela, num ambiente tão hostil, com um passado tão traumatizante, seja tão bonzinho e tão comportado. Já a classe alta carioca é retratada lotada de hipocrisia, de conveniências, corrupção e vícios. Na minha opinião a mocinha (cujo nome esqueci) é só um retrato plano de uma patricinha incompreendida, inconseqüente e que vê no rapaz pobre um espaço de fuga de aventura de risco. É bem aquela história de quem tem tudo, mas quer o que não tem.
Os ambientes representados também são grandes clichês. É o baile funk carioca e o lual para os riquinhos. O único espaço de socialização entre as duas dimensões é a praia. Mesmo que o rapaz pobre vá lá pra trabalhar e a mocinha rica para paquerar surfistinhas e ler (nota para o livro Cidade Partida que a personagem aparece lendo - metalinguagem barata) . O filme em si representa o sonho a la Globo. Eles querem fugir juntos. E tudo teria dado certo. Talvez até o final teria sido menos mal se parasse por aí.
Em geral, o filme é um enorme clichê. Ou pedacinhos de outro filmes batidos no liquidificador e levados ao forno. Tem Carandiru, tem Cidade de Deus, tem Tropa de Elite. Se eu não parasse para reparar nos detalhes que tornam o filme cada vez mais clichê, como o bigode toddynho do mocinho, a estátua de São Jorge na casa do traficante e as tais passagens pra Europa, entre outros, eu não teria ficado tão irritada. Mas eu detesto novela, e isso já eliminou qualquer oportunidade de apreciar Era uma vez.
Tenho que admitir que eu talvez esteja sendo um pouco cruel com a crítica ao filme. Não é o tipo de roteiro que faz o meu tipo, a própria sinopse deixaria claro. Mas é um filme que faz o gosto de boa parte dos brasileiros. Seja por vontade minha ou não. Sinceramente, prefiro que assistam um enlatado brasileiro do que um hollywoodiano de merda. Não que eu seja contra hollywoodianos, do contrário, acho que são os filmes com a melhor produção - proporcional à grana que eles investem.
Sinceramente, acho que o Breno errou feio mesmo foi no final. Ele caiu do Romeu e Julieta. Mas no Romeu e Julieta sem pé nem cabeça. Dava pra fazer uma edição e salvar um pouco o filme. Mas quem sou eu pra optar. Afinal, faço jornalismo, lembra? Acho que agora é só torcer pelo cara, para o público aceitar, senão Era uma vez...

---------------------------------------------------------

Acabei de voltar de uma conversa com o Breno, o diretor, e o Thiago, o ator principal. Primeiro, fico feliz que o Breno tenha decidido fazer algumas boas mudanças no filme. E fico mais feliz ainda em saber que existe um dedinho meu e de mais alguns agentes da Brazucah na nova edição que ele fez. E, a propósito, disseram que melhorou bastante o filme.
Fora isso, o depoimento sobre o Breno Silveira sobre o filme me comoveu. Realmente o filme era um sonho pro cara antes de 2 Filhos... e você tem que ver como ele fica empolgado em falar do Era uma vez. Pô, deu até dó.
Nunca neguei que o filme é eficiente no que pretende e o Thiago, como morador na vida real da favela do Vidigal, soube convencer a gente do trabalhão que eles tiveram para filmar. Fiquei até curiosa para ver o making-off.
Bem, só posso desejar sucesso para os dois e que o nosso trabalho de divulgação do filme surta algum efeito. Porque se depender da minha boa vontade, todo mundo teria acesso irrestrito ao cinema, principalmente, ao brasileiro.
É isso, amigos.

05/06/08

Fôlego demais

2008-05-13T12:18:00.001-07:00

Kim Ki-Duk não tem um perfil cinematográfico dos que me agrada. Ao contrário, assisti Fôlego, sua mais recente produção, imaginando que não iria gostar. Sinto muito pelos meus pré-conceitos em relação ao cinema coreano, mas fico satisfeita em dizer que foi uma tentativa com a maior das boas intenções. Estava esperando tudo de pior de Fôlego, mas não estava preparada para seu caráter novelesco ao extremo.
A sinopse é: história de uma mulher que, em crise conjugal, decide iniciar um romance com um assassino suicida no corredor da morte. A verdade é que Ki-Duk força um romântico delicado, sublime mas cai numa historia irritantemente brega e constrangedora. Digo constrangedora porque manja aquelas dancinhas tipicas do Youtube que nós, ocidentais, choramos de rir daquelas orientais malucas? Então, tem isso. Ah, ok, eu sou uma ocidental preconceituosa. Qualquer filme oriental me parece brega - com algums exceções de terror japoneses.
As metáforas são fáceis ou vazias. A simbolização das estações do ano e as dancinhas de Yeon tornam o enredo até infantil. Os personagens de Ki-Duk tem uma carga de solidariedade acima do normal. O maior exemplo é o do marido que leva a mulher para trai-lo com um presidiário no corredor da morte. Afinal, o cara precisa de um motivo pra viver, não é? Qual o problema de emprestar a mulher e ficar esperando no carro por ela terminar o trabalho? Isso que eu chamo de corno manso. E a gente assiste e fica pensando o quanto irreal seria essa troca de carinho que Ki-Duk apresenta nas prisões coreanas. Até em briga os caras brigam em tapinha, fora a troca de carícias constantes. Definitivamente, isso não ocorre no Brasil.
São monólogos e linguagens não verbais demais para 89 minutos. O silêncio incomoda. Em parte pela falta de espontaneidade na narrativa e dos personagens. Mas, principalmente, pela falta de envolvimento que tive com o filme. Mesmo em cenas pretensamente românticas e agradáveis. Quando Yeon diz a Jang Jin, o prisioneiro suicida, o quanto os olhos deles são bonitos, a única coisa que consegui pensar foi: "Mas como assim?! Todos orientais tem olhos iguais, não?"
Alguém precisa avisar a Ki-Duk que não precisa forçar tanto para ser original. Fôlego não é nada humilde. Fica aparente que suas pretensões tendem ao cult e ao grande. Ele não assume o que é, mas tenta ser o que não é. Enfim, sufoca. Exige o fôlego que eu não tenho.

Se você conseguir suportar essa cena, talvez tenha fôlego para o resto do filme.

"Quer fazer Deus rir? Conte-lhe os seus planos para o futuro".

2008-05-04T08:09:00.000-07:00

Em O Sonho de Cassandra, Woody Allen volta aos seus indícios de tragédia grega, como em Poderosa Afrodite. Cassandra foi uma servidora de Apolo com dons proféticos, em cujas profecias ninguém acreditava por conta de uma maldição. E a incredibilidade de suas previsões levaram a queda de Tróia. Woody Allen, como sempre, é uma boa dose de alta cultura com um humor negro de dar inveja.
Sinopse: Terry (Colin Farrell) e Ian (Ewan McGregor) são dois irmãos que passam por uma situação inusitada ao conhecer a misteriosa atriz Angela Stark (Hayley Atwell). Ian fica perdidamente apaixonado pela bela jovem que acaba de chegar em Londres em busca de riqueza. Como estão passando por problemas financeiros, eles decidem aceitar uma proposta criminosa. Porém, a situação foge de controle quando as coisas não saem como planejado (Do Yahoo!Cinema)
Na verdade, nem acho que Atwell tenha um papel tão importante assim no enredo. Sua atuação é, definitivamente, bastante envolvente. O filme é muito mais sobre as diferenças éticas entre dois irmãos e seus conflitos internos e externos. Contanto, ler isso na sinopse não animaria muita gente. Eu admito que na sinopse a única coisa que chamou a atenção foi o nome do Woody Allen. E só. (Que, na verdade, não é "só").
A estética do filme é simples, mas não chega a ser broxante. Isso porque a exploração do relaciomento entre Ian e Terry, levando em conta suas ligações como irmãos e suas contestações como pessoas, é feita no velho e agradável estilo woodyalleano. As viradas ao longo da trama e a excelência da dramaturgia são alguns dos pontos fortes do filme.
É notável que a Europa vem saudando o cinema de Woody Allen com muito mais dignidade do que os EUA. E o lado cômico do diretor tem dado um espaço maior ao drama. Pois o drama do filme é mantido pelo assassinato, assim como em Shakespeare e em Match Point. Mas aqui o assassinato não é um fim mas um meio. A visão pessimista de Allen é o que me ganha. E seu talento em juntar elementos humanisticamente simples e verdades dificilmente relatadas. Nesse caso, quando a situação é urgente, acaba-se por aceitar o que antes era inaceitável.
O Sonho de Cassandra é o terceiro filme consecutivo de Woody Allen filmado em Londres. Mas fica evidente que não deixa de ser aquele humor negro woodyalleano novaiorquino sobre os anseios mais profundos das pessoas. Sinceramente, achei o filme muito mais Crimes e Pecados e Hannah e suas irmãs.
Da próxima gostaria de ver Woody Allen na tela, como o próprio Woody Allen. Nada desses alter-egos. As risadas ficam mais garantidas. E Scarlett Johansson, de quebra, não faria nada mal. A gente fica na espera de Vicky Cristina Barcelona então. Que não tem Allen, mas tem sua musa. E a minha musa. (Porque eu a havia escolhido antes dele. E isso prova o quanto temos em comum. Além de algumas outras coisinhas).

Woody Allen com cara de "Puta mundo injusto, meu!"

Esperamos mesmo é que o Woody Allen viva até os 100 anos, no mínimo, e continue fazendo um filme por ano. Pois estamos preparados para seus sucessos e fracassos. Como é a vida.
(E que a Scarlett desista logo dessa história de cantar. Afinal, pra que isso, meu deus?)

Quando pega pelo estômago

2008-04-29T13:10:00.000-07:00

Um dos meus prediletos desde O Auto da Compadecida.

Não tem policial machão, nem "a tal realidade da vida brasileira", nem dupla sertaneja, nem Xuxa, nem Selton Mello, nem Lazaro Ramos, nem Rodrigo Santoro. Mas é bom, cara. Juro que é.
Tá, tem sim um pouco do sistema carcerário brasileiro, da prostituição, da migração de nordestinos, mas não é nada disso que nos prende a atenção (ao menos, não prendeu a minha). O filme é sobre amor, ciumes, impulsividade, tensão e a lei do mais forte. Nada de discursos de denúncia, muito obrigada.
Os filmes brasileiros que chegaram a fazer algum sucesso no Brasil nunca me agradaram. Estômago tem algo que nenhum deles tem. Tem um toque que foge do comum, um toque único que sempre falta nesses filminhos a la Rede Globo ou a la realidade sociopolítica brasileira. O diretor Marcos Jorge é só um estreante mas já me ganhou. Preciso admitir que, quando se trata de cinema brasileiro, eu não sou fácil não. Não dou uma amolecida por ter dó da falta de verba. Ao contrário, quando falta verba, a gente usa mais a cabeça.
Precisamos combinar que o personagem central, Raimundo Nonato (João Miguel)leva o filme nas costas. Mas isso não é, de maneira alguma, uma crítica ao filme em si. Isso porque João Miguel carrega eficientemente a história, ou melhor, as duas histórias que se desenrolam.
Uma coisa legal é que aquela história de comer formigas é verdade sim. Eu já comi. Não formiga, içá. É assim que chamam no interior. Fede, mas é bom. Ou com farinha parecia ser bom, mas o que não é bom com farinha? Que seja, na hora do filme me pareceu nojento e não que eu já tenha passado fome na vida, tanajura (ou içá) pode ser considerada uma comida do mesmo nível do caviar, ao invés de ovas de esturjão come-se ovas de formiga. Porque, na verdade, quando se come a "bundinha" das tanajuras você está comendo as ovas da formiguinha. E elas são riscas em proteinas, viu?
Mas voltando ao assunto...no dia em que conseguirem fazer um filme brasileiro bom sem presidiário, prostitutas, assassinato, injustiças e submundo, eu vou ficar tão feliz. Juro que largo o jornalismo e me jogo na cinematografia (aliás, se alguém me convidar, eu largo agora. Tô fácil, fácil).

Na verdade, foi só um selinho

2008-04-17T11:11:00.000-07:00

Um beijo roubado? (My blueberry nights). Booooring. So boring.
A começar pela tradução do título, ok? Mas até aí a gente perdoa, não é? Nada pode ser pior que Noiva neurótica, noivo nervoso (Annie Hall). A questão é que Um beijo roubado é chato, vamos combinar. O filme, em geral, é sobre perseguições e fugas. Mas sem a parte da ação, sabe. É um lance sobre desilusões, sobre a angústia de saber que não se pode ficar com quem se deseja. Mais conhecido como dor-de-cotovelo. Indicado para quem sofre por ter sido trocado. Para ficar convencido de que acontece com todo mundo e que uma hora passa. Porém, serei franca que, se toda vez que fosse trocada, encontrasse o Jude Law para afogar as mágoas, a vida seria muito mais fácil.
Ah, vamos combinar que a Norah Jones é uma péssima atriz, ok? E isso não é algum tipo de preconceito, que nem com ex-BBBs, ou com outras cantoras pop. A moça não é nem boa atriz, nem simpática, nem envolvente. Fiquei o filme todo esperando, ansiosamente, pela entrada da Natalie Portman. Alguém precisava salvar meus minutos desperdiçados, não é? O filme de Wong Kar Wai não tem pretensões, nem objetivos. Tanto filme legal pra entrar em cartaz e um filme desses fica ocupando tantas salas!
Daí eu fico pensando no motivo pela qual Norah Jones resolveu se meter com cinema. Ela já não é famosa e ricona suficiente só cantando? Por que isso então, Meu Deus? Por quê? Elizabeth, sua personagem, tem pretensões de protagonista, mas parece vazia, uma simples personagem plana. Quando se contrapõe, na tela, a atuação de Norah Jones com Natalie Portman isso fica muito mais agudo. Até a personagem coadjuvante de Rachel Weisz saiu-se melhor, temos que admitir. Não é possível que tudo isso seja só marcação minha com a pobre Norah Jones. Se ela fosse boa, eu admitiria, oras. Por exemplo, admito que gostei das câmeras focalizando através dos vidros, em boa parte das cenas. E admito que rola muito mais química entre Jude Law e eu do que entre ele e a Norah Jones. De verdade.
Um beijo roubado é xoxo, uh, muito xoxo. Não é comédia, nem romance, nem drama, nem engraçado, nem cult. Não é nada. Simplesmente nada. Suspeito que minha filha um dia ainda vai assistir a esse filme na sessão da tarde. Ou não. Tomara que eles continuem passando Meu primeiro beijo. Pelo bem dos nossos filhos.
Sem contar que a trilha sonora é um pé no saco (salvando-se Cat Power). Pelo menos, eu achei. Mas certeza de que faria o tipo de umas primas minhas. Pufff... Não há nenhum tipo de emoção. Só umas historinhas e reflexões romanticamente baratas (ou baratamente românticas). Metáforas sem graça, ou com gracinhas demais. Conversinhas fiadas e frases de pouco impacto. Ou eu quem estou de tpm e com dor-de-cotovelo aguda. Vai saber.

O Condor que tá mais para pardal

2008-04-10T14:37:00.000-07:00

Operação Condor, já ouviu falar, não? Não, não, não é aquele filme com o Jackie Chan. Condor foi uma cooperação entre ditaduras sul-americanas e tem uma história cercada de contradições. Tem gente que chama de Operação Condor, tem gente que diz que foi apenas o Sistema Condor para colher informações. Mas o que fica prova é que a operação/sistema foi responsável por sequestros e mortes de cerca de 30 mil pessoas nos anos de chumbo.

No documentário Condor, Roberto Marder passa por diversos países latino-americanos, como o Chile, Argentina e Uruguai, além dos EUA a fim de dissecar o processo que envolveu a Operação Condor. As imagens são riquissimas, a apuração foi minunciosa, os depoimentos muito bem trabalhados. Não tem como desmerecer o trabalho do diretor/roteirista. Os relatos do filme, ao menos inicialmente, são contrapostos de forma a fazer de Condor um registro histórico. O documentário começa bem, não com uma análise, mas como uma exposição de depoimentos; jornalística, objetiva, polêmica. Há uma tentativa de travar um diálogo entre reprimido e repressor, afinal, na história não há maniqueísmos. Já estava até encantada com o trabalho de Roberto Mader, quando... Acontece aquilo. Aquilo que sempre acontece com todos os filmes sobre a ditadura.

De repente (não mais que de repente) o foco perde-se. O cenário fica denso demais, o documentarista quer relatar tudo, e no final é levado a discutir o desaparecimento de filhos e pais. São muitas as informações, muitos os personagens, muitas histórias com um fundo pessoal tocante. Só a polêmica da anistia já merecia um outro filme, com certeza. Cansa, então, a projeção começa a se arrastar.
Em certo momento do filme, Roberto Mader toma um perfil de vitimizado. As falas dos direitistas são ridicularizadas, a gente chora com as pobres vítimas do governo ditatorial opressor. O documentarista toma o seu lado, e o outro vira só motivo de indignação. Mas, sinceramente, é do lado de lá que vêm os depoimentos mais interessantes, com mais sustância. Porque o lado de cá, vamos concordar, que já (quase) estamos cansados de escutar. Contanto, quando o general chileno Manuel Contreras fala, merece atenção. É importante saber o outro lado, independente de quem tem a razão.

A caça aos esquerdistas, considerados subversivos, é realmente um assunto que tem um viés tocante, um aspecto emocional que faria a minha vó chorar (como sempre faz). É revoltante, é chocante, mas não é isso que deve nos impulsionar. Não devemos ficar indignados e, depois, simplesmente, deixar como estar. Como se já tivesse acontecido e ponto. Uma análise histórica, séria, deixa marcas mais profundas, ao menos, mais duradouras. Precisamos de consciência e não emoçõezinhas, isso fica por conta de Hollywood, combinado?

Sabemos bem que a ditadura na América Latina gera debates muito interessantes, por ser um tema que diz respeito, sim, a todos nós. Algo que não merece, nem poderá, ser esquecido, enterrado, como sugeriu Jarbas Passarinho no filme. A análise humana do momento histórico já é bastante trabalhada em tantas biografias no cinema e na literatura. Há ainda muitas histórias a registrar, com certeza. Mas, ao que parece, não era essa a intenção de Condor, e foi o que aconteceu.

Fica a impressão de que o filme é muito mais argentino ou chileno do que brasileiro. Não que a história de lá não tenha interesse aqui, porém, na minha opinião, merecíamos uma apuração mais aguçada no âmbito brasileiro. No final Mader tenta romper esse distanciamento com o público brasileiro e passa a discutir a abertura dos arquivos no Brasil, o julgamento de casos da época e nos deixa mais curiosos sobre o que pode ter acontecido e nós ainda não sabemos.

Há ainda muito a ser desenterrado da cova dos anos de chumbo latino-americanos. Condor mostra que nossos vizinhos não deixam barato. E no final, a impressão que fica é que nós, brasileiros, somos frouxos. Ou que não sabemos conversar sobre isso sem cair no choro.

Caipira com orgulho, cumpadi

2008-04-04T10:49:00.000-07:00

Para o trabalho de cultura brasileira deste bimestre devíamos escolher uma produção cultural com a qual pudessemos trazer um paralelo com identidade nacional e todas essas chatices acadêmicas. Daí eu escolhi Mazzaropi. Abaixo segue minha justificativa em forma de devaneio, própria para o blog.

Amácio Mazzaropi nasceu na capital de São Paulo, em 9 de abril de 1912. Começou no circo, foi para o rádio, passou pela TV, e chegou ao cinema, onde estreou como ator até se tornar seu próprio produtor, diretor e distribuidor, consagrando-se como um dos maiores sucessos de bilheteria. O pano de fundo de quase todos os seus filmes é uma fazenda, apresentando as características da vida do interior. Jeca Tatu (1959), um roceiro que tem a vida ameaçada pela ganância de um latifundiário, é um filme baseado na obra de Monteiro Lobato. O caipira de fala arrastada, preguiçoso, mas cheio de malícia, fez um grande sucesso na interpretação de Mazzaropi.
A saga desse personagem tã0 carismático continua em filmes como Tristezas do Jeca (1961), O Jeca e a freira (1967), O jeca macumbeiro (1975), Jeca contra o Capeta (1976), Jecão...um fofoqueiro no céu (1977), O Jeca e seu filho preto (1978) e O Jeca e a égua milagrosa (1980). Essa semana eu peguei alguns filmes do cara para montar um trabalho de cultura brasileira e, não sei se estou boba ou o que, mas juro que me diverti bastante com a interpretação de Mazza.
No primeiro filme com o Jeca Tatu, de 1959, a trilha sonora tem Agnaldo Rayol, Tony e Celly Campello. Gente, vocês precisam ver como o Agnaldo tá uma gracinha no filme. Ah, mas eu pegava fácil, fácil. Ele aparece numa pose cowboy-galã. Mas é só cantando mesmo. Naquela época os caras tinham semancol o suficiente para não querer dá um de ator-cantor, como nos filmes da Xuxa.
Ambientalizado em uma fazenda de Pindamonhangaba, a história tem traços genuinamente brasileiros. Jeca Tatu permite a observação do cenário rural, do trabalho e estilo de vida da fazenda. Jeca Tatu apresenta a unidade linguítica, as tradições populares, a crença religiosa e as relações sociais dentro da comunidade caipira. Ou seja, eu fico morrendo de nostalgia, sabe? Principalmente numa cena em que ele ensina a tirar leite da vaca. Ai, eu adorava. O mais engraçado é que eu não gosto de leite puro, daí eu carregava um potinho de toddy, tirava o leite fresquinho e tacava toddy. Hmmm... devo ter engolido tantos germes. Mas era ótimo, juro.
O estágio cultural do cinema de Mazzaropi está condicionado pelo subdesenvolvimento, porém, isso não significa, de maneira alguma, que sejam produções banais, imbecis ou medíocres. Chegaram a acusá-lo de analfabeto fotográfico, como aquele que contribui para o retrocesso cultural. Escolhi Mazzaropi como tema pro meu trabalho de cultura brasileira por não considerá-lo primário, como muitos críticos disseram. Ao contrário, considero um cinema puro, cômico sem ser vulgar e marcante para meus pais e avós. Aliás, eu fico p* da vida com quem fala que Mazzaropi é um retrocesso no cinema. Defendo ele e o Zé do Caixão com unhas e dentes. Os caras são truta, ok?
O fato é que o personagem Jeca Tatu agradou, e ainda agrada, uma grande faixa do público popular, em parte, pelo poder de identificação que ele tem. Poder esse bastante notável no interior, em especial no Vale do Paraíba. O público aceitou sua maneira de interpretar e fascinou por sua capacidade de fazer rir. Mazza nunca deixou de lado o tipo caipira-sabido que lhe rendeu sucesso e dinheiro. O criticado lugar-comum utilizado em seus filmes não é portador de uma forma desgastada e convencional. Por quê? O que há em Mazzaropi que o faz tão único e bem-aceito pelas camadas populares?
Há nas produções de Mazza um pouco de paródia e influência de produções hollywoodianas, como filmes de western e melodramas. Tem uns filmes em que a influência de bang-bang norte-americanos é bem notável. Tipo, tem uma cena no interiorzão de São Paulo, daí aparece um cara montado num cavalo bonitão, com um chapéu importado, com lenço no pescoço e uma cara de made in Texas. E adivinha... o galã apaixona-se pela mocinha pobre coisa e tal. Mas até tu, Mazzaropi?
Fora isso tem umas paródias também. No filme Jeca contra o capeta tem a paródia ao O Exorcista. Esse eu ainda tô pra ver inteiro.
A verdade é que, na época e ainda hoje, as produções independentes e de baixo orçamento sofrem bastante preconceitos. Eu, pessoalmente, tenho um interesse sincero em filmes amadores e dependentes muito mais da boa vontade de seus produtores, do que de patrocínio externo. Mazza ficou rico sim, mas por conta do público que ele fascinou e não dos intelectuais aristocráticos preocupados em formar uma "identidade nacional". Identidade essa elitista, vamos concordar. E se é elitista, já não pode ser brasileira.

Technorati Profile

A velha (e elegante) fórmula

2008-03-26T13:33:00.000-07:00

Quando eu era pequena (criança, pra evitar piadinhas sem graça) eu pirava em filmes de terror. Não que agora eu os tenha deixado de lado, mas eu realmente era louca pelos filmes sobre o sobrenatural. Poltergeist sempre foi uma grande paixão. Adorava qualquer porcaria no estilo de O despertar dos mortos e A hora do espanto. Tinha sempre a impressão de que crianças dormiam no meu armário e animais mortos-vivos moravam embaixo da minha cama. E, pode soar meio doentio, mas eu realmente adorava a idéia de ouvi-los conversar enquanto estava sozinha no quarto. Até que O iluminado mudou a minha vida. (Nota mental: tema para um próximo post).
Eu me lembro de, em pleno verão, enrolar-me até a cabeça no cobertor, tampar os ouvidos com o travesseiro e ficar paradinha, com medo de que "eles" viessem. E assim Kubrick fez com que tudo desde A casa na colina, A bruxa de blair e Uma noite alucinante 3 fosse pura piada. Minhas amigas gritavam e choravam de medo (e ainda o fazem) de qualquer filminho. Já eu, não conseguia sentir quase nada.
Daí veio Sexto sentido e eu voltei a me abalar. Os outros deu só uns pequenos beliscos. A verdade é que a fórmula criança-esquisita-vendo-coisas tem um poder de efeito consideravel em mim. Recordo-me de coisas que já não sei se existiram ou não, de qualquer forma, são lembranças que mexem com o meu inconsciente; o que todo bom filme de terror deve fazer.
Oito anos depois de Sexto sentido, mais especificamente na 31º Mostra Internacional de Cinema, eu li a sinopse de O orfanato, vi o nome de Guillermo Del Toro, e pensei: "Ah, cara, esse filme sim parece valer a pena". Então, enquanto as outras pessoas faziam filas e mais filas para ver filmes bem indicados pela Folha, como Vocês, os vivos, eu fui assistir a uma sessão mais ou menos vazia de O orfanato. E quando falei bem do filme depois, as pessoas me olhavam desconfiadas. Tá, tá, não é lá grande coisa. E só fui descobrir isso quando asssiti ao filme pela segunda vez, nesse final de semana. Porém, tenho que admitir que é um filme pela qual há tempos estava esperando.
O roteiro do espanhol Sergio Sánchez não é lá a coisa mais original do mundo. Casarão mal-assombrado, crianças com amigos imaginários, segredos macabros, desenhos infantis assustadores, desaparecimento inexplicável, barulhos pertubadores, velhinha caduca, marido cético... Um prato cheio para quem sabe apreciar um bom filme de terror. E é isso... o diretor do filme, o catalão Juan Antonio Bayona, não se permite sair do clichê mas é muito competente no que pretende.
A historinha gira em torno de Laura (Belén Rueda) que volta ao orfanato onde foi criada, para assumir uma espécie de retiro para crianças especiais. Daí que coisas estranhas começam a acontecer e o filho dela, Simón (Roger Príncep) desaparece, para o desespero da mãe. A partir daí não tente adivinhar os sustos do filme, só te manterá tenso durante toda a projeção. Afinal, essa é uma das boas sacadas do filme: guardar os sustos para os melhores momentos (e os mais inesperados).
As movimentações de câmera e a fotografia são muito bem trabalhadas. Há elementos pertubadores a la Hitchcock e um sentimento nostálgico tomou conta de mim. Algo no estlio, "se não pode ser tão bom quanto ele, aprenda e faça bom uso, amigo". É o terror puro, a tensão despertada pelo suspense e não por sangue e tripas.
A trilha sonora também é bastante pertinente, num estilo infantil macabro. A cena da brincadeirinha "Um, dois, três, bate na parede" é o ponto alto do filme, na minha opinião. Estupendo! Uma das cenas de maior intensidade na história das produções de terror desse século. Há sim, em O orfanato, um ar meio Del Toro, meio Os outros. Há aquela lacuna, típica de O laubirinto do fauno, para agradar aos céticos, permitindo livre interpretação do que é real e imaginário no filme.
E, gente, ainda tem a participação superespecial de Edgar Vivar, o senhor Barriga do Chaves, manja? Ah, vai, só essa já te compensa a ida ao cinema numa tarde de quarta, quando é mais barato, combinado?

Aluga-se banheiro

2008-03-18T12:09:00.000-07:00

Carnaval de 2008. São Luiz do Paraitinga, cidadezinha histórica a 171 km de São Paulo. São Luiz é uma cidade com cerca de 10 mil habitantes. Nesse carnaval, recebeu 13o mil! Em sua maioria, jovens sedentos por marchinhas, bebidas alcoolicas e pegação. Num casebre muito mal-acabado com cerca de uns vinte e tantos adolescentes aproveitando a folia, a água acaba. Ok, quem precisa de água quando se tem vodka?Beleza então, vamos pra gandaia.
Dia seguinte, seis da manhã. Todo mundo quer ir ao banheiro, tomar banho, escovar os dentes. O que fazer? O problema é na caixa d´água, logo, serão quatro dias sem um pingo d´água. Um bando de playboys agitados que pagariam qualquer quantia por um banheiro decente. Sim, vamos alugar um banheiro!
As casas da redondeza são bem simples. Os moradores são um tanto quanto humildes e receptivos. Principalmente quando recebem trezentos contos para alugar o banheiro durante o carnaval. A senhora da frente aceita a oferta com um sorriso enorme nos lábios. O banheiro não tem tranca, amarra-se um fiozinho na porta e num prego na parede. Não há box, então a espuma do banho espalha-se pelo banheiro inteiro, passando até por baixo da porta.
Agora, Dona Maria pode comprar verduras para o mês. E quando o netinho descalço pede bolacha, ela dá uma nota de cinco reais e fala para ele também comprar todynho. A criança sai pulando. As filhas de Dona Maria falam de comprar chinelos novos. E todo mundo fica feliz. E nós, profundamente aliviados por ter um banheiro. Viva Dona Maria!

Contei essa historinha, baseada em fatos reais, para provar que alugar um banheiro não é uma idéia totalmente fora do normal. E é a partir dessa idéia mirabolante que se sustenta O banheiro do Papa. O filme é uma co-produção Brasil e Uruguai, e a estréia esplêndida na direção de César Charlone e Enrique Fernández. O roteiro, dos próprios diretores, é baseado na visita de João Paulo II, em 1988, à cidade de Melo, no Uruguai. A visita do papa traz esperança de bons negócios para a população. Linguiças, pastéis, sanduíches, bebidas, medalhinhas. Beto (Cesar Trancoso, o sósia do meu porteiro), um dos humildes moradores da cidade decide construir um banheiro na frente da sua casa para vender seu uso durante a visita do Santíssimo. Afinal, os milhares de peregrinos precisarão ir ao banheiro em algum momento, correto?
Religiosamente realista e ingenuinamente otimista. Atento à cada detalhe, O banheiro do Papa constrói-se. Os preparativos, os planos, a empolgação dos moradores de Melo muito me lembraram São Luiz. Lá eles também esperam pela chegada do carnaval e seus visitantes durante um ano. Economizam tudo que podem para "enriquecer" nos dias de folia. Sei disso porque conversei com o tiozinho das pingas caseira. E ele me contou o quanto os moradores de São Luiz empenham-se em deixar tudo pronto para a chegada do carnaval. A diferença é que eles, ao final do filme, não ficam frustrados.
O banheiro do Papa passa-se em uma terra onde sonhos são incomuns. Uma terra em que não há espaço para planos e vive-se de acordo com o que o destino permite. Lugar onde se vive para sobreviver e grandes acontecimentos são raríssimos. Tão simples quanto profundo, tão triste quanto cômico. O banheiro do Papa é sobre a única coisa que resta às comunidades pobres: esperança. E isso ninguém tem o poder de privar de ninguém.

O que vale é a intenção (?)

2008-03-10T13:59:00.000-07:00

Um filme de poucas palavras e muitos olhares, é assim que defino XXY. Os personagens falam entre si e com o público com muito mais feições do que palavras.

É um filme sobre o dilema sexual de Alex (Inés Efron), um garoto que nasceu com características de ambos os sexos. Um garoto?! Bem, de início, Alex vive como uma garota, que toma remédios para deter seu desenvolvimento masculino. Mas na verdade pessoas que sofrem da Síndrome de Klinefelter são indivíduos do sexo masculino que têm um cromossomo X adicional (por isso XXY, sacou?) e por isso desenvolvem seios e têm testículo menos desenvolvidos. Conversando com a minha mãe, descobri que o que a personagem no filme tem é, na verdade, pura e simplesmente, hermafroditismo. O que quer dizer que tem algo de errado com o título, porque a Síndrome de Klinefelter trata de disturbios no sexo e não ambiguidade sexual, entendem? Bem, isso não vem ao caso.

Voltando ao filme... Enquanto moram na costa do Uruguai, os pais tentam manter Alex afastada do preconceito daqueles que, sabem eles, não são capazes de compreender e aceitar a menina. Ricardo Darín (do Filho da Noiva e Clube da Lua, sabe?) interpreta o pai de Alex que quer defendê-la a qualquer custo, até mesmo do médico especialista em estética que a mãe de Alex chama para examiná-la. O desespero do pai ao ver o sofrimento de Alex é muito comovente na interpretação de Darín. Porque o pai não sabe que posição tomar, o que dizer, nem se deve dizer algo ou deixar que a filha escolha sua sexualidade sozinha. Ou seja, o típico papel de pai de adolescente.

Assim, um médico vem de Buenos Aires examinar Alex e traz com ele a mulher e o filho, Alvaro, de 16 anos. Daí rola, obviamente, uma atração sexual entre Alex e rapaz. Não achei que essa relação foi bem desenvolvida, nem sensível, como haviam me dito. Há angústias, conflitos, dúvidas em todo o enredo. Às vezes, parece que a trama não flui, é carregada. Mas o assunto é tão corajoso que a gente dá um desconto.

A produção argentina de Lucia Puenzo trata de um assunto pesado de uma forma singular. Há vários simbolismos na obra; peixes-palhaços hermafoditas (viva a Discovery Channel) e uma conversa sobre castração seguida de uma cena em que a mãe de Alex aparece cortando cenoura. Além do fato do pai de Alex ser biólogo e o de Alvaro, cirurgião. É sangue e mutilação subentendido em tudo. Assim, da leveza das alusões, o filme acaba caindo na agressividade do discurso.

Outros pontos baixos da produção, na minha opinião: Puenzo não detalha a relação conturbada do médico com o filho, mas, num diálogo mal-encaixado no filme, discute a rejeição que Alvaro sente vinda do pai e deixa no ar a escolha sexual o rapaz. Achei forçado. Muitas outras cenas poderiam ficar subentendidas e não serem ilustradas também. A decoração no quarto da menina, os desenhos em seu caderno, tudo leva a pensar na ambiguidade sexual de Alex. Puenzo coloca a personagem em todas as situações possíveis a fim de representar o dilema da garota. Seria ótimo para uma aula de exposição para alunos de psicologia. Já nós, humildes cinespectadores, ficamos enfadados.

Sim, hermafroditismo é um tabu, assim como aborto, homossexualismo e pedofilia, então é um assunto de difícil tratamento. Porém, não é impossível de fazer um bom trabalho, vide 4 meses, 3 semanas e 2 dias. O que faltou foi um pouco mais de pesquisa do caso, de seus limites de explicitação e do melhor enfoque a ser dado. Se um diretor não está preparado, é melhor não fazê-lo. Lúcia Puenzo pareceu desesperada em ser autêntica e acabou por ser pretensiosa. Dissecou o filme sem necessidade.

XXY foi o filme indicado pela Argentina para a disputa do Oscar de filme estrangeiro de 2008. Eu, particularmente, não escondo de ninguém minha paixonite por filmes argentinos (e pelos próprios cidadãos argentinos, convenhamos). Por isso estava esperando mais dessa produção. Frustei-me, mas, digamos que, valeu a pena.

Sinceramente (como diria minha profa. Petta), o tema é bom, mas a pauta poderia ser melhor. Ou seja, bato palmas para o enredo, mas XXY merecia um roteiro (e um título) melhorzinho. Fica a dica, hermanitos.

O mundo em P&B

2008-03-07T11:01:00.001-08:00

Persépolis era a antiga capital do Império Persa e localizava-se no atual Irã.

É o ano de 1978 em Teerã. O início da nova República Islâmica inaugura a época dos “Guardiões da Revolução”. Em meio ao sonho de se tornar uma profetisa do futuro para salvar o mundo, Marjane, de oito anos, acompanha a queda do xá e as consequências que o novo regime traz para a sociedade.Uma história em quadrinhos. Quer uma maneira mais simples de contar uma história tão complexa quanto essa? Persépolis é singela e, ao mesmo tempo, muito profunda. Afinal, são desenhos que contam agonias reais. O filme dirigido pela Marjane Satrapi, autora dos quadrinhos, e Vincent Paronnaud, é um retrato do mundo, e de suas vítimas. Satrapi toca em pontos delicados, mas discretamente. Estupro, morte, presos políticos e execução ganham contornos em traços fortes de preto. Porém as agonias se dissolvem no humor e na simpatia da pequena Marjane.

Marjane me lembrou bastante de Ana, de A culpa é do Fidel. É o mesmo espírito infantil revolucionário, de constentação, curiosidade e dificuldade em se acostumar com as mudanças que a história impõe na vida das crianças. As perseguições e repressão a membros da família são pontos em comum das duas meninas. A vida entre uma família de intelectuais esquerdistas não é nada fácil, já provaram Marjane Satrapi e Julie Gravas.

Porém, mais do que isso, Persépolis desenha em nossas mentes o medo constante que vivem as famílias em países em guerra. Encanta por dar rosto, história e vida a tantas crianças que sofreram e sofrem com a falta de liberdade e de expressão. Há muitas Anas e Marjanes no mundo. Os conflitos íntimos de Marjane não podem ser considerados clichês por serem comuns. Há muitas garotas iranianas com sonhos e ideais próprios, entretanto, a repressão as impede de alcançá-los, assim como a desigualdade social impede as crianças brasileiras.

Persépolis não se força a ser tocante, adotando um ritmo certo nas passagens de conflitos universais a dilemas pessoais. Admito que achei a passagem da vida de Marjane muito mais interessante do que sua fase de adolescência alternativa que se passa, em grande parte, na Áustria. Sexo, drogas e rock´n roll, claro. Além da dificuldade em viver longe de sua identidade verdadeira. A alienação que Marjane vive em Viena chega num ponto que incomoda e faz a garota, agora já moça, a voltar para suas raízes. Assim, a moça vive com seu país e religião uma relação de amor e de agonia. O uso obrigatório do véu, por exemplo, a faz sentir reprimida dentro de seu próprio país. O amor à seu país, ao final, não supera a impossibilidade de se viver nele.

Contudo, o universo emocional da autora não romantiza o desenho. Sem traços heróicos, Marjane assume uma postura longe do conformismo adulto. Talvez porque ela, como Ana, tenha conhecido o antes e o depois. O colorido e o P&B.

A complexidade da vida dos outros

2008-02-29T10:36:00.000-08:00

(O comentário da semana deveria ser sobre Desejo e Reparação, de Joe Wright. Porém, simplesmente, não consegui escrever absolutamente nada sobre o filme. Aliás, não tenho conseguido escrever nada sobre nada.
Então, posto aqui a resenha que fiz sobre A Vida dos Outros para o site de Cultura Geral da Cásper. Semana que vem melhoro, prometo).

Em seu primeiro longa, o cineasta e roteirista alemão Florian Henckel Von Donnersmarck adota como pano de fundo a Alemanha Oriental em 1984. Sob o clima de opressão do governo comunista, o escritor Georg Dreyman (Sebastian Koch) se mantém longe da vigilância estatal sustentando uma aparente fidelidade ao partido. Até aí, A Vida dos Outros propõe apenas uma reconstituição histórica do regime autoritário da época. Porém, o foco muda quando Georg e sua namorada, a atriz Christa-Maria Sieland (Martina Gedeck) passam a ser visados como possíveis conspiradores e, dessa forma, ameaças ao Partido.Com intuito de monitorar os movimentos e sons do casal, um agente da Stasi, Gerd Wiesler (Ulrich Mühe), instala escutas na residência dos suspeitos e passa a registrar tudo o que se passa na vida dos artistas.
A partir de então o filme deixa de focalizar apenas a polícia política – com sua vigilância constante ao mundo cultural, interrogatórios ininterruptos e registros de cada uma das máquinas de escrever do país–, para dar evidência aos agentes nesse sistema, seja o vigia ou o vigiado. Enquanto Gerd serve à RDA, numa vida melancólica, vazia e fria – destaque à atuação de Mühe com seu rosto apático, olhos invariáveis e voz monótona –, também deixa de se manter indiferente à vida dos outros.As vidas de Greog e Christa, mesmo sem que saibam, passam a depender das escolhas de Gerd, ao mesmo tempo que a intimidade da residência do casal inicia um inconsciente processo de modificação no espião. É quando o trabalho impessoal de Gerd passa a envolver as relações humanas, os segredos e os medos íntimos dos outros. As escutas clandestinas instaladas no apartamento dos artistas permitem então ao agente analisar não só as atitudes políticas do casal, mas a privacidade de um “subversivo” ao país, dando início a seu dilema moral.
Não que Gerd se comova, e sua frase final prova isto.Vencedor do Oscar de melhor filme estrangeiro de 2007, Das Leben der Anderen funde o particular e o histórico, como poucos filmes conseguem fazer – sem parecer historicamente maçante ou particularmente melodramático.

Clichê sem clichês

2008-02-22T19:07:00.000-08:00

Juno, conhecida como Hera na mitologia grega, é a esposa de Júpiter e rainha dos deuses. Juno é também a personagem de Ellen Page e o título do mais novo filme independente do canadense Jason Reitman, do autêntico Obrigado por Fumar. Orçada em US$ 7.5 milhões, a produção arrecadou US$ 71 milhões em apenas um mês. Tem noção do que é isso?
Juno é a história de uma garota de dezesseis anos que, por descuido, acaba engravidando. E é realmente essa a impressão que o filme dá, de "ops, engravidei". Filme clichê? Nem um pouco. Nada de dramas, lágrimas, desespero, pais nervosos, namorado canalha (redundância?) e coisas assim. Aliás, esse é o tipo de filme que nunca passariam no meu saudoso colégio Adventista, durante as palestras de "gravidez na adolescência". Porque o filme faz a situação parecer bem menos trágica. Nada de cenas estilo "Malhação", por favor. Os diálogos do filme soam espontâneos e muito criativos. Assim, Juno é a produção mais comentada do final de 2007/início de 2008, e com razão.

Entre a indecisão de deixar o filho para adoção ou não, Juno conhece um casal disposto a criar o bebê que está para nascer. Os pequenos detalhes do filme fazem tudo ficar originalmente fora dos tipicos filmes hollywoodianos. A parede do quarto de Juno, o telefone de hamburger, suas roupas, seu jeito de andar, falar e a belissima trilha sonora fazem toda a diferença. Pelo menos para mim, que consegui enxergar muito dos meus 16 anos - fora a parte da gravidez, claro. A trilha sonora, por sua vez, vai desde baladinhas de violão meio indies que, se você prestar atenção na letra, tem tudo a ver com o filme, até Carpenters, Belle & Sebastian, Cat Power (ou seria Feist?) e Sonic Youth. Fazia tempo que eu não gostava tanto de uma trilha sonora, desde Viagem a Darjeeling, talvez. (Fica aí a dica para meu presente de aniversário, anotou?).

A relação que criaram entre Juno e Bleeker, Michael Cera (poderia ser alguém melhor?) do Superbad, é também muito envolvente. Sem brigas, gritaria, ceninha, choradeiras. No melhor estilo "You're a part time lover and a full time friend...", como diz a música final de Moldy Peaches. Meu tipo predileto de relacionamento, se me dão licença para admitir. "I don't see what anyone can see, in anyone else, but you". (Tá ok, parei).

Outro ponto alto filme é aquela abertura em animação do filme. Muito, muito bom. A atuação de Ellen Page é estupenda! O personagem de Jason Bateman, da Fantástica Fábrica de Brinquedos, também achei muito bem formatado. E voltando à Ellen Page, ah, pena que não vai levar o Oscar. Mas ainda torço para o prêmio de melhor roteiro original, como torci por Pequena Miss Sunshine.

Para quem não sabe, Juno foi escrito pela ex-stripper Diablo Cody. O que esperavam do roteiro de Diablo é o mesmo que esperariamos de Bruna Surfistinha, porém Juno é o oposto do vulgar; é meigo, singelo e envolvente. Sabe, né, ex-stripper de primeiro mundo é outra coisa.

A culpa é do Mundo!

2008-02-19T12:52:00.000-08:00

{e em homenagem à renúncia do (não tão) querido Fidel Castro...}

Sim, chega de imagens clichês de socialistas e revolucionários. Longe do estilo panfletário ou do filme político, indico, aos amigos - e somente a eles, A culpa é do Fidel (La faute à Fidel!) de Julie Gravas.

Julie Gravas é filha do diretor e militante grego Costa-Gavras. O pai tem um faro apurado para assuntos polêmicos, sendo adepto de dramas políticos. Do lado (não tão) oposto, Julie dirige e roteriza o drama (ou comédia?) A culpa é do Fidel. O filme é uma adaptação do livro autobiográfico da jornalista italiana Domitilla Calamai que, assim como Julie Gravas, viveu a infância no início da conflituosa década de 70.

Gravas apresenta a vida de Ana (Nina Kervel-Bey), uma garotinha de 9 anos criada por pais simpáticos ao regime socialismo, durante a década de 70, na França. O filme retrata a adaptação de Ana a nova realidade que seus pais adotam depois de decidirem se engajar na luta contra o facismo no mundo. Agora imagine o que se passa na cabecinha de uma garotinha de nove anos nessa época. Tanto Ana quanto o irmão caçula, François (Benjamin Feuillet) sofrem os efeitos das mudanças no modo de vida da família. É um filme, então, sobre amadurecimento, auto-conhecimento, sobre acordar para o mundo. Porém, se já é difícil deixar a visão p&b da vida de lado, quem dirá numa época em que as cores ainda não estão nada definidas. Quem é o malvado e quem é o bonzinho? Quem está certo e quem está errado?

Entre a revolta e a ânsia de saber, Ana aprende com os vermelhos-barbudos muito dos acontecimentos que iriam marcar a história do mundo para sempre. E esse é o especial do filme, o retrato do mundo pelos olhos da ingenuidade, pelos olhos de quem ainda não tem preconceitos e está na época da formação de conceitos. Taxada de reacionária, Ana indigna-se com o fato de não poder ler gibis do Mickey ou assistir às aulas de religião. Conceitos como solidariedade, feminismo, aborto, maio de 68, revolução e passeata vão ganhando contornos na mente da menina.

Muito mais do que informativo, A culpa é do Fidel é cômico. Tiradas inteligentes, genuinamente infantis, fazem os 99 min de filme correrem bem mais rápido do que vários filmes de Gavras pai. Entretanto, grande parte desse feito se deve à esplêndida atuação de Nina, que sabe fazer a mais perfeita cara de garotinha de nove anos enfezada com a vida. Mais do que isso, a pequena Nina atua como muita gente grande é incapaz de fazer. Digna de Oscar, eu diria.

Eu, particularmente, sou uma grande fã de histórias com fundo histórico. Das atuais, destaque para A Vida dos Outros. Como o filme de Julie, o que se vê são imagens de vidas pessoais influenciadas pelos momentos historicos em que se passam. São conflitos de valores, ideais e planos que são transformados pelo o tempo e espaço em que se passam. Como ainda e sempre continuará a acontecer. Afinal, nossas vidas não pertecem apenas a nós, mas ao resto do mundo.

Oscar 2008

2008-02-14T12:18:00.000-08:00

Aqui constam os meus palpites para os ganhadores do Oscar desse ano:

Filme - Onde os Fracos Não Têm Vez =)
Ator - Daniel Day-Lewis =)
Ator Coadjuvante - Javier Bardem =)
Atriz - Julie Christie =(
Atriz Coadjuvante - Amy Ryan =(
Diretor - Joel e Ethan Coen =)
Roteiro Original - Juno =)
Roteiro Adaptado - Onde os fracos não têm vez =)
Música Original - That's How You Know =(
Filme Estrangeiro - Beaufort =(
Filme de Animação - Ratatouille =)
Fotografia - Onde os Fracos Não Têm Vez =(
Figurino - Sweeney Todd - o Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet =(
Montagem - Onde os Fracos Não Têm Vez =(
Maquiagem - Piaf - um Hino ao Amor =)
Efeitos Visuais - Transformers =(

Mas sabe, né, são só palpites

(e quem sou eu para dar palpites, amigo)

Valendo um ano grátis de Cinemark.

Então boa sorte para todos nós.

Sweet Depp

2008-02-12T11:10:00.000-08:00

Quando a gente acha que nosso queridissimo Jonnhy Depp já fez de tuuuuudo, aparece o Tim Burton e nos dá mais um motivo para querer estar vivo num domingo chuvoso. Daí eu te digo que é um musical e sua empolgação já broxa, né? Pelo menos é assim que funciona com a maioria das pessoas (que ainda apresentam como clássica exceção Moulin Rouge). Sweeney Todd - O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet é, na verdade, um musical, que é também terror e comédia e romance. Tá, romance nem tanto.

Na verdade, o filme é a adaptação de um musical homônimo da Broadway. Assim, a maioria das falas do filme são cantadas. Po, Jonnhy Depp participava do "The Kids", lembra, então o cara já devia levar algum jeito pra música - e mesmo que não levasse jeito para coisa, hum, quem se importaria tanto? O fato é que as canções não incomodam, aliás são bem agradáveis, mesmo quando parecem meio fora de contexto.

Jonnhy Depp interpreta um barbeiro que, após ter a mulher cobiçada por um malvado juiz, acaba preso injustamente e separado da mulher e filha. Quinze anos depois ele volta como Sweeney Todd e com uma enorme sede de vingança. Daí tem a brilhante idéia de matar seus clientes e doar os corpos para uma cozinheira fazer deliciosas tortas de carne humana. Na verdade, a idéia acaba sendo da cozinheira, que simplesmente junta o útil ao (des)agradável, afinal, que desperdício de carne seria, não é? Lendo a sinopse eu também achei a idéia meio forçada, porém Depp me faz topar qualquer negócio, entende?

O barbeiro Benjamin Barker, de início, só lembra uma versão mais raivosa de Edward Mãos de Tesoura. Mas depois a gente descobre que Barker é muito mais Jack Estripador (ai, saudades de um remake bom) do que nosso ingênuo Edward. Ou seja, o barbeiro gosta de sangue, muito sangue. O começo é sangue, o final é sangue. E no meio tem mais um tantinho de sangue também. E entre tanto sangue adicione um pouco de humor negro, à la Tim Burton.

O cenário não poderia ser mais conveniente; Londres do século XIX, cidade suja e cinzenta, perfeita para qualquer filme de terror. Outro destaque grande do filme vai para o figurino e a maquiagem que, nossa, são dignos de Oscar na minha humilde opinião. Tudo isso cria um ambiente gótico muito proprício ao ataque de um serial killer. Aliás, ambiente esse que lembra os de Burton em A Noiva Cadáver, A Lenda do Cavaleiro sem Cabeça e do clássico sessão da tarde Os Fantasmas se Divertem.

Também acho que Helena Bonham Carter ficou lindissima como a quituteira Mrs. Lovett (lindissima é modo de dizer, ok?). Foi inevitável não lembrar dela no Clube da Luta, sabe? Ela tem sempre aquela cara de maluca-macabra. E ainda tem o Snape do Harry Potter como o juiz Turpin - com aquela cara de malvado perfeito para qualquer papel de vilão - e o Borat (Sacha Baron Cohen) como o barbeiro concorrente do Todd. Belissima salada, não é?

O ponto alto do filme para mim foi a última cena. Já viu coisa mais romântica e sangrenta ao mesmo tempo? Clássica e nojenta. Lindo. Lindo. Lindo. Aplaudo Burton e Depp de pé. A gente fica só esperando pela sétima parceria dos dois, e, sabe, minhas expectativas não tendem a diminuir não, viu.

Só uma observação: por favor, não ousem fazer uma versão dublada do filme, ok?

Um olhar forte sobre um mundo fraco

2008-02-08T08:12:00.000-08:00

Preciso admitir que há tempo não assistia a um filme que tivesse mexido tanto comigo. E quando digo mexido, é literalmente mesmo. Não parei na poltrona nenhum instante sequer. Cruzava e descruzada as pernas, subia, descia, deitava, de frente, de lado. Foi tanto que o cara do meu lado perguntou se eu estava bem; e olha que a poltrona do Cinebombril é grande o suficiente para você não incomodar ninguém, né. Mas desde a Mostra Internacional que eu estava louca por assistir o romeno 4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias (4 Luni, 3 Saptamini Si 2 Zile), de Cristian Mungiu. Proibindo-me de ler qualquer crítica sobre o filme antes de vê-lo, foi uma espera que valeu a pena.
Com esse filme Mungiu levou a Palma de Ouro no ano passado, e mais do que isso, comprovou que as projeções romenas pendem para um drama com fundo histórico. 4 Meses... é sobre os anos do comunismo, não sobre a política, mas sobre a população. Em 1987, Otilia (Anamaria Marinca) e Gabita (Laura Vasiliu) dividem um quarto num dormitório estudantil. Entre contrabandos de cigarros e anticoncepcionais, as duas vivem numa pequena cidade cinzenta na Romênia. Então, Gabita engravida e vai atrás de um aborto. Porém, nada é tão fácil.
4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias pertence ao projeto "Histórias da Era de Ouro - uma história subjetiva do comunismo na Romênia", em que, através de lendas urbanas, diferentes histórias pessoais, narra-se os dramas dos tempos de comunismo. A projeção não coloca pontos finais, só interrogações. Vai dar certo? Há remorso? Vale a pena?
4 Meses... é um tanto quanto imprevisível, isso é fato. A começar que a câmera segue a trajetória de Otilia, não de Gabita. Então passamos a maior parte do tempo ansiosos por imaginar o que estaria acontecendo com Gabita. Eu diria que é um drama pesado, mas sem exageros. Os personagens não precisam es esforçar para deixar-nos aflito. Por vezes, o silêncio e o escuro já são suficientes. Não há efeitos de suavização, o filme expõe a situação; você tem que estar disposto a vê-la. Ou seja, 4 Meses... frusta nossas expectativas, mas de um modo muito bem-vindo, obrigado.
4 Meses... está muito mais próximo da realidade da vida do que qualquer filme Hollywoodiano. A antítese de atitudes entre Otilia e Gabita é um dos pontos altos por não permetir personagens planas. Não há fundo ético ou moralista contra o aborto. Tanto que, depois da sessão, no banheiro, havia duas madames comentando sobre o absurdo do filme não dar nenhuma lição sobre o aborto(?). O que há é uma crítica ao regime comunista romeno da época que fez as adolescentes se submeterem a coisas a quais não estavam preparadas (e a quais nós também não estamos preparados para ver).
Romênia é, atrás da França, o país onde mais abortos se praticam na Europa, são os mais altos indíces de aborto ilegal do mundo. 4 Meses... expõe a idéia crua e nua, sem cortes de tensão e sofrimento. Aquele típico realismo social e crítico do cinema europeu, contrário ao gosto de noveleiros de plantão. Contrário ao gosto de madames moralistas e comunistas alienados. É necessário estar pronto ao "mal-estar cinematográfico". Estar pronto para acompanhar a angústia de alguns entre a felicidade de outros. É o aborto entre jantares e casamentos.Aquela sensação de perder o irmão na praia durante o ano novo, entende?
Impactante, é minha definição ao filme. Mungiu te força a tomar uma posição ao ver o feto inocente morto no chão do banheiro e a garota frágil deitada na cama. Faz ver que num regime autoritário na tentativa de ajustar o comportamento da sociedade, a repressão torna mais fácil cair na imoralidade, na clandestinidade e no cinismo social.

Traficantes e seus problemas com nomes

2008-01-29T10:16:00.000-08:00

O comentário geral de quem assiste a Meu nome não é Johnny é quase sempre: "Ah, pra um filme brasileiro tá muito bom, né?". Como assim, "pra um filme brasileiro"? O problema é que a maior parte das pessoas, quando vai assistir a um filme brasileiro, se prepara para tal. Quer dizer, você não pode criar expectativas muito grandes, afinal o nosso país ainda é pobrezinho no quesito cinema, né? (Aliás, em que quesito já deixamos de ser pobrezinhos?).
Já é indiscutível nossa necessidade cinematográfica de retratar o mundo do crime do Brasil, né? Cidade de Deus, Carandiru, Tropa de Elite. Mas fazer o que? A galera gosta, faz sucesso. Porém, Meu nome não é Johnny tem o diferencial de retratar uma realidade que está perto dos cinespectadores brasileiros. Afinal, quem vai ao cinema no Brasil, senão a classe média? João Guilherme Estrella pode ser (e, às vezes, é) o filho de muitas dessas madames ou senhoras de respeito que sentam ao meu lado no Cinebombril ou no Reserva Cultural.
Diferente de Dadinho (ops, Zé Pequeno, foi mal), o personagem principal da trama interpretado por Selton Mello é um cara que tem a opção de escolher outra vida. Mas, de repente, de usuário Johnny (ops, João, foi mal) passa para um dos grandes traficantes do Rio na década de 80. Se ele teve mais opção do que Dadinho, por que criamos um carisma por Estrella? Em parte pelo tom debochado que o roteiro criou para o personagem. Tom debochado, aliás, acompanhado de piadinhas bem estilo Selton Mello. Em certas cenas, você vê o Selton Mello e não o personagem. É quase a mesma coisa que eu falei no post anterior sobre o Will Smith em Eu sou a Lenda; agora tenta colocar o Reynaldo Gianecchini no lugar do Selton Mello. Ninguém merece, né? Assim, o filme flui, acompanhado de uma trilha sonora meio pop, incluindo Lobão e Titãs.
Sinceramente, fiquei curiosa para ler o livro que conta a história "real" do personagem, escrito pelo jornalista João Fiúza. Gostaria de saber se a relação causa-consequência entre criminalidade e ambiente familiar que se demonstra no livro é a mesma desse filme de Mauro Lima, ou houve algumas mudanças no roteiro para que o filme fosse melhor aceito pelo público.
Dois pontos baixos do filme, na minha opinião. Preciso admitir que não sou muito fã da Cléo Pires. Nesse filme, até preferi a atuação de Rafaela Mandelli, como a Laura, a da Cléo Pires, como Sofia. Segundo aspecto detestável foi aquela lição de moral que a juiza, interpretada por Cássia Kiss, passa ao dizer que João foi um "caso exemplar de segunda chance". Daí você sai do cinema com aquela impressão de que acaba de ver um filme da Disney, sabe? Ou seja, as cenas finais tiram totalmente a liberdade do cinespectador de chegar a suas próprias conclusões sobre o personagem e se aquelas lágrimas de João no julgamento são mesmo justicativas para o seus crimes.
Fico pensando: se ao invés da Cássia Kiss, tivessem colocado o Capitão Nascimento para julgar o caso, haveria tanta compaixão pelo pobre João Estrella? Eu acho mesmo que ele teria mandado trazer o saco, isso sim.

(E fica outra pergunta: de quem o povo brasileiro ficaria do lado? Do superjusticeiro Capitão Nascimento ou do fanfarrão João Estrella?)

Ficção científica reciclada

2008-01-24T09:31:00.000-08:00

Ficção científica é um gênero cinematográfico que tem sofrido algum preconceito nos últimos tempos. Mas, na verdade, poucos sabem o que realmente pode ser classificado como ficção cientifica e que o que acontece hoje é uma grande fusão desse gêneros com outros, como ação, terror, policial, entre outros. Tudo o que apresenta estórias fictícias ou fantásticas, propondo acontecimentos que podem vir a acontecer hoje ou num futuro, pode ser considerado ficção científica.

O curioso é que a FC é um gênero muito mais antigo do que se pode imaginar. Livros de Júlio Verne e H. G. Wells foram transformados em filme desde muito tempo. Em 1902, por exemplo, Meliés fez Viagem à Lua. Consegue imaginar uma ficção científica de 1902? Pois nesta terça-feira eu fui a um fórum de FC (ó, que coisa nerd) e vi algumas cenas desse filme, entre outros.

Invasões extraterrestre, viagens no tempo, viagens para fora da Terra, criaturas especiais, futurismo, guerras espaciais, experimentos científicos... Tudo isso é ficção científica. E tem das boas e das ruins.

Admito que sempre achei Metropolis (1927), de Fritz Lang, uma grande chatice. Já devo ter tentado assistir umas quatro/cinco vezes. Já 2001- Uma Odisséia no Espaço (1968), do Kubrick, está na lista dos meus filmes prediletos. Sem deixar de citar o Laranja Mecânica (1971) que também pode ser considerado ficção científica e, para mim, das boas.

Do Ridley Scott, nunca fui muito fã de Alien (1978), porém Blade Runner (1982) é ótimo em tardes monótonas de domingo (redundância?) para pessoas sem TV a cabo. Do Spielberg, temos o indiscutivelmente clássico ET- O Extraterrestre (1982), além do meu predileto e inesquecível (principalmente por conta da musiquinha irritante) Contatos Imediatos do Terceiro Grau (1977).

Dos mais atuais, A.I. - Inteligência Artificial (2001) ainda se salva, apesar de ser muito mais um drama melacueca do que uma legítima ficção científica, ok? Minority Report (2002), do fódão Spielberg também, vai esgotando aquelas velhas reflexões de determinismo e livre-arbítrio.

Sobre Star Wars(1977-2005) e Planeta dos Macacos (1968) eu vou precisar de posts específicos porque meus devaneios são muito mais complexos do que esses comentários em tópicos.

Na verdade, eu escrevi tudo isso para dizer que assisti Eu Sou a Lenda (I am Legend) e, putz grila, isso que é ficção científica dos dias de hoje? Ok ok, é um filme muito mais de ação com uma pinta meio Resident Evil. Pois eu acho que qualquer outro ator que fizesse o personagem do Will conseguiria estragar o filme todo. Consegue imaginar o Tom Cruise como o Dr. Robert Neville? Quem aguentaria mais de uma hora só com o Tom Cruise como personagem? Poderiam até colocar no papel da cachorra Sam a Lessie que não salvaria.

Está certo que o filme é só uma nova adaptação da clássica história de terror escrita por Richard Matheson em 1954. Quando digo nova é porque já haviam outras duas (Mortos que matam, 1964, e A última esperança sobre a Terra, 1971). É com isso que estou preocupada, amigo.

Será que os filmes de ficção científica tendem a ser, daqui em diante, só uma reciclagem de histórias e, pior, pensamentos antigos? Tem como uma ficção científica fugir do filme comercial? Sinceramente, estou esperando para ver o sul-coreano O Hospedeiro e o hollywoodiano Cloverfield. Mas não quero me iludir, então nem imagino grande coisa. Ou serei eu uma pessimista?

Em Paris com Louis Garrel (suspiros)

2008-01-21T12:24:00.000-08:00

“Subestimamos a tristeza dos outros”. Essa é a frase que dá a melhor sinopse de Em Paris (Dans Paris). O drama de Christophe Honoré é sobre Paul (Romain Duris), que acaba de se separar da mulher e retorna a Paris para perto do pai e do irmão. Mediano, é o máximo que posso dar ao filme. Isso estava na cara, ou melhor, na sinopse. Está certo que ver, mais uma vez, Louis Garrel completamente nu não foi tão insuportável assim.
Também com Christophe Honoré, Garrel fez Canções de Amor, um filme dramático musical. Ainda não vi, mas não acredito que Garrel possa ficar muito mal cantando, não é? Gostei bastante de Amantes Constantes, mesmo tendo cochilado por alguns segundos durante o filme. Afinal, é um filme em P&B, sem trilha sonora (pelo menos, eu não lembro de nenhuma), com enquadramentos cansativos, em francês, com três horas de duração. Aliás, em Amantes Constantes, foi o próprio pai de Louis, Philipe Garrel, quem dirigiu o filho. Mas meu preferido continua sendo Os Sonhadores, do Bertolucci, tanto pelo enredo, quanto pela (lindíssima) Eva Green.
Depois de "Na banheira com Louis Garrel", vem "Em Paris com Louis Garrel". Juro que não costumo fazer isso (assistir um filme por conta de um único ator), mas admito que vi o filme somente por conta do, meu queridissimo, Louis Garrel. Isso não é um blog jornalístico, ok? Então um pouco de tietagem explícita não vai ferir nenhum princípio. Não sei ao certo o motivo, mas Garrel me pareceu ter feito um personagem muito parecido com ele mesmo. Quero dizer, Jonathan, de Em Paris, sugere uma autenticidade muito maior do que François, de Amantes Constantes. O fato de Garrel interagir com o público talvez seja uma das explicações. Aliás, a minha cena preferida no filme foi aquela em que Louis aparece entre dois cartazes de cinema e sorri para a tela, deixando clara a ironia da cena.
Essa intransigência com os moldes narrativos tradicionais do cinema faz Em Paris ser identificada com o estilo cinematográfico nouvelle vague. Também pela linearidade narrativa um pouco distorcida, em que a narração ocorre a partir de fragmentos, não organizados pelo tempo, mas pela evolução dos personagens. O mais interessante de Em Paris é que o filme parece vazar da tela, interagir com o cinespectador. A introdução apresentada por Louis Garrel, sim, pelo ator e não por Jonathan, é o ponto alto dessa interação, além da cena em que Jonathan aparece lendo o livro “Dans Paris” de Salinger.
Ah, sobre o filme... eu gostei da trilha sonora e da interação que os personagens têm com a música. Mas sempre quando um personagem começa a cantar num filme, sinto um clima desconfortável pairando sobre a sala. Não sei explicar bem. Porém, alguém deve me entender. Digo apenas mais que Em Paris é um filme leve, tanto que eu não o senti passar. Claro que o fato de ser ambientada em Paris, já dá uma leveza à obra. Mas a verdade é que Honoré não fez um filme sobre depressão amorosa, mas sobre readaptação, sobre reação frente à tristeza alheia.
Se eu fosse escrever sobre as reflexões que tive após o filme, enquanto tomava solitariamente meu chocolate quente, isso aqui ficaria bem parecido com um dos meus blogs de uns cinco anos atrás. Digo apenas que foi o melhor filme que já vi sobre tristeza, o mais próximo da minha concepção de tristeza, ao menos. (Exceto aquela baboseira de cor dos olhos e blábláblá).
Ou seja, esse filme, definitivamente, não é indicado para machões. Se seu filme predileto é algum dos Velozes e Furiosos, Duro de Matar ou TriploX, não assista Em Paris. Agora, se você acha Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças uma gracinha, existe alguma chance de você gostar desse aqui.

(Como meu caso não é nenhum dos dois, eu fico só com Louis Garrel. Em Paris ou na banheira. Tanto faz.)

Entre o paraíso e o inferno

2008-01-16T05:51:00.000-08:00

Pare e pense: ainda há espaço para heróis das lutas de libertação nacional? Como se distingue hoje um participante de uma luta legítima de um terrorista? Aliás, o que é uma luta legítima por libertação e o que não passa de terrorismo?
Robert Mugabe e Nelson Mandela, líderes em Moçambique e Àfrica do Sul, foram, em algum momento, líderes de movimentos de libertação nacional que se utilizaram de violência. O que me parece é que essas lutas pela libertação nacional têm sido tanto mais dura quanto mais repressora é a dominação estrangeira. A indignação de um povo frente à destruição de suas instituições, crenças e independência tende a se expressar em atos terroristas. Mas, por algum motivo, um ato desse se justifica?
Quando assisti Paradise Now, uma parte da minha mente pareceu ter escapado da alienação da chamada verdade universal. Quero dizer, do que diabos eles estão falando quando se referem à "guerra ao terror"? Paradise Now conta a história de dois jovens palestinos que se preparam para um ataque suicida em Tel Aviv, Israel. O filme não faz, de maneira nenhuma, apologia ao crime.
O subtítulo dessa produção palestina é um tanto quanto estranha à sinopse do filme: "De um inesperado lugar, surgiu um corajoso e novo grito de paz". Como se fala de paz num filme sobre homens-bombas? Paradise Now venceu o Globo de Ouro de melhor filme estrangeiro, em 2006, e foi indicado ao Oscar. Creio ser sempre merecido prêmios a produções que escapam (ou, ao menos, tentam escapar) do clichê, do lugar-comum, do olhar preconceituoso. Pareceu-me um relato corajoso sobre crenças próprias e nacionalismo. Um filme que soube dar um contexto humano para ações desumanas, sem adotar um caráter ideológico.
E é disso que se precisa. Muito mais do que aliados à tal "guerra ao terror", precisa-se de gente que pare para pensar antes de rotular. O terrorismo já foi usado várias vezes na luta por mudanças de regime, principalmente aos autoritários. Mas até que ponto essa tática é aceita, mesmo que o intuito seja libertar-se de um opressor? Nos dias atuais, qualquer ação militar contra um poder estabelecido é considerado terrorismo.
A luta do Iraque é um exemplo clássico e, amplamente, comentado. Porém, nesse caso, é possível notar que há diferença em lutar pela libertação de um país e lutar pela imposição de certa ideologia. Meus conhecimentos de geopolítica são escassos demais para qualquer tomada de posição. Só ouso perguntar como poderão surgir líderes expressivos frente à grupos de libertação nacional se esses podem ser confundidos com terroristas? Ou seriam eles mesmo terroristas?
Outra hipótese é, a bastante difundida pelos meios de comunicação, de que, em pleno séc. XXI, todos já são livres. Então, atos de rebeldia são, unicamente, terroristas. Fina é a fronteira entre um nacionalista convicto e um terrorista alienado. Mas daí aparece a sétima arte, para indicar um caminho fora do óbvio, apresentando o fato e permitindo que tiremos nossas próprias conclusões.

Uma tigela de surrealismo com uma colher de metafísica, por favor

2008-01-14T09:28:00.000-08:00

Primeiramente, ninguém é bom (ou louco) o suficiente para fazer uma resenha de um filme de David Lynch. Ninguém traduz o surrealismo. Sinto muito, amigos.
Você assiste Império dos Sonhos (Inland Empire) e chega a uma única conclusão: Lynch é completamente doido. Sim, o cara é insano, só pode ser. Eu gostei de A Estrada Perdida. Em Cidade dos Sonhos achei que ele tinha forçado um pouco, mas no fim o trabalho ficou muito bom, obrigado. Império dos Sonhos segue praticamente a mesma linha de raciocínio (se é que isso existe para Lynch). Já está mais do que óbvio o fanatismo do cineasta pela metalinguagem do mundo do cinema e por crimes.
A sinopse do filme é a seguinte: "A atriz de Hollywood Nikki Grace recebe uma oferta para interpretar a infeliz Sue Blue, protagonista do novo filme do diretor Kingsley Stewart. Nikki não se detém mesmo quando descobre que está no remake de um filme polonês chamado 47, que nunca foi finalizado porque os atores principais se apaixonaram e acabaram assassinados com uma chave de fenda oxidada. Quando se permite ser seduzida por Devon Berk, seu parceiro na trama, o mundo transparente de Nikki se transforma. Os amantes chamam um ao outro pelos seus nomes da ficção e as fronteiras entre várias realidades diferentes se misturam".
Sinceramente, esse é só o pano de fundo. Porque muito mais personagens aparecem e desaparecem ao longo da narrativa. Enquanto assistia ao filme, numa lotada e desconfortável sala do HSBC Belas-Artes, ouvi muitas risadas. Principalmente no final do filme, chega uma hora em que as pessoas estavam tão transtornadas que apenas riam das coisas que pareciam não ter sentido.
Lynch faz os espectadores perderem a noção de tempo e espaço. Não dá para saber o que está acontecendo, vai acontecer ou nunca aconteceu.“Eu não sei o que veio antes ou depois. Não consigo distinguir o ontem do amanhã e isso está fodendo com a minha cabeça.” É essa fala da personagem de Laura Dern a que mais faz sentido durante o filme.
Império dos Sonhos teve, para mim, uma aura bem mais confusa do que assustadora. A iluminação, os efeitos sonoros, a fumaça, os close-ups. Pessoalmente, em certo momento do filme eu estava muito mais desesperada em compreender do que ansiosa pela cena seguinte. Em certos momentos, os sons cujos graves vibravam caixa afora fizeram toda a diferença. Lembrei bastante de Alice no País das Maravilhas e Twin Peaks (na minha opinião, o melhor de David Lynch). O caráter hipnótico do filme é orientado pelas múltiplas personalidades que a atriz Laura Dern assume. Mas é impossível descrever precisamente quais são os elementos que fazem Lynch ser considerado o grande mestre do surrealismo cinematográfico.
Lynch poderia ter cortado em qualquer parte a partir das 2h45 de projeção que ninguém sentiria a menor diferença. Diriam que fez sentido do mesmo jeito. Aliás, aconselho a tentar não olhar no relógio nenhuma vez durante o filme. (Os dois rapazes ao meu lado olhavam a cada cinco minutos). Império dos Sonhos é também um grande exercício de memória e capacidade de associação de personagens, cenas e imagens. Por isso tente ve-lo mais como um jogo e não como uma produçãosupercultcomsimbologiasenigmaticas. E não se sinta forçado a achar o filme interessante só porque não entendeu, pelo amor de deus.
A estética noir combinada com o universo lynchiniano de cortinas vermelhas, abajures e coelhos deixam as três horas de projeção muito menos pesadas. Olhares através de janelas, frestas, cada corredor, sala, beco levam a novas dimensões. Até os créditos finais são acompanhados de uma cena um tanto quanto peculiar envolvendo dança contemporânea, um macaco e um lenhador. Enfim, Império dos Sonhos é um filme genuinamente David Lynch tanto que o nome do cineasta aparece na direção, roteiro, fotografia e produção. Se o cara chegou a esse ponto, de fazer um filme a seu completo gosto, ele deve merecer, não é?
Lynch sempre diz que cada espectador tem o direito de achar o que quiser do filme. Quando sairam do cinema as pessoas pareciam receosas em soltar qualquer comentário. Havia muitos pontos de interrogação nas testas e algumas conversas um tanto quanto pretensiosas. Dois nerds que estavam na minha frente na saída começaram a fazer reflexões complexas sobre a simbologia lynchiniana em paralelo com as pinturas de Salvador Dalí. Ao mesmo tempo em que me senti uma completa leiga, também me senti aliviada por não ter que começar uma conversa fiada com ninguém.
Eu diria apenas que foi a melhor experiência metafísica que já tive.